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余丹红 编

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出版社： 华东师大

ISBN：9787567515536

商品编码：12986148739

开本：32

出版时间：2014-03-01

基本信息

• 商品名称：轻轻松松识五线谱
• 作者：余丹红
• 定价：32
• 出版社：华东师大
• ISBN号：9787567515536

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2014-03-01
• 印刷时间：2017-05-01
• 版次：1
• 印次：6
• 开本：32开
• 包装：活页
• 页数：64
• 字数：11千字

内容提要

《轻轻松松识五线谱》由上海音乐学院音乐教育 系主任余丹红教授创意。余教授在长期音乐教学实践 中发现，初学琴或学音乐者，会视五线谱为一个“坎 ”，特别是学琴的孩子，五线谱的难会使他们丧失学 琴、学音乐的乐趣。余教授发现用卡片识谱是一个既 直观、又实用的好方法，能够让学琴、学音乐者轻轻 松松垮过这道“坎”，树立起信心，为以后的学习打 下坚实的基础。
    

目录

正文

深入解析《西方音乐史：从巴洛克到浪漫主义的辉煌》 前言： 音乐，作为人类情感最直接的表达方式之一，其发展历程充满了革新、冲突与辉煌。本书旨在带领读者穿越西方音乐史长达三百余年的波澜壮阔的旅程，聚焦于从巴洛克晚期到浪漫主义鼎盛时期的核心变革。这不是一本枯燥的年代罗列，而是一次深入剖析音乐语言、社会背景与伟大心灵如何交织的探索之旅。我们将探讨结构如何演变，和声如何拓展，以及作曲家们如何在既定的规范中寻求无限的自由。 第一部分：巴洛克的余晖与古典主义的理性之光 (约 1700 – 1820) 第一章：巴洛克晚期的结构与对位艺术的巅峰 巴洛克风格以其复杂的织体、强烈的装饰性和“情感的激动”（Affekt）理论著称。本章将重点分析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的晚期作品，特别是《赋格的艺术》和《平均律键盘曲集》。我们将深入剖析赋格的严谨结构，探讨复调音乐如何通过旋律线的独立运动来构建宏大的听觉殿堂。同时，我们将比较巴赫与亨德尔（G.F. Handel）在清唱剧（Oratorio）创作上的异同，理解“普世风格”（Style Galant）在巴洛克末期出现的预兆。 第二章：洛可可的轻盈与情感的微妙转变 随着路易十五时代的到来，宫廷审美趋向于精致、柔和与私密。本章将考察“敏感风格”（Empfindsamer Stil）的兴起，尤其是在卡尔·菲利普·埃马努埃尔·巴赫（C.P.E. Bach）的作品中体现出的对内心细微波动的捕捉。这种对克制情感的追求，为古典主义的清晰奠定了基础。 第三章：维也纳古典乐派的黄金时代——结构、平衡与清晰 海顿、莫扎特和贝多芬构成了音乐史上最伟大的“三巨头”。本章将详细解读奏鸣曲式（Sonata Form）的成熟与定型。我们不仅仅描述呈示部、发展部和再现部的基本框架，更会剖析海顿如何通过主题的“发展”来赋予乐章内在的戏剧性；莫扎特如何以无与伦比的旋律天赋和完美的比例感来平衡结构；以及，古典主义如何将歌剧的戏剧冲突巧妙地融入到纯器乐创作中。 第四章：贝多芬——从古典到浪漫的桥梁 路德维希·范·贝多芬（L. v. Beethoven）是打破既有藩篱的关键人物。本章着重分析其“中期”和“晚期”作品。我们将探讨他如何扩大交响曲的篇幅、拓宽和声的边界，并将个人意志和哲学思考融入音乐中。特别关注《英雄交响曲》中对英雄主义的颂扬，以及晚期弦乐四重奏中对复杂对位与精神深度的追求，这些都预示着浪漫主义的到来。 第二部分：浪漫主义的汹涌澎湃与个体解放 (约 1820 – 1900) 第五章：舒伯特与“艺术歌曲”的革命——诗歌与音乐的完美结合 浪漫主义的首要特征之一是个体情感的凸显。弗朗茨·舒伯特（F. Schubert）将德语艺术歌曲（Lied）提升到了前所未有的高度。本章分析钢琴伴奏如何不再仅仅是和声支持，而是成为叙事和描绘场景（如水流、马蹄声）的关键元素。通过《冬之旅》和《美丽的磨坊少女》，我们理解“连绵不绝的低音”（Wanderer's Motifs）如何表达浪漫主义者永恒的漂泊感。 第六章：肖邦与李斯特——钢琴的解放与炫技的新境界 钢琴在浪漫主义时期成为最受推崇的独奏乐器。弗里德里克·肖邦（F. Chopin）的波兰风格（如玛祖卡和波兰舞曲）以及他为钢琴创作的夜曲（Nocturne）和叙事曲（Ballade），展现了对钢琴音色和踏板运用炉火纯青的掌握。李斯特（F. Liszt）则通过“交响诗”和技术上要求极高的练习曲，拓宽了演奏的极限，并确立了作曲家作为“音乐英雄”的形象。 第七章：标题音乐的崛起与叙事交响曲 作曲家们开始明确地将音乐与文学、绘画或戏剧联系起来，催生了“标题音乐”（Programme Music）。本章重点研究柏辽兹（H. Berlioz）的《幻想交响曲》，分析其“固执主导音”（idée fixe）如何作为人物和主题的音乐指纹贯穿全曲，以及他如何运用庞大的管弦乐队来描绘梦境和仪式。 第八章：德意志的晚期浪漫主义与“德意志歌剧的巨人” 瓦格纳（Richard Wagner）对音乐世界的冲击是革命性的。本章深入探讨其“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念，重点分析其主导动机（Leitmotif）系统在《尼伯龙根的指环》中如何构建复杂的叙事网络。同时，我们会对比勃拉姆斯（Johannes Brahms）作为“保守派”对绝对音乐的坚守，分析他如何在继承贝多芬结构传统的同时，运用更加丰富和复杂的和声语言。 第九章：民族主义的兴起与东欧的色彩 在国家意识觉醒的浪潮中，许多作曲家开始从民间音乐、传统舞蹈和本土文学中汲取灵感。本章分析俄国“五人强力集团”（如穆索尔斯基和林姆斯基-科萨科夫）如何融合东正教圣咏和民间旋律；德沃夏克（A. Dvořák）如何将新大陆的节奏融入其交响曲中；以及格里格（E. Grieg）在挪威自然风光中的浪漫抒情。 第三部分：19世纪末的晚期浪漫与和声的极限探索 (约 1880 – 1900) 第十章：马勒与理查·施特劳斯——巨型结构的最后尝试 在浪漫主义的暮年，作曲家们试图以更宏大的规模和更深刻的哲学内涵来总结这一时代。古斯塔夫·马勒（Gustav Mahler）的交响曲是集大成的体现，本章分析其对人声、世俗音乐（如军乐和小调）的引用，以及他如何用音乐探索生与死、存在与虚无的终极命题。理查·施特劳斯（R. Strauss）的音诗（Tone Poem），如《查拉图斯特拉如是说》，则标志着管弦乐配器技巧达到了前所未有的复杂程度，为20世纪的调性瓦解埋下了伏笔。 结论：浪漫的遗产 本书总结了古典主义的理性框架如何被浪漫主义的激情所充盈，最终在和声的拓展中达到了一个极限。这一时期的音乐不仅塑造了现代管弦乐队的形态，更奠定了我们今天对“伟大作曲家”和“音乐表达的深度”的理解基础。通过对这些核心作品和概念的剖析，读者将能够更深刻地理解音乐是如何从一种宫廷娱乐演变为一种深刻的个人宣言。

评分☆☆☆☆☆

哇！这本书简直是打开了音乐世界的大门！我一直觉得五线谱就像天书一样，密密麻麻的符号看得我头晕眼花，学音乐的念头也因此搁浅了好几年。直到我无意中翻到了《轻轻松松识五线谱》，我才发现，原来学五线谱可以这么有趣，这么有条理！书里没有那些枯燥的说教，而是用各种生动形象的比喻，把每个音符、每个休止符、甚至每个节奏都讲得明明白白。比如，它把高音谱号比作一个优雅的女士，把低音谱号比作一个稳重的绅士，一下子就让它们在我脑海里有了鲜活的形象。而且，书中的练习题设计得也非常巧妙，循序渐进，一点点地加深我对五线谱的理解，从最基础的音高识别，到后来的节奏变化，再到最后的和弦构成，感觉每完成一页，我的音乐知识就又上了一个台阶。最让我惊喜的是，书里还穿插了一些有趣的音乐小故事和乐器介绍，让我在学习理论知识的同时，也能感受到音乐的魅力，更加激发了我学习音乐的兴趣。现在，我已经可以看着简单的乐谱哼唱出旋律了，这对我来说简直是不可思议的进步！

评分☆☆☆☆☆

怎么说呢，我之前一直觉得学乐器是一件很“高大上”的事情，需要天赋、需要毅力，但最关键的是，需要能“看懂”谱子。而《轻轻松松识五线谱》这本书，就像是为我这样“零基础”的门外汉量身定做的。它没有一开始就抛出复杂的概念，而是从最最基本的东西开始讲起，比如“do re mi”是怎么来的，为什么会有这几个音。书里对每个音名、每个唱名都做了非常详细的解释，还配有发音的图示，让我这样一个五音不全的人，也能勉强发出正确的音。而且，它还特别强调了“节奏”的重要性，用很多生活中的例子来比喻，比如走路的步伐、心跳的节拍，让我一下子就理解了节奏的含义。更重要的是，这本书给了我一种“我可以”的信心。它让我相信，只要方法得当，每个人都可以轻松掌握五线谱，都能享受音乐带来的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

我之前接触过一些音乐理论的书籍，坦白说，很多都让我望而却步，要么太专业，要么太枯燥。而《轻轻松松识五线谱》这本书，简直是一股清流！它的语言风格非常活泼，一点都不像传统的教科书。它用了大量的图示和漫画，把抽象的乐理知识变得具象化，比如解释音程的时候，就用不同大小的“台阶”来表示，一下子就清晰明了。而且，书里的例子都非常贴近生活，甚至引用了一些大家耳熟能详的儿歌和流行歌曲的片段，让我觉得学习五线谱不再是遥不可及的事情，而是可以应用到我日常生活中来的。最让我感动的是，作者在书中字里行间流露出对音乐的热爱，以及希望更多人能够享受音乐的真诚。这种温暖的态度，让我觉得自己在和一位亦师亦友的朋友交流，学习的过程充满了乐趣和动力。我已经迫不及待地想用我学到的知识去“破解”更多我喜欢的歌曲了！

评分☆☆☆☆☆

老实说，我本来对学五线谱没什么期待，觉得它就是一门技术性的东西，学好了也就那样。但《轻轻松松识五线谱》这本书，彻底颠覆了我的看法。它不仅仅是在教你认识五线谱，更是在引导你理解音乐的语言。书中有一段关于“乐句”的讲解，让我茅塞顿开。它把乐句比作说话中的句子，有起承转合，有呼吸的停顿，这才让我明白，原来音乐不仅仅是音符的堆叠，更是一种情感的流动和表达。我一直以为学习五线谱就是死记硬背，但这本书里有很多关于“听音”和“视唱”的练习，让我有机会把听到的声音和看到的符号对应起来，这种互动式的学习方式，大大提高了我的学习效率，也让我对音乐有了更深的感知。它还教我如何“读懂”乐谱背后的情感，比如哪个地方的音符跳跃幅度大，可能是激昂的；哪个地方的音符绵延悠长，可能是温柔的。这种从“识谱”到“懂谱”的转变，是我之前从未想过的，也让我对音乐的理解上升到了一个新的高度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑真的非常棒！它不是那种“想到哪写到哪”的混乱模式，而是有一个非常清晰的学习路径。从最简单的音高识别，到不同调号的解释，再到各种表情记号的意义，都安排得恰到好处。我特别喜欢它关于“拍号”那一章的讲解，用不同的“指挥棒”手势来比喻不同的拍号，一下子就让我理解了三拍子和四拍子的区别。而且，书里还专门辟出了一个章节来讲解“休止符”，这一点非常重要，因为很多人在学习五线谱的时候，都会忽略休止符的作用。这本书把它拎出来单独讲解，并配以大量的练习，让我深刻理解了休止符在音乐中的“停顿”和“喘息”作用。读完这本书，我感觉自己不再是被动地“看”谱子，而是能够主动地“听”出谱子里的音乐，甚至能够感受到音乐的律动和张力。这对我来说，是一个质的飞跃。