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[法] 亨利·雷蒙恩（HenryLemoine），( 著

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103000205

商品编码：10520408232

出版时间：2000-02-01

作  者:(法)亨利·雷蒙恩(Henry Lemoine),(法)古斯塔夫·卡卢利(G.Carulli) 编著 定  价:12 出 版 社:人民音乐出版社 出版日期:2000年02月01日 页  数:77 装  帧:平装 ISBN:9787103000205 ●《视唱教程.2A》无目录

内容简介

本书收录由浅及深六个等级的练习曲，并附二声部、三声部、四声部及带歌词的视唱教程。

好的，这是一份针对一本假设的、与《视唱教程2A》内容完全无关的图书的详细简介。 --- 图书名称：《古典乐派的兴衰与和声的演变：1750-1910》 作者： [此处可填入一个虚构的音乐史学家姓名，例如：艾德蒙·范德比尔特] 出版社： [此处可填入一个虚构的学术出版社名称，例如：欧陆音乐研究学会出版社] 版次： 初版 装帧： 精装，附乐谱插图及高清历史图片 定价： [此处可填入一个合理的学术书籍价格] --- 深度解析西方音乐史上最辉煌的篇章 本书旨在为音乐学者、专业演奏家、音乐学学生以及对欧洲古典音乐黄金时代拥有深厚兴趣的读者，提供一份关于1750年至1910年间音乐发展轨迹的详尽、批判性分析。这一时期横跨了从海顿和莫扎特的古典主义鼎盛期，历经贝多芬的革命性桥梁作用，直至浪漫主义的充分成熟与瓦格纳、马勒等后浪漫主义巨匠的辉煌尾声。 我们并非简单地罗列作曲家及其作品，而是深入探讨了驱动这一时期音乐变革的社会、哲学和技术根源。本书的核心在于和声语言的演变，将其视为理解风格转变的关键钥匙。 第一部分：古典主义的秩序与理性（1750-1815） 本部分首先确立了巴洛克晚期向古典主义过渡的社会背景——启蒙运动对清晰、平衡和普适性原则的推崇。 第一章：从对位到主调的转向 详细考察了音乐织体从复调向清晰主调结构的转变过程，分析了节奏的规律化和乐思的“句法”构建。我们着重分析了卡农与赋格在这一时期如何被简化或用于特定戏剧性目的，而非作为绝对的中心结构。 第二章：奏鸣曲式：结构与潜能 奏鸣曲式被视为古典主义的“宪法”。本章细致剖析了呈示部、展开部和再现部的功能性，并超越标准教科书的描述，探讨了海顿晚期作品中对展开部结构的突破性实验，以及莫扎特在调性冲突的微妙处理上所展现的精湛技艺。重点分析了如何通过主题的变形与对比来实现戏剧张力，而非仅仅是材料的堆砌。 第三章：器乐的革命：交响曲与室内乐的成熟 考察了管弦乐队编制的标准化过程，重点讨论了木管乐器组的独立性增强，以及弦乐四重奏如何确立了其在室内乐中的“对话哲学”地位。对维也纳学派三巨头在确立交响曲四乐章结构上的各自贡献进行了比较分析。 第二部分：浪漫主义的觉醒与个性解放（1815-1870） 本部分转向了对个人情感、自然崇拜、文学影响和民族精神的关注，这是对古典主义理性秩序的反叛与超越。 第四章：主观情感的投射：抒情性与标题音乐的萌芽 探讨了“抒情性”（Lyricality）如何在旋律线条中占据主导地位，以及这种趋势如何与日益增加的管弦乐色彩和织体厚度相辅相成。分析了舒伯特艺术歌曲（Lied）中钢琴伴奏如何从单纯的支撑转变为叙事和心理描写的伙伴，以及柏辽兹在《幻想交响曲》中对“固定音型”（Idée fixe）的创设性运用。 第五章：和声的拓展：半音阶的渗透与调性边缘 这是本书的核心技术章节之一。系统梳理了从贝多芬晚期到肖邦、李斯特时期，和声语言的“不和谐音”使用频率和复杂度的激增。我们详细分析了增三和弦、减七和弦以及经过和弦在功能性上的变化，探讨了它们如何开始模糊传统主导功能，为调性中心服务的方式变得更加灵活乃至暧昧。特别关注了弗雷德里克·肖邦作品中对借用和弦和色彩性和声的精妙运用，这些手法极大地拓宽了钢琴音乐的表现力。 第六章：民族主义的兴起与民间元素的吸收 考察了音乐如何被用作文化认同的载体。分析了波兰（肖邦）、俄国（强力集团）、捷克（斯美塔那）等地作曲家如何系统地将民间调式、节奏和舞曲结构融入到高度学院化的西方音乐形式中，以及这种融合对传统对位法和曲式结构的挑战。 第三部分：后浪漫主义的巅峰与瓦解的前兆（1870-1910） 最后一部分聚焦于浪漫主义精神的极致膨胀，以及随之而来的结构张力和调性体系的极限探索。 第七章：巨型化趋势与管弦乐的戏剧性表达 探讨了交响诗、大型歌剧与交响曲的“巨型化”现象。重点分析了瓦格纳对“自由和声”（Free Tonality）的推动，特别是其在《特里斯坦与伊索尔德》中著名的“特里斯坦和弦”所代表的持续性悬置与调性色彩的饱和。我们深入研究了这部作品如何通过对传统功能和声的持续延迟和模糊，预示了二十世纪调性瓦解的必然性。 第八章：晚期浪漫主义的内心景观 考察了马勒与布鲁克纳在交响曲中对“无限空间”的追求。他们的作品如何通过极其复杂的对位织体、对声部层次的极致控制以及对极端动态范围的运用，试图表达形而上的哲学命题。分析了马勒后期作品中，对民间音乐元素和尖锐不和谐音的并置，所产生的张力与疏离感。 第九章：德彪西的曙光：印象主义的色彩革命（过渡章节） 虽然德彪西常被归入现代音乐，但本书将其视为对后浪漫主义和声饱和的直接反应。本章简要分析了德彪西对纯粹音色（Timbre）的关注，以及对五声音阶、全音阶等非传统调式的使用，这些技法是对瓦格纳式功能和声的彻底解构，标志着本书所覆盖时代的终结和新世纪音乐的开端。 --- 本书特色与价值 严谨的分析工具： 本书采用扎实的音乐分析方法，尤其在和声演变方面，提供了大量的乐谱示例，并附有详细的指位分析，而非仅停留在描述层面。 社会文化嵌入： 每章均探讨了当时的哲学思潮（如康德、叔本华）和政治变动如何塑造了音乐的审美取向。 清晰的结构对比： 通过系统性的对比古典主义的“平衡”与浪漫主义的“激情”，读者可以清晰把握这一百六十年间音乐思维的根本性转移。 本书是所有致力于深入理解西方音乐核心发展脉络的读者不可或缺的参考指南。它不仅是一部历史著作，更是一部关于音乐“如何思考”的深度论述。

评分☆☆☆☆☆

作为一名从零开始学习乐器的小白，我对视唱练耳一直心存畏惧，总觉得那是高难度技能。朋友推荐了《视唱教程2A》，抱着试试看的心态入手了，没想到效果出奇的好！这本书的优点在于它的“可视化”和“情境化”教学。它不仅仅是给出五线谱和节奏，而是会用一些简单的图示来辅助理解，比如用不同大小的圆圈表示音高，用箭头表示旋律走向，甚至还会用一些生活化的比喻来解释节奏的强弱和划分。最棒的是，书中的例子都非常贴近生活，比如模仿小鸟的叫声来学习音高，模仿火车运行的声音来掌握节奏。这些生动形象的讲解，让我这个乐理基础为零的人，也能轻松理解那些原本抽象的概念。而且，它的练习设计非常有条理，从最基础的音符辨识，到简单的旋律模唱，再到多声部听辨，每一步都衔接得很自然，让我感觉进步是可控的，而不是那种“学了半天好像什么都没学会”的迷茫。每次练习完，都会有一种小小的成就感，这种积极的反馈机制，极大地激发了我持续学习的动力。我特别喜欢它那些跟唱练习，感觉就像有个老师在旁边一样，而且错误提示也很及时，让我能立刻纠正。

评分☆☆☆☆☆

我之前接触过一些视唱练耳的书，但总觉得它们要么太偏理论，要么练习曲难度跨度太大，很容易让人望而却步。《视唱教程2A》在这方面做得非常出色。它采用了一种非常“润物细无声”的教学方式，将复杂的乐理知识融入到一个个精心设计的练习中。比如，在讲解和弦概念时，它不会直接给你一堆和弦图，而是通过听辨和模唱不同音高组合的声音，让你在感受声音的同时，自然而然地理解和弦的构成。它的练习曲目也非常有特色，从简单的旋律到稍具挑战性的节奏组合，都循序渐进，并且很多练习都带有明确的“目标”，比如“练习切分音的准确性”、“提高对三度音程的辨识度”等等。这种目标导向的设计，让我在练习时更有方向感，也更容易评估自己的进步。书中的图文结合也做得很好，清晰的乐谱配上简洁的解释，让我能快速掌握重点。而且，它还提供了一些关于如何进行自我练习的建议，让我知道在家也能有效地提升自己的视唱能力。

评分☆☆☆☆☆

这套书的编排真的太有意思了！我之前学视唱练耳一直觉得枯燥乏味，要么就是练习曲目太简单，要么就是理论讲得云里雾里。但《视唱教程2A》完全颠覆了我的认知。首先，它的开篇就不是那种干巴巴的音阶和节奏型，而是通过一些非常生动有趣的音乐片段引入，比如一段活泼的童谣，或者一段充满戏剧性的旋律，让我一下子就产生了兴趣。然后，它会循序渐进地分析这些片段的构成，比如这个地方用了什么节奏，为什么听起来这么快乐，那个地方的旋律是上行的还是下行的，对情绪有什么影响。而且，它还会把一些基础的乐理知识巧妙地融入到视唱练习中，不是强行灌输，而是让你在唱的过程中自然而然地理解。最让我惊喜的是，书里还穿插了一些关于音乐史的小故事，讲到某个作曲家是如何创作出这首曲子的，当时有什么样的背景，这让我在学习视唱的同时，还能感受到音乐的魅力，感觉自己不再是孤立地在“练耳朵”，而是在和伟大的音乐对话。练习曲的难度设计也十分合理，从最简单的单音到稍微复杂一点的旋律，再到一些带有切分音或者模进的乐句，每一步都感觉很扎实，不会让我产生“一下子跳太远”的挫败感。我尤其喜欢它那些带有歌词的视唱练习，感觉就像在唱歌一样，更容易记住旋律和节奏。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，《视唱教程2A》在“趣味性”这一点上做到了极致！我本来以为视唱练耳只会是枯燥的音阶和节奏型，但这本书让我大开眼界。它就像一本关于音乐“游戏”的书，每个练习都设计得充满挑战和惊喜。比如，它会用一些“猜谜”的方式，让你根据旋律片段猜测它可能出自哪部作品，或者根据一段节奏来模仿动物的动作。最让我惊艳的是，书中设计了一些“情景对话”式的练习，比如模拟打电话的场景，你需要听懂对方说的话（旋律），然后用正确的音高和节奏回复。这种将视唱练耳与实际生活场景结合的方式，极大地提升了我的学习兴趣和记忆效果。而且，它的练习曲目非常多元化，涵盖了从古典到流行的各种风格，让你在练习的过程中，也能接触到不同类型的音乐，拓宽了音乐视野。书里的排版也很舒适，字体大小适中，留白合理，让人阅读起来不费力。我尤其喜欢它每章节末尾的“挑战关卡”，感觉就像在玩游戏闯关一样，每次成功都能获得满满的成就感。

评分☆☆☆☆☆

这本书真的是把我从一个完全不懂乐理的门外汉，变成了一个能听懂一点点音乐的人！《视唱教程2A》最打动我的是它对“音乐性”的强调。我以前认为视唱练耳就是机械的模唱和背谱，枯燥无味，但这本书彻底改变了我的看法。它在讲解音程、音阶、节奏型的时候，都会结合实际的音乐作品片段，让我们在听和唱的过程中去体会这些音乐元素是如何组合起来，创造出不同的情绪和色彩的。比如，讲到大调的明亮，它会放一段欢快的乐曲；讲到小调的忧伤，它会放一段抒情的旋律。而且，这本书的练习曲目都不是那种为了练习而设计的“死板”乐谱，很多都是从世界名曲中截取的精彩片段，有古典的，也有现代的，风格多样，让我每次练习都像是在“品尝”不同的音乐佳肴。它还鼓励我们去感受旋律的起伏、节奏的律动，甚至尝试用自己的情感去演绎乐句，这让我觉得视唱不再是冷冰冰的音符，而是有了生命和灵魂。书里的一些小插画也很有趣，让我在学习过程中不至于太紧张，多了些轻松和乐趣。