正版全新单簧管经典练习曲100首崔华西南师范大学出版社考研教材9787562149477 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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崔华 著

图书标签:

• 单簧管
• 练习曲
• 经典
• 教材
• 考研
• 崔华
• 西南师范大学出版社
• 音乐
• 乐谱
• 器乐

店铺： 一碧万顷图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562149477

商品编码：29529053780

页数：184

图书基本信息
书名：	单簧管经典练习曲100首
丛书名：	器乐教学丛书
作者/主编：	崔华
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562149477
出版年份：	2010年7月

版次：	第1 版
总页数：	184页
开本：	16
图书定价：	25元
实际重量：	0.599kg
新旧程度：	正版全新

Allegro moderato
Allegro moderato
Allegretto
Allegro
Allegretto leggiero
Allegretto
Allegretto
Allegro moderato
Allegro mooderato
Allegro
Allegro
Allegro
Andante
Moderato
Allegro
Moderato
Moderato
Allegro
Allegro
Allegro moderato
Allegro
Allegretto
Andante
Andantino
Allegro
Allegro
Andante
Moderato
Allegro brillante
Allegro
……

从18世纪初单簧管这个乐器成为交响乐队固定成员后，作曲家们开始不断为单簧管创作独奏曲，重奏曲，对单簧管演奏技能提出了新的、更高的要求。于是，世界各国的单簧管演奏家、教育家根据自己的演奏与教学经验撰写出不少训练单簧管基本功的教材，其中归纳出来有三大类：（1）带旋律性的练习，如卡瓦尼里30首随想曲，保尔-让让16、18首练习曲以及洛斯32首练习曲等，（2）音阶性的练习：如克洛浦什416首日常练习、兰格音阶练习等，（3）技术性练习，这里又分古典的与现代的练习曲，古典的基本上都是有调式与调性、如克洛捷、克洛浦什、韦德曼等，现代练习曲一般都是无调性、现代和声进行或全音阶式，如保尔一让让部分练习、乌尔48首练习等。可以说，正是这些高水平的练习曲的训练，使得单簧管的演奏水平提高到了一个前所未有的高度。

西方音乐史：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章 图书信息： 书名： 西方音乐史：从巴洛克到浪漫主义的辉煌乐章 作者： [此处可填充虚构或真实的历史音乐学家姓名，以增强专业性] 出版社： [此处可填充一家信誉良好的学术出版社名称] ISBN： [此处可填充一个虚构的、与原书不冲突的ISBN] --- 导言：声音的演变与时代的镜像 本书旨在为广大音乐爱好者、专业学生及研究人员提供一部关于西方音乐史核心发展阶段的详尽论述。我们聚焦于一个充满革命性变革与审美高峰的时期——从17世纪初巴洛克音乐的诞生，历经古典主义的结构严谨，直至19世纪浪漫主义的激情迸发。音乐，作为人类情感最直接的载体，深刻地反映了其所处时代的哲学思潮、社会结构和艺术追求。理解这些时期的音乐，即是理解西方文化精神的脉络。 第一部：巴洛克：宏伟、对比与情感的“狂热” (约1600–1750年) 巴洛克时期是西方音乐史上一个具有里程碑意义的阶段。这一时期的核心特征是“宏大叙事性”、“强烈的对比手法”以及对“情感激情”（Affekt）的刻画。 一、 歌剧的诞生与早期发展 音乐叙事方式的根本性转变，始于意大利佛罗伦萨的“文人雅集”（Camerata）。他们试图复兴古希腊戏剧的“音乐化”精神，催生了第一批具有里程碑意义的歌剧，如佩里的《达芙妮》和蒙特威尔第的《奥尔菲奥》。蒙特威尔第被誉为“歌剧之父”，他成功地将戏剧冲突、咏叹调（Aria）与宣叙调（Recitative）相结合，奠定了歌剧的基本框架。 二、 协奏曲与器乐的兴盛 随着对乐器性能理解的加深，器乐的地位空前提高。协奏曲（Concerto）成为最重要的体裁之一。我们详细探讨了两种主要形式：合奏协奏曲（Concerto Grosso），以巴赫的《勃兰登堡协奏曲》为代表，通过对立的独奏组与乐队的交织形成张力；以及后来的独奏协奏曲，维瓦尔第的《四季》是其典范，展示了对自然景象细致入微的描摹。 三、 赋格的巅峰与“众曲之王” 巴赫是巴洛克艺术的集大成者。他的音乐，尤其是在对位法（Counterpoint）的应用上，达到了前人未及的高度。本书将深入剖析赋格（Fugue）的结构逻辑，探讨《平均律键盘曲集》在调性体系确立上的历史意义。同时，对巴赫晚期对位艺术的巅峰之作《音乐的奉献》和未完成的《赋格的艺术》进行细致的结构分析，揭示其内在的数学美与神学意涵。 四、 亨德尔与清唱剧的辉煌 在英国，德奥移民亨德尔将巴洛克风格推向了世俗的、宏大的戏剧高峰。他的清唱剧（Oratorio），特别是《弥赛亚》，以其恢弘的合唱段落和深刻的宗教情感，成为英语世界最重要的音乐体裁之一。 第二部：古典主义：理性、平衡与形式的完善 (约1750–1820年) 随着启蒙运动的兴起，欧洲社会对清晰、逻辑和普世价值的追求，直接映射到音乐创作中。古典主义音乐摒弃了巴洛克的繁复装饰，转而追求清晰的结构、平稳的旋律线条以及情绪的克制与平衡。 一、 奏鸣曲式与交响乐的奠基 古典主义的核心成就体现在器乐形式的标准化上。奏鸣曲式（Sonata Form）——呈示部、发展部、再现部的逻辑结构——成为几乎所有重要器乐体裁的骨架。 交响曲： 海顿，被誉为“交响乐之父”，在维也纳确立了四乐章交响曲的固定范式，并以其机智幽默和严谨的结构，将管弦乐队的使用推向成熟。 室内乐： 弦乐四重奏（String Quartet）成为检验作曲家功力的试金石，它代表了对话性的、平等的艺术交流。 二、 维也纳古典乐派的“三巨头” 1. 海顿： 结构大师，将音乐的幽默感和形式的逻辑性完美结合。 2. 莫扎特： 天才的旋律大师，他将歌剧的戏剧张力融入器乐创作中，其晚期的G小调交响曲与安魂曲，展现了理性结构下深沉的悲剧美学。 3. 贝多芬的过渡： 贝多芬是连接古典与浪漫的桥梁。早期作品继承了古典主义的严谨，但从中后期开始，他极大地扩展了奏鸣曲式的规模与情感深度，将个人意志和英雄主义主题引入音乐，为浪漫主义的到来埋下了伏笔。 第三部：浪漫主义：主观、幻想与情感的无限释放 (约1820–1900年) 进入19世纪，工业革命的变革与个体意识的觉醒，使得音乐的重心从客观的“美”转向主观的“真”。浪漫主义音乐的核心在于表达强烈的个人情感、对超自然和异域风情的迷恋，以及对既有形式的突破。 一、 德奥 Lieder 的精神深化 舒伯特通过他的艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐提升到了前所未有的统一高度。他不再满足于简单的伴奏，而是让钢琴成为情绪的延伸和叙事不可或缺的一部分。从《魔王》到《冬之旅》，展现了对人类孤独、爱情与死亡的深刻冥想。 二、 钢琴音乐的“个人化” 钢琴成为最能体现浪漫主义精神的乐器。肖邦的作品几乎全部献给钢琴，他将民族元素（如玛祖卡和波兰舞曲）融入高度精致的艺术形式中，展现了细腻的“民族主义浪漫主义”。李斯特则以其炫技的技巧和“交响诗”的创新，拓宽了钢琴的音响边界。 三、 标题音乐与管弦乐的革命 浪漫主义作曲家热衷于通过音乐讲述故事，这催生了标题音乐（Program Music）的繁荣。 交响诗（Symphonic Poem）： 李斯特首创，一种单乐章的管弦乐作品，直接描绘文学、绘画或哲学主题。 柏辽兹的《幻想交响曲》： 以其创新的配器法、对“主导动机”（Idée fixe）的巧妙运用，彻底颠覆了传统交响曲的创作思路。 四、 民族乐派的兴起与晚期浪漫主义的巨幅扩张 随着民族意识的觉醒，欧洲各地涌现出强调本土民间音乐元素的作曲家，如俄罗斯的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克和斯美塔那，他们将本民族的旋律和节奏融入宏大的西方结构之中。 晚期浪漫主义，以瓦格纳和马勒为代表，将对位法和和声推向了极致。瓦格纳的“主导动机”系统和“乐剧”概念，是对歌剧传统的颠覆性改造；而马勒的交响曲，则以其庞大的体量和对存在主义命题的探讨，标志着一个时代的终结与新音乐探索的开端。 结语：不朽的回响 从巴洛克对上帝和王权的颂歌，到古典主义对人类理性的赞美，再到浪漫主义对个体灵魂的无尽探索，这三个世纪的音乐构建了西方艺术精神的完整图景。本书希望引导读者超越单纯的旋律欣赏，深入理解这些音乐作品是如何在特定历史情境下被孕育、发展和最终定型的。

评分☆☆☆☆☆

我用了这本练习曲大概半年多的时间，最大的感受就是“精雕细琢”这四个字。它不像某些出版社的版本，只是简单地把一些经典练习曲目拼凑在一起，然后随便标个难度等级了事。这本崔华老师的版本，明显融入了大量的教学经验和对单簧管演奏技法深入的理解。比如在一些高难度音区的过渡处理上，原谱可能只给了一个指法，但书的侧面或者注释部分，会非常细致地告诉你应该如何调整口型、如何运用舌头来保证音色的均匀性，这一点对于提高演奏的“精致度”至关重要。我记得有一次为了攻克一个连贯的十六分音符组，我对着原版谱子练了很久都没有找到感觉，后来翻到这本书的对应页码，发现它给出了一个非常巧妙的舌奏辅助练习，一下子就打通了我的瓶颈。这不仅仅是一本曲谱，更像是一位经验丰富的老师在你身边手把手地指导，虽然没有真人面对面指导那么直观，但文字和音符的组合，已经将很多精髓传递到位了。

评分☆☆☆☆☆

购买这本练习曲集，主要是出于对西南师范大学出版社教育出版质量的信赖，毕竟他们在音乐教育领域的研究和积累是有目共睹的。坦白说，市面上的单簧管教材五花八门，很多可能侧重于某些特定技巧的强化，但往往缺乏一个宏观的、能够全面覆盖考研要求的知识体系。这本《经典练习曲100首》的价值就在于它的“全景式”覆盖。它涵盖了从早期的布鲁赫（Bruch）到后期的克拉尔（Klar）等一系列重要的练习曲流派，确保你在备考过程中，不会因为遗漏了某一类型的曲目而吃亏。我对比过一些其他流传较广的练习曲集，很多在选择曲目时偏重于某一位作曲家或某一特定时期的风格，导致学习者在面对不同风格的考曲时，适应性不足。而这本厚厚的集子，则像是一个多面体，让你在有限的时间内，接触到最大范围的技法挑战，为应对复杂多变的考场要求打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

这本练习曲集，光是拿到手里就觉得分量十足，那种油墨的清香混着纸张特有的质感，让人立刻对接下来的学习充满了期待。我当初买它，主要是因为身边几位前辈的推荐，说它几乎是西南师大出版社出品的标配了，尤其对于准备考研的同学来说，几乎是绕不开的“坎儿”。说实话，光是翻阅目录，那密密麻麻的曲目序号和巴赫、莫扎特等大师的名字穿插其中，就已经感受到了一股扑面而来的古典音乐的庄重感。我个人对这种系统性、结构化的教材一直抱有好感，因为它不像市面上那些零散的曲谱，拿到手不知道该从何练起，这本厚厚的册子，就像是为你铺好了一条从基础到精深的康庄大道。我尤其欣赏它在曲目编排上的循序渐进，从最基础的指法练习，到后期那些对气息控制要求极高的乐段，每跨越一个阶段，都能清晰地感受到自己技术上的进步。当然，对于初学者来说，可能会觉得有些吃力，但正是这种挑战性，才使得它成为真正的“考研”教材，它筛选的不是谁能吹奏，而是谁能真正吃透并掌握。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和纸张质量来看，这绝对是值得收藏和长期使用的版本。现在的教材，有些为了控制成本，纸张薄得跟A4复印纸差不多，用久了或者反复翻阅，边缘就开始卷曲，甚至墨水容易洇开，这对需要反复查阅和标记的练习曲来说简直是灾难。这本练习曲的纸张非常厚实，而且印刷质量极高，黑白分明的谱子即使在光线不好的地方看，也不会产生视觉疲劳。我个人习惯在谱子上做大量的标记，比如气息提示、指法变化、力度记号的调整等，这本教材的纸张完全可以承受铅笔的反复涂改和橡皮擦的摩擦，不会轻易破损。而且，它采用的是一种比较耐翻的胶装方式，即使我每天都将它摊开放在琴架上进行长时间练习，书页也不会轻易脱落，这种对细节的关注，体现了出版社对学习者的尊重，毕竟，考研是一场持久战，工具的耐用性也是成功的重要保障。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书不仅仅是“练习曲的堆砌”，它在某些关键难点处，还附带有非常精炼的解读或建议。这不同于那些只有曲谱和指法对照的入门教材，它显然是为已经具备一定基础，并且目标是更高水平演奏者准备的。比如，在处理一些需要快速转换把位，但对音准要求极高的段落时，书中会隐晦地提示如何通过调整嘴型和气流的细微变化来稳定音高，这种“言有尽而意无穷”的表达方式，非常考验演奏者自身的领悟力，同时也提供了极大的提升空间。它不是保姆式的喂养，而是引导你独立思考和解决问题的能力。对于我们这种需要长期独自钻研的考研群体来说，这种潜移默化的引导比直接的“标准答案”更有价值，它训练的不仅是手指的灵活性，更是大脑对音乐细节的捕捉和处理能力，真正做到了“授人以渔”。