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周志家，陈自文，周海燕 著

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出版社： 郑州大学出版社

ISBN：9787564546946

版次：1

商品编码：12378901

包装：平装

出版时间：2018-03-01

晋唐间古琴艺术的演变与流派初探 图书名称： 晋唐间古琴艺术的演变与流派初探 作者： [此处留空，或填写一位虚拟历史/音乐学者姓名] 内容提要： 本书旨在深入探究中国古代音乐史上一个至关重要的转型时期——魏晋南北朝至唐代初期，古琴艺术所经历的深刻变革、风格的定型，以及主要流派的萌芽与发展。这一时期，琴学从古典仪轨向更具人文精神和个体表达的方向迈进，其影响深远，构成了后世琴学美学的基石。 本书首先从宏观的历史背景切入，考察了玄学思潮、佛教的传播以及士大夫阶层对“清”“微”“淡”之美的追求，如何共同塑造了彼时文人阶层对古琴的审美取向。魏晋时期，古琴不再仅仅是宫廷雅乐的组成部分，而是逐渐成为个体精神寄托、修身养性的重要媒介。我们详细梳理了这一时期文献记载中对“弹琴”这一行为的哲学阐释，例如竹林七贤如何通过琴声寄托对乱世的愤懑与对自由的向往。 第一部分：魏晋南北朝的琴学风貌 本部分聚焦于西晋灭亡至隋唐统一之间近四百年的历史跨度。我们着重分析了早期琴谱的流传情况，虽然现存多为宋元时期的增补本，但通过对《神奇秘谱》《西麓堂琴统》中部分曲目源流的考证，结合《琴论》等文字资料，力图还原彼时琴曲的原始风貌。 琴家与地域特色： 研究的重点之一是地域风格的初步分化。如江南地区士族与北方游牧民族的文化交融，如何影响了琴音的处理。《琴学心声》中提及的某些“急促”或“萧索”的风格特征，被探讨是否与当时的社会动荡相关联。我们对比了嵇康、阮籍等先贤事迹中对古琴的描述，指出“非声之是，乃意之真”的观念如何成为这一时期琴学思想的核心。 琴谱的早期形态与记谱法的过渡： 在工尺谱尚未完全成熟之前，指法符号的使用具有极大的不确定性。本书通过对少数被认为是早期遗存的琴谱残片（如部分敦煌出土的早期乐谱片段的旁证）的解读，探讨了七弦定音法和减字谱的雏形。我们辨析了“徽位标记”与“指法说明”之间的关系，指出这一时期的记谱法尚处于粗粝的经验总结阶段，对于后世琴谱学具有重要的参照价值，但其准确复原难度极大。 第二部分：唐代的琴学鼎盛与流派的奠基 唐代，随着国家统一和文化自信的恢复，古琴艺术迎来了空前的繁荣。这一时期的琴学，标志着其体系化、理论化的成熟。 从宫廷到民间： 唐代琴学不再局限于狭隘的士族圈子。宫廷中，礼乐制度的规范为古琴的地位提供了保障；而民间与寺院中，琴的普及度显著提高。我们详细分析了唐玄宗“梨园”体制对音乐教育的影响，以及道家、佛教对琴家修行方式的渗透。 主要流派的理论构建： 本书认为，唐代是主要流派形成思想根基的时期，而非简单的风格分野。重点分析了以“山林派”（代表人物的遗风）和“宫廷正乐派”（注重规范与中和之美）为代表的两种倾向。 1. “清微淡远”的审美追求： 探讨了唐代文论中对“气韵”的强调，这直接影响了琴音的审美标准。音色追求的“宽厚”与“内敛”，与宋元时期的“圆润”和“华美”形成鲜明对比。 2. 关键人物的理论贡献： 深入研究了当时重要的琴论著作（或引述自后世的论述），如对“弦法”、“指法”的详尽阐释，这些阐释构成了后世如广陵派、虞山派等流派在技法传承上的最初理论源头。例如，对于“上、下、进、退”等基本指法的力道要求，唐人的论述更侧重于自然性与道家无为的结合，强调“以意领形”。 第三部分：古琴音乐的题材与表现手法 这一阶段的琴曲题材反映了士人的精神世界，与后世的田园牧歌式描绘有所不同。 诗意与哲思的交融： 分析了如《广陵散》（虽为汉代遗曲，但唐代有再整理和演奏的记载）在唐人心中的地位，它所代表的刚健、批判的精神。同时，探讨了描写山水和隐逸的曲目（如存世的早期曲目原型），其表现手法多采用大开大合的结构，音符稀疏，留白处理大胆，以营造出“空山不见人”的寂寥感。 曲谱形态的演变： 梳理了唐代乐曲从纯指法记述向初步具有分段标记的过渡，这反映了音乐结构意识的增强。对一些重要曲目的分析表明，唐代的演奏强调对曲牌核心意境的把握，而非繁复的花指装饰，这为我们理解后世“减字谱”中繁复的装饰符号是如何逐渐添加进来的提供了历史脉络。 总结： 本书认为，晋唐间的古琴艺术是承上启下的关键时期。它完成了从古代礼器音乐向文人独立艺术的蜕变，确立了中国传统音乐中“意在音先”的核心审美范式，为后世琴学体系的完备奠定了坚实的思想与技法基础。其艺术成就，以其深沉的哲学内涵和质朴的音乐语言，构成了中国音乐史中不可磨灭的篇章。本书的价值在于，通过对有限史料的精细梳理与比较研究，为读者勾勒出这一关键历史时段古琴艺术的真实面貌与深远影响。

评分☆☆☆☆☆

这本书的参考文献和注释部分，简直是另一座宝藏。翻阅学术著作时，我习惯性地会检查作者的“底气”，而这本书的脚注体系做得非常专业和详尽。每一个关键论点背后，都能清晰地追溯到原始出处，无论是出土简牍的拓片解读，还是传世古籍的特定版本校勘，都标注得一清二楚。这体现了作者在文献整理上的严谨态度，也为后续的研究者提供了极大的便利。我甚至发现其中一处对某个关键乐器形制的考证，竟然比我手上那本权威性很高的专业辞典的解释还要细致入微，甚至提出了一个非常巧妙的替代解释。这种追求极致准确性的精神，是任何优秀的学术成果都不可或缺的基石。坦白说，光是梳理和核对这些注释所需的时间和精力，就已经足以证明作者付出的巨大心血。

评分☆☆☆☆☆

我最近在整理我那堆关于古代礼乐制度的二手资料时，无意间发现了这本书，第一印象是它的学术密度极高。光是看目录的标题层级，就能嗅到一股浓厚的学院派气息，那些引用的古代文献和考古发现的交叉对比，看得人眼花缭乱。作者显然不是泛泛而谈，而是下了苦功去钻研那些晦涩难懂的乐律学专著和地方志中的零星记载。我特别留意到其中一个章节对“雅正之音”与“民间变奏”之间张力关系的梳理，论证逻辑链条非常清晰有力，从理论构建到实例分析，层层递进，几乎没有可以被轻易挑战的逻辑漏洞。对于任何一个想深入了解中国早期音乐文化核心概念的学者或深度爱好者来说，这本书无疑提供了一个极为坚实、近乎教科书级别的参考框架。阅读它的过程，更像是一场智力上的马拉松，需要高度的专注力和扎实的背景知识储备，才能完全跟上作者的思维步伐。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对这类专业性极强的“研究”类书籍是抱有一丝保守态度的，通常它们要么过于枯燥，要么就是观点僵化。但这本书的叙述方式，却出乎意料地具有一种叙事魅力。它没有像传统的学术论文那样堆砌术语，而是通过构建一系列生动的历史场景和人物侧写，将那些冰冷的音符和复杂的制度活化了起来。比如，书中对某次宫廷祭祀乐仪的还原描述，配上精心绘制的复原图稿（如果书中有的话），简直就像一幅流动的历史长卷。你仿佛能听到那沉重的鼓点、感受到那种肃穆的气氛，体会到音乐在那个社会结构中承担的巨大精神重量。这种“故事化”的处理，极大地降低了理解门槛，让那些晦涩的乐理知识不再是空中楼阁，而是与真实的历史人物命运紧密相连的有机体。对于那些初次接触此领域，或者想从更广阔的文化史角度理解音乐的人来说，这种叙事角度无疑是极其友好的。

评分☆☆☆☆☆

从宏观上看，这本书成功地搭建了一座跨越时空的桥梁，它不仅仅是在记录和分析已逝的音乐形式，更是在探讨“音乐”这一人类行为在特定历史阶段所承载的文化代码和认知模式。它让我开始反思，我们今天习以为常的旋律和和声体系，是如何一步步从那些古老的、可能带着祭祀色彩的韵律中蜕变而来的。书中对于特定调式在不同社会阶层中的流传差异的讨论，也相当有启发性，揭示了精英文化与民间审美之间微妙的互动与张力。读完之后，我感觉自己的耳朵似乎被重新校准了，对声音的感知不再停留在表面的悦耳与否，而是开始尝试去捕捉那些隐藏在音高和节奏背后的时代精神和信仰体系。这本书的影响力，绝不仅限于音乐史学界，它对文化人类学、仪式研究乃至早期社会结构研究者，都具有显著的启示价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面选用的那种略带粗粝感的纸张，触感上就透着一股历史的厚重感。我尤其欣赏它在色彩上的克制，深沉的墨绿与古朴的棕褐色调相互映衬，仿佛一下子把你拉回了那个遥远的时代。内页的排版也十分考究，字体选择上兼顾了可读性和历史韵味，间距和留白处理得恰到好处，让阅读过程变得非常舒心，一点也不觉得拥挤或累眼。装订工艺也相当扎实，那种线装书特有的绵延感，让人忍不住想慢慢翻阅，体验那种仪式感。当然，光有外表是不够的，光是捧着它，就能感受到作者对这份研究的热忱与敬畏。这种对细节的执着，往往预示着内容本身的深度与严谨。我期待着翻开扉页，进入那个被精心构建的古代音乐世界。整体来看，这本书在视觉和触觉上都做到了高水准的呈现，是对“大庸古乐”这份文化遗产应有的尊重与致敬。