音乐基础知识音乐常识分册初级+中级上下册 新版全套4本音乐学院编人民音乐出版社乐理入门音乐 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103054543

商品编码：29525004952

出版时间：2017-12-01

商品详情 

经典音乐理论与实践精选导览 本导览旨在为音乐学习者、爱好者以及专业人士提供一个广阔的视野，聚焦于那些与基础乐理、音乐史、和声学、对位法、曲式分析、以及特定演奏技巧或音乐风格研究密切相关的经典著作。我们精选了一批在音乐教育领域具有深远影响力的教材、专著和参考资料，它们各自在不同的维度上深化了对音乐艺术的理解与掌握。 一、 扎实的西方音乐史与鉴赏入门 对于任何音乐学习者而言，清晰的音乐史脉络是构建知识体系的基石。我们推荐的系列读物，旨在勾勒出从古希腊的音乐思想萌芽到巴洛克、古典、浪漫主义直至二十世纪和当代音乐的完整发展轨迹。 《西方音乐通史：从古代到现代的演进》（假设性书名） 本书的特色在于其宏大的叙事结构与精微的细节分析相结合。它不仅仅罗列了重要作曲家的生平和作品，更深入探讨了每段历史时期内，社会、哲学、科技如何反作用于音乐的创作与接受。例如，在巴洛克时期，作者会细致分析教会和宫廷对音乐风格的塑造，以及新兴的歌剧形式如何打破了中世纪的音乐范式。对于古典主义，本书会重点解析海顿、莫扎特、贝多芬在奏鸣曲式发展中的关键贡献，以及“维也纳古典乐派”的内在统一性。 该书的一大亮点是其丰富的音乐实例分析。每介绍一个重要的风格转折点，如从对位为主转向和声驱动，或从调性中心转向无调性探索时，都会附带详细的乐谱节选分析，指导读者如何阅读和理解复杂的记谱法及其背后的音乐逻辑。此外，书中对音乐鉴赏的指导性内容也极为实用，帮助读者区分不同风格的织体、配器特点和情感表达方式，真正做到“听懂”音乐，而非仅仅“听见”。 二、 和声与对位法的深度钻研 和声学与对位法是音乐创作与分析的核心技术。以下推荐的书籍侧重于从规则的建立到创新的实践。 《功能和声学原理与实践教程》（假设性书名） 这部教材以严谨的逻辑，系统梳理了大小调调式体系下的功能和声学规律。它从最基础的三和弦功能（主、属、下属）开始，逐步引入导七和弦、经过和弦、副属和弦、以及变化和弦的使用。教程的价值在于其大量的习题设计，这些习题并非简单的填空或和弦连接，而是要求学习者在限定的调性和风格框架内，构建出符合逻辑且富于音乐性的四部和声进行。 书中对和声色彩的探讨尤为深入，区分了不同时代对和声的偏好。例如，它会对比十九世纪浪漫主义和声（如李斯特、瓦格纳）中对色彩和声的倾向性使用，与更早期古典主义时期的清晰功能划分。此外，对低音进行线的设计，以及如何确保声部进行（如避免平行五八度、声部导向）的流畅性，都有详尽的图表和示范。 《巴赫对位技法精要：严格对位与自由对位》（假设性书名） 对位法被誉为“音乐的逻辑”。本书通常以学生最常接触的严格对位法为起点，即福雷或李贝克的教学体系，细致讲解两部、三部乃至五部对位的各种音程关系与节奏处理。它会用大量的巴赫二部创意曲和三部创意曲的片段作为范例，展示如何在严格的规则下保持旋律线的独立性和内在的张力。 更进一步，本书会过渡到自由对位，这部分内容着重于分析复调音乐在更宏大结构中的应用，比如赋格曲的呈示部、展开部和再现部中，主题如何巧妙地布局、模写（Stretto）与插入。通过对巴赫赋格曲的详尽剖析，学习者可以掌握如何在不同声部之间建立起复杂而又和谐的对话关系，理解“织体”（Texture）这一要素在音乐表达中的决定性作用。 三、 音乐分析与曲式结构 理解一部音乐作品的骨架和内在逻辑，是高级欣赏和创作的必备技能。 《古典奏鸣曲式深度解析与应用》（假设性书名） 这部著作聚焦于西方器乐曲中最重要的结构框架——奏鸣曲式。它不仅仅停留在呈示部、展开部、再现部这三大块的表层划分，而是深入探讨了主部主题的动机发展、呈示部中两个主题区的“戏剧性冲突”如何通过转调和功能和声来确立，以及展开部中主题材料的破碎、重组与“心理张力”的构建。 本书提供了一种结构分析的工具箱，教授读者如何识别呈示部的“紧密呈示”（First Double Bar）、展开部中对不协和和声的运用以及再现部中主题的“解决”与尾声的强化作用。对于莫扎特清晰的结构美学和贝多芬突破性的结构实验，书中都有专门章节进行对比研究。 四、 配器法与管弦乐队技术 对于希望深入了解声音色彩和乐器特性的学习者，配器法是不可或缺的一环。 《管弦乐队配器艺术：乐器音色与功能研究》（假设性书名） 该书是一本详尽的乐器“人像志”。它系统地介绍了弦乐组（小提琴、中提琴、大提琴、低音提琴）的全部演奏技巧，如泛音、拨奏、多音奏法等；木管组（长笛、双簧管、单簧管、巴松）的音域特性、换指的难点以及在不同调性上的音色差异；铜管组（圆号、小号、长号、大号）的气息控制与强奏的震撼力；以及打击乐器的音色库构建。 重点在于“如何使用”而非仅仅“如何认识”。书中通过大量实例说明，例如，如何用长笛的低音区与单簧管的高音区创造出既圆润又不失穿透力的织体，或是在弱奏时如何利用圆号的柔和来烘托弦乐的歌唱性。它为读者提供了将抽象的音乐意图转化为具体乐队音响的实用指南。 五、 室内乐合奏与实践 室内乐被誉为“音乐的对话艺术”，需要演奏者之间高度的默契与个体理解力。 《弦乐四重奏的结构与合作：从海顿到肖斯塔科维奇》（假设性书名） 本书以弦乐四重奏这一经典体裁为核心，分析了海顿如何奠定其结构基础，莫扎特如何赋予其歌唱性，以及贝多芬如何将其推向哲学思辨的高度。书中特别强调了四件乐器（第一小提琴、第二小提琴、中提琴、大提琴）各自在对位关系中的角色定位：第一小提琴的主导性、中提琴的连接功能以及大提琴的低音支撑与旋律性的平衡。 在合作技巧方面，书中详细论述了如何通过眼神、呼吸（对弓法的协调）来统一演奏的风格和情感，如何处理乐句的呼吸点，以及如何在不破坏整体织体的前提下，清晰地呈现个人声部的对位动机。 总结 上述推荐的系列书籍共同构成了一个从基础认知到高级技能掌握的完整学习路径。它们关注的是音乐的内在结构、历史语境、技术实现以及审美体验，致力于培养学习者扎实的理论功底、敏锐的听觉分辨能力以及广阔的音乐视野，从而使学习者能够更深入地理解和创造音乐艺术。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始是被“音乐基础知识”这个比较宽泛的标题吸引的，想着能全面了解一些音乐方面的常识。翻开书后，惊喜地发现它并没有仅仅停留在理论的层面，而是将乐理知识与实际的音乐应用巧妙地结合了起来。例如，在讲解节奏型时，书中不仅给出了各种常见的节奏组合，还附带了许多可以直接用于演奏的短小乐句，甚至还提示了可以尝试的乐器配器，这让我在学习理论的同时，也能立刻感受到音乐的活力。我尤其赞赏它在中级部分对复调音乐的讲解，虽然我之前对复调的概念总是感到十分复杂，但书中用浅显易懂的语言，并辅以大量的巴赫赋格的片段进行分析，将赋格的结构、模仿等核心要素拆解得非常清晰，配合着我尝试用钢琴去弹奏，真的能体会到不同声部之间精妙的呼应和交织，那种层次感和逻辑性让我大开眼界。此外，书中关于音乐体裁的介绍也十分详尽，从奏鸣曲到交响曲，再到歌剧和室内乐，都分别介绍了它们的形成、发展以及结构特点，并列举了大量经典的范例，让我对不同类型的音乐作品有了更全面的认识和鉴赏能力。

评分☆☆☆☆☆

我是一名音乐爱好者，平时喜欢听音乐，也偶尔尝试演奏一些简单的乐曲，但这套书的出现，让我感觉我之前的学习方式有些“散乱”。这本书最大的优点在于它的体系性和递进性。从初级篇的“音乐常识”，到中级篇的“乐理入门”，再到后面更深入的内容，每一步都建立在前一步的基础上，不会让你产生“跳跃感”。我特别喜欢书中关于音乐情感表达的章节，它并没有空泛地谈论“伤感”、“快乐”，而是结合具体的音乐元素，比如调性（大调的明亮，小调的忧郁）、节奏（快速的节奏带来兴奋感，慢速的节奏带来沉静感）、和声（协和的和弦带来稳定感，不协和的和弦带来紧张感）等，来解释这些情感是如何通过音乐语言传达出来的。这让我以后再听音乐时，不再仅仅是被旋律吸引，而是能更深层次地去分析作曲家是如何运用这些技法来打动听众的。书中也包含了一些音乐欣赏的技巧，比如如何去辨别一个音乐作品的织体、曲式等，这对我提升音乐鉴赏能力非常有帮助。我甚至觉得，这本书的内容，足以让一些想要系统学习音乐的初学者，打下坚实的基础，并对音乐产生更深的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这套书的扉页和目录页设计得相当朴素，没有过多的花哨装饰，这一点我很喜欢。当我翻到乐理入门部分时，最先吸引我的是那些细致入微的图示。比如在讲解音程时，不仅仅是给出音程的名称和度数，还配上了非常直观的键盘图和五线谱示例，甚至连不同音程在和弦中的作用也都有简要的说明，这对于我这种初学者来说，简直是福音。我之前学音乐，总是对一些抽象的概念感到头疼，比如各种调式里的“色彩”变化，书里通过对不同调式音阶的旋律进行分析，并配以简单的和声进行，让我对它们的性格有了更深的体会。虽然我还没有完全深入到中级部分，但仅凭初级篇的学习，我已经能感觉到自己在视唱练耳上的进步，以前听着很模糊的旋律，现在能大概捕捉到调性和主要的音符走向了，这让我非常有成就感。而且，书中的练习题设计也很有条理，从最基础的音程辨识，到简单的和弦连接，都循序渐进，不会让人觉得一下子压力太大。我尤其喜欢其中关于音乐发展史的章节，虽然篇幅不长，但介绍得很精炼，让我对西方古典音乐各个时期的主要风格和代表人物有了清晰的认识，这对于理解音乐作品的背景非常有帮助。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这套书在知识的深度和广度上都做得非常出色，尤其是在中级部分，对我现有的音乐认知进行了一次“刷新”。我原本以为乐理知识仅限于音高、节奏、和弦等基本元素，但这本书拓展了我很多关于音乐“结构”和“逻辑”的理解。例如，在讲解奏鸣曲式时，书中不仅详细解析了呈示部、发展部、再现部的基本框架，还深入分析了主题的发展、动机的变形等技巧，并且配以大量的莫扎特、贝特霍芬等作曲家的经典奏鸣曲片段进行示范，我尝试着去听这些作品，并对照书中的分析，仿佛打开了音乐的“解剖图”，能够更清晰地听到音乐的骨骼和血肉是如何构建的。而且，书中在讲解一些比较“硬核”的音乐理论时，比如十二音体系或者序列音乐，并没有回避，而是用相对易懂的方式进行了介绍，虽然我目前还不能完全掌握，但至少让我对这些现代音乐的探索方向有了初步的了解，这对我来说是一种知识的拓宽。此外，关于不同乐器的音色和演奏技法的介绍也很有意思，虽然不是重点，但点到为止，也能增加一些跨学科的趣味性。

评分☆☆☆☆☆

这套书在我学习初期，最大的帮助在于它能够让我系统地梳理和巩固我之前零散的音乐知识。我之前在一些线上平台接触过一些乐理概念，但总是感觉像是在走马观花，没有形成完整的体系。这套书恰恰弥补了我的这一短板。它从最基础的音符、节拍开始，层层递进，逻辑性非常强。我最欣赏的一点是，它在讲解复杂的和声理论时，并没有直接抛出很多专业术语，而是通过一些简单的例子，一步一步地引导读者去理解。比如在讲到七和弦时，它会先从三和弦开始，然后逐渐加入第七音，并分析加入第七音后和弦音响的变化，以及它在音乐中的功能。这一点对于我这样没有接受过正规音乐教育的人来说，是非常友好的。我尝试着按照书中的练习题去进行和弦的分析和转位，感觉自己的和声听辨能力有了显著的提升，而且在尝试写简单的旋律时，也能够更好地运用和声来支撑。另外，书中关于音乐史的梳理也非常到位，它将不同时期的音乐风格用简洁的语言概括出来，并穿插了一些有趣的轶事，让原本枯燥的历史变得生动起来，也帮助我更好地理解了不同时期音乐作品的时代背景和情感表达。