立场 模式 语境 当代艺术史书写 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

高名潞 著

图书标签:

• 当代艺术史
• 艺术史书写
• 立场
• 模式
• 语境
• 文化研究
• 艺术理论
• 批评理论
• 现代艺术
• 后现代艺术

出版社： 中央编译出版社

ISBN：9787511731135

版次：1

商品编码：11988231

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-10-01

用纸：纯质纸

页数：273

内容简介

　　中国的当代艺术已经走过了三十年的历程，并且在当今呈现出多元活跃的状态，不论从艺术创作、艺术史书写还是艺术教育方面来讲，都需要对过去的历史有清晰的梳理和认知，以此汲取向前推进的力量。本书将“艺术史书写”的议题分解为四个专题，分别从方法论转型、理论立场、身份以及体制与艺术史书写的关系展开讨论，邀请知名中西方学者撰稿。西方学者从过往的对于西方当代艺术的书写经验、思考逻辑出发，国内学者则从中国当下的艺术情境展开，对当代艺术史进行了精彩的讨论。本书是中西方学术对话的结晶，对探寻中国当代艺术史的书写具有重要意义。

作者简介

　　高明潞，美国哈佛大学博士，美国匹兹堡大学艺术史及建筑史系教授，天津美术学院当代艺术研究所所长。主要著作有《中国当代美术史1985—1986》（合著）、Inside Out：New Chinese Art、《中国前卫艺术》《中国极多主义》（中英文）、《墙：中国当代艺术的历史与边界》（中英文）、《另类方法，另类现代》《“无名”：一个悲剧前卫的历史》《意派论：一个颠覆再现的理论》、Total Modernity and the Avant-Garde in Twentieth-Century Chinese Art等。策划的重要展览有“中国现代艺术展”“Inside Out：New Chinese Art”“丰收：当代艺术展”“中国极多主义”“The Wall”以及“意派：世纪思维”等。

目录

【中文目录丨英文目录】
邓国源 前言
姜 陆 “当代艺术史书写——国际学术研讨会”开幕致辞
高名潞 “当代艺术史书写——国际学术研讨会”致谢
Gao Minglu Acknowledgment
高名潞 序言 当代艺术史从何时开始？
一
方法论转型和当代艺术史书写
［美］帕梅拉·M. 李 当代，那时与现今：个人以及一代人的观点
沈语冰 西方当代艺术研究在中国
朱 其 中国当代艺术史的判断标准
杨冰莹 当代艺术史的书写逻辑
［从西方艺术史写作传统看中国当代艺术史写作方法体系建立的可能性］
二
理论立场和当代艺术史书写
［英］保罗· 葛思谛 超越鄙视（当代性）：论关于国际后现代主义
艺术理论和中国当代艺术理论的多方对话
常宁生 中国当代艺术问题
牛宏宝 福柯之后艺术史书写的可能性
鲁明军 档案与田野：“物”之视觉考古与当代艺术史写作
［兼析张晓刚的言路与心路，1981— 2011］
邹建林 试谈汉斯·贝尔廷对当代艺术的界定
郭雅希 中国当代艺术史书写的核心和理论指涉所在
邵 亮 孟宪晖 艺术与艺术写作的未来
三
身份和当代艺术史书写
［美］杰夫· 卡普兰 人民的力量：激进出版物的设计以及对立文化的
兴起，1964— 1974
王明贤 1967 年红卫兵展览与中国现代美术之转向
王璜生 策展机制与中国当代艺术史书写
刘悦笛 如何从“跨文化”视野撰写“世界艺术史”？
［兼与大卫·卡里尔商榷］
［美］安静 讨论《现代主义和二十世纪艺术批评中的中国“他者”身份》
夏可君 未完成的杜尚：“虚薄艺术”对现代性的重写
四
体制和当代艺术史书写
周 彦 艺术体制：批判与批判的体制
［德］海因茨- 诺贝尔特· 约克斯 关于现今一种可能的艺术史的哲学思考：
为什么我们绕道东方和绕道西方同样富有成效？
郝青松 谁之立法：当代艺术史写作的主体价值与知识生产困境
附录
何谓“当代艺术”——问卷调查与部分回应
董丽慧 译 附录1 豪·福斯特
周 彦 译 附录2 奥奎·恩维佐
高学森 译 附录3 亚历山大·阿尔贝罗
安夜明 译 附录4 尤利亚妮·雷本蒂施
马彩虹 译 附录5 克里斯托弗·P·霍耶尔、
马修·杰西·杰克逊和安德鲁·珀查克
汪海燕 译 附录6 海伦·莫尔斯沃斯
史蒙蒙 译 附录7 帕梅拉·李
程子珊 译 附录8 詹姆斯·埃尔金斯
马彩虹 译 附录9 詹姆斯·迈耶
李本正 译 附录10 特里·史密斯

前言/序言

　　当代艺术史从何时开始？
　　高名潞
　　当代艺术从何时开始？它的起源主要由什么特点决定？或者说，如果现代主义和后现代主义都为自己描述了一个哲学宣言，那么当代艺术的哲学是什么？甚至，不少人问，在终结论和后历史主义之后，当代艺术还有哲学吗？
　　如果我们把这个问题暂且放到一边，首先来看看西方当代艺术史书写是如何为当代艺术分期的，或许，我们可以从中发现当代艺术的哲学起源。目前西方学者对当代艺术的分期主要有三种意见。
　　1945 年，战后分期
　　第一种分期，当代艺术始于“二战”结束的1945 年。这是目前最为陈旧，但是在欧美广为接受的说法。很多当代艺术史的名称都采用了大同小异的“1945 年以来的当代艺术（contemporary art since 1945）”做标题。
　　此外，“二战”结束后的冷战立场似乎是1945 年以后的当代艺术的重要参照和标准。战后当代艺术实际上仍然是西方（或者欧洲）现代艺术史的延续。在80 年代以来发表的诸多“1945 年以来的艺术”的教科书中，这个时代被看作一个新的艺术史时期，就像它之前的文艺复兴、巴洛克、新古典主义、浪漫主义再到现代主义一样，只不过很难像这些流派一样用一个什么“主义”为这个新时期命名。这种视角是最初战后当代艺术叙事的主流，最典型者为劳伦斯·阿罗维（Lawrence Alloway）撰写的《1945 年以后欧洲和美国的艺术》，即“战后艺术史”的著作。阿罗维是首位力图为“战后艺术”的崛起找到充分理论和观念依据的重要的艺术史家。90 年代以来，在英语出版物中，他又陆续发表了多种“1945 年以来的当代艺术”的专著和教科书。
　　显然，这些以欧美为中心的1945 年之后的艺术史中，战后艺术仍然是战前现代主义的延续。美国的战后抽象表现艺术成为主流叙事。它讲述了战前的欧洲抽象主义是如何转化为另一种国际主义的（即美国式的）抽象表现主义的，后者随之成为战后艺术史的主要价值系统。b“当代”在这个叙事中意味着对战前现代主义的承接和异变。基于此，“二战”后的美国抽象表现主义（以及50 年代后期出现的极少主义）被归入“后形式主义”（post formalism），早期抽象主义是形式主义。
　　近年的重要出版物《1900 年以来的艺术》是由《十月》小组的四位艺术史家——福斯特、克劳斯、布瓦和布赫洛撰写的。这本书也把20 世纪分为战前和战后两卷，实际上就是现代和当代的区分。但是，作者否认这种断裂性，声称这样分期乃是为了符合学院艺术史教育的现状。同时，作者试图让主题、观念和流派穿越不同的时期，甚至那些决定着艺术作品产生的几种方法论：1. 心理分析学；2. 艺术社会史；3. 形式主义和结构主义；4. 后结构主义和解构主义；按作者所说，也可以打破前后时代界限，贯穿战前和战后的艺术史之中。所以，为力求客观，此书以历史事件，即每年发生的重要艺术事件为线索来展开作者的20 世纪艺术史叙述。
　　这似乎是合理的叙事角度。比如，杜尚、达达和超现实主义也是“二战”前的现代艺术现象，但是在诸多“1945 年以后的艺术”的叙事中，人们更愿意把这些战前的前卫流派视为60 年代以后的当代艺术，特别是观念艺术的直接起源。这个脉络则构成了形式主义逻辑之外的另一个前卫历史逻辑。这就是许多欧美批评家和艺术史家所津津乐道的老前卫和新前卫，或者“二战”前的正统前卫（canonical avant-garde）向战后“新前卫”（neo-avant-garde）的转化历史。
　　然而，东欧和苏联以及非西方的战后艺术当然被所有战后艺术史排斥在外。社会主义国家的艺术作为“当代艺术”的对立面被笼统地冠以“集权主义”艺术，并自然地与希特勒纳粹一起被划入集权艺术阵营。b然而，“二战”是反法西斯阵营战胜反人类阵营的有关人类基本道义的战争。这个战争对人类生存的意义远远大于现代主义和古典主义的文化之间的对立，甚至自由主义和共产主义之间的意识形态的对立意义。“二战”期间和战后，在东欧、苏联包括中国都出现了很多表现民众反战、反腐败的批判性的大众传媒艺术，比如，在中国，就出现了很多漫画、版画、年画和招贴等生动的反战艺术。但是如何把这部分艺术纳入一部非冷战叙事的全球现代艺术史之中则是一个颇具挑战、迄今为止尚无人尝试的课题。

好的，这是一本关于全球化时代下，城市空间变迁与身份认同重塑的图书简介： --- 喧嚣的边缘：全球化浪潮中的城市肌理与个体浮沉 导言：铁轨与霓虹的交响 本书深入剖析了二十一世纪以来，全球化进程如何以前所未有的速度和广度，重塑了世界范围内的城市景观与社会结构。我们不再将城市视为一个静止的地理实体，而是将其视为一个由资本流动、信息洪流和人口迁徙共同编织的动态场域。从上海的摩天大楼到柏林的后工业区，从孟买的贫民窟到多伦多的多元文化街区，城市正成为全球性力量相互碰撞、拉扯与融合的微观剧场。本书旨在揭示在这一剧变之中，个体经验如何被压缩、扭曲或意外地解放，以及“家园”和“归属感”这些传统概念如何面临瓦解与重建的困境。 第一部分：资本的拓扑学：基础设施与空间重构 全球化首先通过物质性的基础设施——港口、高速公路、数据中心和金融区——对城市进行物理上的切割与重塑。本部分着重考察“超级城市”（Megacities）的崛起，以及随之而来的空间不平等问题。 看不见的边界：从功能分区到阶层隔离 我们详细考察了“新城市主义”的思潮如何在追求效率和美观的同时，无意中加剧了社会阶层的物理隔离。通过对某国际化都市中央商务区（CBD）与周边新兴居住带的对比研究，我们发现，城市规划并非中立的技术行为，而是资本意志的体现。高耸的玻璃幕墙不仅是财富的象征，更是将低收入劳动者排斥在核心经济活动之外的无形屏障。这种空间上的“去混合化”（De-mixing）如何影响了邻里关系和社会资本的积累？ 工业遗存的幽灵：棕地开发与记忆的清除 随着制造业向低成本地区转移，大量城市中的“棕地”（Brownfields）成为改造的焦点。本书批判性地分析了城市更新项目（Urban Regeneration Projects）的意识形态。在将旧工厂和仓库改造成高端公寓、艺术园区或科技孵化器的过程中，城市历史的物质载体被系统性地抹去。我们探讨了这种对“过去”的清洗，如何服务于一个面向未来的、高效且消费主义的城市叙事，以及那些被清除的工业记忆对社区集体认同感造成的潜在断裂。 流动性悖论：通勤时间与存在焦虑 全球化要求劳动力的高度流动性，但这常常以牺牲通勤者的生命时间为代价。本章分析了超大城市圈中日益增长的“超级通勤者”现象。长时间的通勤不仅是生理上的消耗，更是心理上的“去中心化”过程——个体被困在“家”与“工作地”这两个被空间拉伸的极点之间，无法真正扎根于任何一个地方。 第二部分：身份的流变：迁徙、文化交织与“在地性”的危机 城市是文化碰撞的熔炉，但在全球资本的筛选下，这种碰撞往往呈现出表演性而非真正的融合。 文化商品的本地化：从“异域风情”到主题街区 全球化催生了对“异域性”的巨大需求。本书审视了唐人街、小意大利等传统族裔聚居区如何在旅游业和地产开发的压力下，从真实的社区生活空间，转变为高度程式化的文化主题公园。这种“打包出售”的文化体验，固化了外部视角对特定群体的刻板印象，并迫使本地居民在保留真实身份与迎合消费需求之间做出艰难抉择。 数字移民与“屏幕上的家园” 随着互联网和社交媒体的普及，身份认同不再完全依赖于物理邻近性。来自不同国家和背景的个体，可能通过在线社群形成更紧密的联系，这被称为“数字移民”。本书探讨了这种现象对传统城市社区结构的挑战：当一个人的主要情感联结和政治参与发生在虚拟空间时，他对脚下这片土地的责任感和依恋感会如何变化？虚拟社群能否提供真实社区所能提供的社会支持和安全感？ “全球公民”的焦虑：跨国阶层的疏离感 针对那些在全球化精英阶层中流动的高管、学者和技术专家，本书探讨了他们独特的“无根感”。他们可以在任何地方工作，却感觉“无处可去”。他们的生活围绕着国际机场和五星级酒店展开，对当地的日常政治、天气变化或邻里八卦缺乏参与，这形成了一种特殊的、特权性的身份疏离。 第三部分：抵抗与再编码：城市边缘的创造性实践 即使在强大的资本和规划逻辑之下，城市空间依然充满着韧性和抵抗的潜能。本书的最后一部分聚焦于个体和群体如何通过非正规的、创造性的方式，重新“编码”被定义的空间。 占领与共生：临时性空间的使用 本书记录了城市中一系列自发的、临时性的空间占用行为：未经许可的街头艺术、利用废弃地块进行的城市农业（Urban Farming）、以及非正式的聚会场所。这些实践挑战了私有化和效率至上的城市逻辑，重新确立了公共空间作为公共生活而非纯粹经济活动的场所的意义。 声音景观的重塑：噪音、音乐与抗议的听觉地图 城市的声音是其身份的重要组成部分。全球化往往倾向于“净化”城市噪音，以迎合高端消费环境的需求（例如，限制街头音乐家）。本书通过分析特定街区的声音谱系，展示了边缘群体如何利用音乐、口号和日常生活的声响，对抗被压制的存在感，将不和谐的噪音转化为有力的政治表达。 社区营建的微观政治：从邻里互助到抵抗联盟 在全球福利国家功能退化，市场主导的城市生活加剧不平等时，社区层面的互助网络变得至关重要。我们分析了不同类型的非正式互助组织（从共享厨房到共同监护项目）如何填补制度的空白，它们是如何在日常的琐碎事务中，建立起对抗异化的微观政治联盟。 结语：走向共存的城市未来 《喧嚣的边缘》并非试图提供一个全球化终结论，而是提供了一套观察城市变迁的透镜。我们主张，未来的城市生活不应仅仅是效率和隔离的产物，而应是不同时间、不同身份、不同物质需求得以共存的复杂生态系统。理解城市中的空间政治，就是理解我们自己在这个剧烈变动的世界中的位置。 ---

评分☆☆☆☆☆

读完此书，最大的感受是思维被极大地拓宽了边界，尤其是在对待“历史书写”本身这一命题上。作者对“当代艺术史书写”的解构，充满了对传统史学规范的挑战。它探讨了谁有权力来“写”历史，以及这种书写行为本身如何塑造了我们对艺术价值的判断。这种元层面的反思，是我之前阅读其他艺术史著作时鲜少接触到的。例如，书中对于“档案”和“缺席”的讨论，细致入微，揭示了艺术史是如何通过选择性地保留和遗忘，来完成其自身的“完整性”叙事的。它并非提供一个封闭的体系，反而像是一张邀请函，邀请读者带着批判性的工具，去审视和重写那些看似坚不可摧的历史定论。这本书真正做到的，是让你从一个被动的接受者，转变为一个积极的、持怀疑态度的建构者。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排极其巧妙，但对于初涉当代艺术理论的门外汉来说，可能需要反复咀嚼。它不是那种线性的、时间轴式的编年史，更像是一张复杂的、相互交织的语义网络。作者似乎非常擅长于运用一种高度凝练的学术语言，来概括复杂的现象。我尤其欣赏它对“模式”进行分类和解构的方式，那些案例的选择既具有代表性，又充满出人意料的新鲜感。例如，在讨论某种特定媒介的普及如何重塑了艺术家的创作动机时，书中引用的那些非主流艺术家的实例，为我打开了一扇新的窗户。这让我意识到，我们常常将注意力集中在那些被主流话语所捧红的少数人身上，而忽略了那些在“模式”边缘进行的、同样具有深刻意义的探索。它提供了一种更具韧性和包容性的艺术史观，承认了知识生产的多中心性，即便这个“多中心”的格局本身也充满了张力和妥协。

评分☆☆☆☆☆

这部作品的标题《立场 模式 语境 当代艺术史书写》本身就预示着一场深入的、多维度的理论对话。初读之下，我立刻被它那种不加粉饰的、直击核心的分析态度所吸引。它似乎并不满足于对艺术作品进行简单的罗列和风格归类，而是像一位外科医生般，冷静而精准地剖开当代艺术史的肌理。我尤其欣赏作者在梳理特定历史阶段的“模式”时所展现出的那种近乎人类学的细致考察。例如，对于某个时期兴起的某种创作方法论，作者并没有简单地将其归因于某个大师的灵感乍现，而是深入挖掘了其背后的社会结构性压力和媒介技术变革的推手。这种宏观与微观的结合，让原本看似模糊的艺术流变清晰地浮现出清晰的因果链条。阅读过程中，我时常会停下来，回味那些关于“语境”构建的段落，它们强迫我重新审视那些我曾经以为已经完全理解的经典案例，发现以往的阅读经验多么依赖于一种预设的、简化了的叙事框架。这本书真正做到的，是提供了一套强健的理论工具箱，而不是一套现成的结论，这对于任何严肃的艺术史学习者来说，都是宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

从文风上讲，这部著作的气质非常“硬核”，它不媚俗，不试图用华丽的辞藻来掩盖理论的深度，而是以一种近乎哲学的严谨性来铺陈论点。我个人偏爱这种直截了当的表达方式，它减少了阅读中的干扰，让思维可以直接对接作者所要传达的核心概念。书中对“语境”的反复强调，不仅仅是指地理或社会背景，更是一种由技术、资本、意识形态共同编织的“信息场域”。阅读到相关章节时，我仿佛在进行一场高强度的思维训练，需要时刻保持专注，以跟上作者在不同理论框架之间快速切换的节奏。这使得本书的价值超越了一般的艺术史评论，而更接近于社会文化理论的深度研究。它有力地论证了艺术生产的不可避免的“政治性”，让艺术不再是高悬于世俗之上的纯粹审美活动，而是深深嵌入到权力和认同的漩涡之中。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的阅读体验与其说是轻松愉快的，不如说是充满智力上的挑战与刺激。它仿佛不是写给一个被动接受知识的“读者”的，而是邀请一位平等的思考者参与到一场持续的辩论中去。最令我印象深刻的是其中关于“立场”的探讨，那部分内容极具颠覆性。作者没有采用那种老生常谈的“去中心化”口号，而是通过对不同策展人、评论家，甚至是赞助人话语权的细致比较，揭示了艺术史叙事中权力如何巧妙地嵌入到看似中立的描述之中。我清晰地感觉到，每一次对“艺术史的撰写”的提及，都伴随着对既有权威的审视。这种对写作行为本身的警惕，使得全书的基调保持了一种高度的批判性张力。它迫使我反思，我所接触到的那些“标准答案”，究竟是如何被构建、被固化，又被谁所捍卫的。这种不断自我质疑的过程，虽然耗费心神，但收获的知识深度远非普通通史类读物可比拟。