卡瓦里尼30首单簧管随想曲/西洋管弦乐必练系列·单簧管 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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王菁 编

图书标签:

• 单簧管
• 随想曲
• 卡瓦里尼
• 西洋管弦乐
• 乐谱
• 练习
• 古典音乐
• 管乐
• 教材
• 音乐

出版社： 花城出版社

ISBN：9787536081017

版次：1

商品编码：12099912

包装：平装

丛书名： 西洋管弦乐必练系列·单簧管

开本：16开

出版时间：2016-11-01

用纸：轻型纸

页数：88

字数：100000

正文语种：中文

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内容简介

　　卡瓦里尼是19世纪欧洲重要的单簧管演奏家和教育家，他创作的30首单簧管随想曲属于单簧管中高阶段必练的曲集之一。其曲目包含了连音、吐音等基本的技巧练习，同时也兼顾了乐曲音乐性，旋律优美富有戏剧变化，对练习者的乐感有着提升意义，一定程度上弥补了国内练习者较注重纯技术练习，忽视音乐表情等乐曲表现能力的空缺。中国国家交响乐团单簧管演奏家王菁在编订本曲集时，在尊重原著及各种版本的基础上，为方便学生很好地理解与实践，在每首乐曲中加入了一些诠释及注意事项，希望更能突显此曲集的实用性，发挥它的引导作用。

作者简介

王菁，中国国家交响乐团单簧管演奏家

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，旨在为您提供丰富的阅读选择，同时避免提及您提到的特定曲集内容。 --- 《古典主义时期弦乐四重奏发展研究：从海顿到贝多芬的演变历程》 作者： 艾尔莎·冯·霍夫曼 出版社： 欧洲音乐史学社 页数： 680页 装帧： 精装 定价： 188.00元 简介： 本书是音乐学界对古典主义时期弦乐四重奏这一重要体裁演变历程的深度学术探索，尤其侧重于三位奠基人——约瑟夫·海顿、沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特以及路德维希·凡·贝多芬——在创作观念、结构形式和声语言上的革新及其相互影响。 一、 历史背景与体裁的诞生 本书开篇追溯了弦乐四重奏在十八世纪中叶兴起时的社会文化土壤。作者详尽分析了早期“室乐”（Chamber Music）形态，如对位协奏曲和奏鸣曲的结构元素，如何逐渐被提炼和聚焦，最终确立为由两把小提琴、一把中提琴和一把大提琴构成的标准编制。研究指出，这种编制的平衡性与对话性，完美契合了启蒙运动时期追求的理性、清晰与个体间的平等交流的审美理想。 二、 海顿：形式的建筑师与幽默的魔术师 篇幅最大的部分集中于约瑟夫·海顿（Joseph Haydn）的贡献。作者摒弃了传统上仅将其视为“交响曲小型化”的观点，而是深入剖析了海顿如何将奏鸣曲式原则系统地融入到四重奏的四个乐章结构中。重点讨论了海顿对“动机发展”（Motivic Development）的精妙运用，尤其是在对位处理和主题变奏中的创新。 书中对海顿晚期“俄罗斯四重奏”（Op. 33）和“施塔滕贝格四重奏”（Op. 50）进行了细致的乐谱分析，揭示了其如何巧妙地运用不对称的乐句结构、突如其来的幽默停顿（Fermata）以及在对位声部中赋予中提琴与大提琴以独立表情的权力，从而彻底摆脱了“伴奏乐团”的传统定位。作者认为，海顿通过对形式的反复实验和完善，确立了弦乐四重奏的“对话性”核心。 三、 莫扎特：情感的深度与色彩的融合 莫扎特（W. A. Mozart）的六部献给海顿的弦乐四重奏被视为作曲家思想的结晶。本书强调莫扎特是如何在继承海顿形式框架的基础上，注入了歌剧般的情感深度和无与伦比的织体色彩。 作者特别关注莫扎特在和声进行中的微妙变化，例如对不协和音的富有表现力处理，以及如何在四个声部中创造出近乎“三维”的声场效果。通过对《C大调“狩猎”K. 465》中著名的“不和谐引子”的分析，本书阐释了莫扎特如何使用和声的模糊性来制造悬念和心理张力，这在当时是极具前瞻性的创作手法。此外，书中还探讨了莫扎特如何将管弦乐配器中的“色彩对比”概念，以织体和力度变化的形式引入到纯粹的弦乐对话中。 四、 贝多芬的突破：从继承到革命 路德维希·凡·贝多芬（L. v. Beethoven）的早期、中期和晚期作品构成了体裁发展的巅峰与转折点。 早期（Op. 18）： 分析了贝多芬如何消化和吸收前两位大师的遗产，特别是其作品中展现出的更强烈的戏剧冲突和更紧凑的结构逻辑。 中期（“英雄”时期，Op. 59）： 本部分论述了贝多芬对传统奏鸣曲结构的大胆扩展和“英雄式”的个人意志投射。他突破了乐章长度的限制，将动机发展提升到了前所未有的宏大叙事层面。书中对《F大调“拉祖莫夫斯基”第三号》的赋格式终曲进行了深入剖析，指出这是对巴赫对位传统的现代性复兴。 晚期（Op. 127, 130, 131, 132, 135）： 这是全书最具挑战性、也最富洞察力的部分。作者认为，贝多芬的晚期四重奏不再是“对话”，而是对存在本质的哲学沉思。研究详细考察了《大赋格》（Op. 133）的结构复杂性，以及《降B大调四重奏》（Op. 130）中“不规则”的七个乐章安排（在修改版中删除“卡瓦蒂娜”之前）。书中重点分析了《升c小调四重奏》（Op. 131）的连续六个乐章如何构建起一个统一的“精神景观”，标志着弦乐四重奏从古典主义的清晰结构向浪漫主义主观精神世界的桥梁作用。 结论：遗产与影响 本书最后总结了古典主义弦乐四重奏的成熟如何为后世（如舒伯特、勃拉姆斯乃至二十世纪作曲家）设定了“最高艺术形式”的标杆。它不仅是器乐对话的典范，更是西方音乐思想史上理性与情感、形式与自由之间张力平衡的典范之作。 本书特色： 详尽的乐谱标记分析： 包含大量特定和弦进行和对位技巧的图表说明。 历史文献引用： 广泛引用了海顿、莫扎特、贝多芬及其同时代评论家的信件和手稿注释。 跨学科视角： 探讨了启蒙哲学对音乐结构清晰度的影响。 本书是音乐院校学生、专业演奏家以及所有热衷于深入理解古典音乐精髓的听众的必备参考书。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最近在琢磨如何提高自己的管弦乐合奏中的音准稳定性问题，所以买了一本专注于管乐器之间泛音协调与共鸣控制的实践手册。这本书的结构非常实用，前三分之一讲解了声学原理，解释了为什么某些音区容易产生“打架”的现象；后三分之二则全部是针对不同乐器组合（比如木管五重奏、铜管与木管的混合配置）设计的练习曲目和听觉训练任务。里面的练习大多是基于实际乐队排练中经常遇到的困难场景设计的，比如如何在一组快速的十六分音符中保持声部的统一性，或是如何处理高难度的和弦转换。这本书的作者显然有着丰富的乐队指挥经验，他的建议非常“接地气”，不像一些纯理论书籍那样空泛。我现在正按照书中的计划进行针对性训练，感觉在合奏中的表现力确实有显著提升，特别是对“倾听他人”这个概念有了更深的体会。

评分☆☆☆☆☆

我最近刚入手了一套关于巴洛克时期键盘作品演奏技巧的专著，那本书的侧重点完全在于历史背景的挖掘和指法选择的考据上。作者用极其严谨的学术口吻，详细对比了不同版本乐谱之间的差异，并引用了大量的历史文献来佐证其对装饰音处理的观点。阅读过程更像是在进行一场深入的音乐学田野调查，知识密度非常高，需要时间静下心来慢慢消化。特别是关于早起羽管键琴触键力度对音色变化影响的分析部分，简直是打开了我对那个时代音乐理解的一扇新窗户。当然，这本书的学术性也意味着它可能不太适合纯粹的初学者，它更偏向于对演奏风格有一定认识，并渴望在理论层面深挖的进阶乐手。它更像是放在书架上，时不时拿出来查阅和思考的“工具书”，而不是可以轻松翻阅的“伴侣”。

评分☆☆☆☆☆

最近我收到了一套关于不同文化背景下打击乐器发展史的系列丛书，这套书的特点是知识的广度惊人，内容横跨非洲部落鼓乐到现代电子合成器的音色设计。它不是一本专注于某一类乐器的教材，而更像是一部宏大的文化编年史。书中不仅有大量精美的图片，展示了世界各地不同乐器的构造和制作工艺，更有许多田野调查记录的文字资料，描述了乐器在特定仪式或社交场合中的功能。比如，我以前完全不知道某些南美土著乐器在他们的宇宙观中扮演着何种角色。这本书的叙事方式非常引人入胜，它成功地将音乐史、人类学和社会学巧妙地融合在一起，让人在阅读时完全忘记了它其实是在教授知识。看完第一本，我已经迫不及待想了解后续关于室内乐和歌剧发展的那几本了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太棒了，封面采用了一种沉稳的哑光材质，触摸起来有种高级的质感，色彩搭配上选择了经典的黑白灰，辅以烫金的书名字体，显得既专业又不失艺术气息。内页的纸张选择也非常考究，不仅光线柔和，保护视力，而且印刷清晰，即便是复杂的乐谱细节也能一目了然。装订工艺也十分牢固，可以完全平摊在谱架上，对于像我这样经常需要反复练习的乐手来说，这一点真的太重要了。翻阅时那种纸张轻微的摩擦声，都让人感觉自己拿到的不仅仅是一本乐谱集，更像是一件精心制作的艺术品。这种对细节的关注，充分体现了出版方对演奏者体验的重视，让人在练习之余，也能享受到视觉和触觉上的愉悦。拿到手的第一感受就是“值得”，无论是自用还是作为礼物送给学习单簧管的朋友，都会显得非常有档次。

评分☆☆☆☆☆

我前段时间迷上了一位二十世纪中叶的法国作曲家，他的作品以其独特的非传统和声语言和对节奏的自由处理而著称。为了更好地理解他的意图，我找来了一本专门解析他作品的评论集。这本书的魅力在于其主观性和阐释性，评论家运用了大量的文学意象和哲学思辨来解读那些看似晦涩难懂的乐句。比如，他将某段长音的进行比喻为“时间在熵增中的停滞”，这种描述方式非常大胆且富有诗意。这本书阅读起来是一种享受，它拓宽了我对“音乐是什么”的边界认知，让我不再局限于传统的音高和节奏分析，而是开始思考作品背后的情感结构和时代精神。当然，如果你只是想找几首可以快速上手演奏的曲子，这本书可能就帮不上忙了，它更适合那些希望深入作品灵魂，进行深度思考的乐迷或研究者。