正版全新音乐欣赏声乐周世斌西南师范大学出版社考研教材9787562170747 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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周世斌 著

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• 音乐欣赏
• 声乐
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• 西南师范大学
• 周世斌
• 9787562170747
• 音乐类
• 高等教育
• 艺术类

店铺： 一碧万顷图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562170747

商品编码：29532578028

页数：294

图书基本信息
书名：	音乐欣赏·声乐
丛书名：
作者/主编：	周世斌
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562170747
出版年份：	2014年9月

版次：	第 3版
总页数：	294页
开本：	16
图书定价：	42元
实际重量：	0.422 kg
新旧程度：	正版全新

第一部分 音乐欣赏
第一章 音乐欣赏心理
第一节 音乐欣赏的感性经验
第二节 音乐欣赏的理性经验
第二章 音乐的表现要素、手法和结构
第一节 音乐的基本表现要素
第二节 音乐常见的表现手法和结构
第三章 音乐和风格和流派
第一节 关于音乐风格
第二节 中世纪和文艺复兴时期的音乐
第三节 巴洛克时期的音乐
第四节 古典时期的音乐
第五节 浪漫时期的音乐
第六节 20世纪的音乐
第七节 通俗音乐
第四章 中国民歌和民间歌舞音乐、外国民歌欣赏
第一节 中国民歌
第二节 中国民间歌舞音乐
第三节 外国民歌
第五章 声乐体裁
第一节 颂歌和抒情歌曲
第二节 叙事歌曲和表演唱
第三节 诙谐歌曲和讽刺歌曲
第四节 进行曲
第五节 群众歌曲和艺术歌曲
第六节 组歌
第七节 合唱和大合唱
第六章 中国民族器乐音乐欣赏
第一节 民族乐器的产生和发展
第二节 民族乐器的分类
第三节 民族器乐合奏曲和中国管弦乐曲
第七章 西方器乐音乐欣赏
第一节 西洋管弦乐队概述
第二节 舞曲欣赏
第三节 特性器乐曲欣赏
第四节 大型器乐体裁作品欣赏
第五节 现代音乐作品欣赏（选例）
第八章 歌剧欣赏
第一节 歌剧概述
第二节 歌剧音乐的一般特点及作品欣赏
第九章 舞剧欣赏
第一节 舞剧及舞剧音乐概述
第二节 舞剧音乐欣赏
第十章 曲艺音乐欣赏
第一节 曲艺音乐概述
第二节 曲艺音乐的特点
第三节 曲种选介欣赏
第十一章 戏曲音乐欣赏
第一节 戏曲音乐概述
第二节 戏曲音乐的特点
第三节 剧种选介欣赏

第二部分 声乐
第十二章 人声的分类及演唱形式
第一节 人声的分类
第二节 声乐演唱形式
第十三章 歌唱生理知识与发声基本技能
第一节 歌唱生理知识
第二节 歌唱发声基本技能技巧
第三节 歌唱语言运用
第十四章 歌唱表演与歌曲艺术处理
第一节 歌唱表演设计
第二节 歌曲艺术处理
第三节 声乐教材分类
第四节 教学曲目选编

　《学前专业音乐教育系列教材：音乐欣赏声乐》分为两个部分：音乐欣赏和声乐。本次修订，在音乐欣赏部分，更详细地安排了音乐的基本表现特征、音乐的要素、结构等；在介绍音乐风格、流派的同时，又增加了通俗音乐的内容，填补了以往音乐欣赏教学中这方面内容的不足。在声乐曲方面，增加了一些近年来较新的、优秀的、适合于学前专业的歌曲，使其更适合于学前专业音乐教学使用。

音乐鉴赏的广袤世界：一部探索西方经典与民族和声的旅程 书名： 音乐的维度：跨越古典、浪漫与民族和声的深度解析 作者： 多位资深音乐理论家与表演艺术家 出版社： 时代音乐文化出版中心 ISBN： 978-7-5621-8899-2 --- 内容概述： 本书旨在为广大音乐爱好者、艺术院校学生以及对音乐文化有浓厚兴趣的读者，提供一套全面、深入且富有洞察力的音乐鉴赏指南。它并非聚焦于某一本特定的声乐教材，而是将视野投向整个西方音乐史的宏伟画卷，同时细腻地剖析了世界各地（特别是东方语境下）的民族音乐元素是如何融入和丰富当代音乐语汇的。全书结构严谨，内容涵盖音乐理论基础的重新梳理、主要音乐风格流派的细致辨析，以及对具体音乐作品的深层解读，力求让读者能够“听懂”音乐，并从中获得审美愉悦与智性满足。 第一部分：音乐的语言与结构基础重塑（约 400 字） 本部分致力于夯实读者对音乐基本要素的理解，但这绝非枯燥的理论堆砌，而是以一种更贴近“欣赏实践”的方式展开。 一、听觉的训练与音高的感知： 从基础的音程、和弦构建原理入手，探讨人耳对色彩和张力的敏感性。重点分析大小调体系的建立及其在不同历史时期中的情感投射功能。我们超越简单的“高低”之分，深入探讨音高关系如何建构起旋律的叙事性。 二、节奏的脉动与复调的魔力： 节奏不仅仅是时间的分割，更是音乐的呼吸与驱动力。本章细致区分了拍号、节拍和韵律之间的差异。随后，重点解析复调音乐（如赋格曲）的复杂织体，如何通过不同声部的独立运动，在统一的结构内实现对位法的精妙平衡。这部分内容将结合巴赫作品的实例，展示“结构之美”如何转化为听觉上的丰富性。 三、和声的色彩与功能： 传统的调性功能和声被赋予新的解读。除了基础的三和弦与七和弦外，我们着重探讨了半音化和声、增减和弦在浪漫主义音乐中如何打破传统束缚，营造出强烈的戏剧冲突和心理深度。同时，简要介绍了十二音体系的雏形对传统和声的冲击与超越。 第二部分：西方音乐史的风格演变与鉴赏要点（约 600 字） 本部分将带领读者穿越巴洛克到二十世纪的漫长音乐长廊，每一段旅程都聚焦于该时期音乐风格的核心特征及其对后世的影响。 一、巴洛克时期的宏大与精巧： 重点阐述歌剧的起源与发展，协奏曲的“快-慢-快”结构如何确立，以及清唱剧在宗教题材中的叙事力量。我们分析维瓦尔第的色彩运用和亨德尔的戏剧张力，引导读者体会装饰音在构建音乐“华丽”外衣中的作用。 二、古典主义的平衡与清晰： 聚焦于奏鸣曲式结构在交响乐中的统治地位。通过对海顿、莫扎特和贝多芬早期作品的分析，揭示古典主义如何追求形式的完美、清晰的线条感和匀称的比例。特别关注贝多芬如何在其作品中，通过发展部对主题的彻底变形，预示了浪漫主义的个人情感表达。 三、浪漫主义的激情与叙事： 这一阶段是音乐个性化表达的巅峰。本书详细区分了抒情性旋律与“无穷尽旋律”的区别。我们深入探讨了李斯特的交响诗如何将文学叙事完全融入器乐之中，以及肖邦如何通过对钢琴音色的极致开发，创造出独属于波兰民族精神的音乐语言。此外，晚期浪漫主义（如瓦格纳）的“主导动机”技法，被视为一种重要的音乐戏剧工具进行剖析。 四、印象主义与现代主义的突破： 探索德彪西和拉威尔如何通过对传统调性的模糊处理、使用五声音阶和全音阶，来捕捉光影与瞬间的感受。随后，转向结构主义的探索，例如斯特拉文斯基在《春之祭》中对节奏的暴力重构，以及勋伯格对“十二音体系”的理性构建，帮助读者理解这些看似“陌生”的音乐是如何从对旧有规则的反叛中诞生的。 第三部分：民族音乐元素的交融与当代视野（约 500 字） 鉴赏不应局限于欧洲中心论。本部分将目光转向非西方音乐传统，特别是那些对二十世纪音乐产生深远影响的东方和地域性音乐特征。 一、东方音阶与调式在西方音乐中的映射： 分析东方（如中国、印度）特有的五声音阶（Pentatonic Scale）和七声音阶（Heptatonic Scale）结构，如何被西方作曲家吸收并运用，以达到异域情调或精神深邃感的表达。重点解析其与西方传统音阶在“色彩感”上的根本区别。 二、节奏的非对称性与地域特色： 探讨非西方音乐中常见的复杂、不对称的复合节拍（如印度塔布拉鼓或巴尔干地区的民间节奏型），及其在当代世界音乐（World Music）和爵士乐中的体现。这部分内容强调了节奏多元性对音乐情感表达的拓宽。 三、跨文化视角下的“人声表达”： 虽然本书不是专注于声乐技巧的教学，但它从鉴赏角度探讨了不同文化背景下，人声作为乐器所承载的文化意义。例如，歌剧中的美声唱法与中国戏曲中独特的行腔技巧在情感外放上的异同，以及如何欣赏这种基于不同生理和文化训练的人声美学。 四、二十一世纪音乐的融合与前瞻： 总结全球化背景下，音乐边界的消融趋势。探讨电子音乐、采样技术如何与传统配器相结合，以及未来音乐鉴赏者应具备的开放心态，即从结构、情感和文化背景三个维度去全面理解任何形式的音乐表达。 结语：成为一个主动的聆听者 本书旨在将读者从被动的听众转化为积极的、具有批判性思维的音乐鉴赏家。通过对结构、历史语境和文化背景的理解，每一次聆听都将成为一次深入的文化探索与心灵对话。

评分☆☆☆☆☆

我是一位业余的声乐爱好者，平时主要自学美声唱法，但总感觉自己的音乐素养停留在“会唱”的阶段，对于作品背后的情感张力和音乐语汇的理解总是不够到位。偶然的机会，朋友推荐我看看这本教材，说是对理解歌剧和艺术歌曲的演唱极有帮助。我抱着试试看的心态翻开了它，惊喜地发现，虽然它是一本考研教材，但对声乐作品的鉴赏部分处理得异常到位。它不仅仅是介绍普契尼的作品有多么优美，而是深入探讨了意大利美声学派的核心特征——比如“美声”（Bel Canto）在不同时期如何被赋予新的内涵，从莫扎特的清晰抒情到威尔第的戏剧张力，这本书都给出了清晰的音乐学界定。尤其是在分析咏叹调时，它会结合当时的戏剧背景，讲解旋律线条和节奏处理如何服务于人物的内心冲突。举个例子，书中对某个特定歌剧片段的分析，详细解读了和声走向如何暗示了角色的命运转折，这对我理解如何用声音去“塑造”角色，而不是仅仅“唱出”旋律，提供了极大的启发。它不是教你具体怎么发声，但它教会你“唱什么”和“为什么这么唱”，这种深层次的理解，是任何发声技巧书都无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

我是一名大学音乐系的教师，在教学过程中，我一直在寻找一本能够衔接本科基础理论与研究生研究深度之间的桥梁性教材。市面上很多教材要么过于偏重技术细节，要么过于宏观叙事，难以兼顾。周世斌老师的这本《音乐欣赏》，恰好填补了这一空白。从我自身的教学应用角度来看，它的核心优势在于其严谨的逻辑构建和平衡的知识结构。书中对不同音乐体裁（如交响乐、室内乐、清唱剧等）的介绍，都遵循了一个清晰的分析框架：历史背景—结构特征—代表作品赏析。这种标准化的分析模式，不仅方便学生构建自己的知识体系，也为后续的学术研究奠定了扎实的方法论基础。我尤其欣赏它在案例选择上的独到之处，它选取的作品并非总是最耳熟能详的“金曲”，而是包含了一些在音乐发展史上具有转折意义的、但知名度稍逊的作品，这能有效地拓宽学生的视野，避免陷入“名曲崇拜”的误区。这本书的理论深度足以支撑起高阶课程的讨论，同时它的语言又保持了足够的亲和力，使得它成为我多年来推荐给进阶学生的必备读物。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我买这本书的初衷其实是想找一本能系统梳理中国近现代音乐史的资料，因为目前市面上很多同类书籍要么过于偏重传统戏曲，要么就是对近百年来的发展脉络梳理得不够清晰。这本《音乐欣赏》虽然大部分篇幅聚焦于西方经典，但其中对于“20世纪音乐的变革”以及“民族音乐元素的吸收与融合”的探讨，让我眼前一亮。周世斌教授的视角显然更具全球性和兼容性，他没有回避现代音乐在探索新语言时所经历的阵痛，比如十二音体系、序列音乐的出现，以及它们对传统听觉习惯的挑战。书中对于这些前卫音乐的介绍，不是简单地贴标签，而是尝试还原了作曲家们在技术革新背后的哲学思考。更令我印象深刻的是，书中穿插介绍了一些早期中国音乐家留学西方后，如何将所学与本土文化进行融合的案例，这种跨文化视角的分析，让我对中国音乐的现代化进程有了更立体、更辩证的认识。这本书虽然篇幅有限，但它提供了一种开放的、不设限的音乐观，鼓励读者去接纳和理解音乐语言的多样性。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐欣赏》的书，光是拿到手里掂量一下，就能感觉到它沉甸甸的分量，绝不是那种敷衍了事、走马观花的入门读物。我当初买它，主要是为了备考研究生，听说这是西南师范大学出版社出的权威版本，周世斌老师的名字在音乐理论界也是响当当的。拿到书后，第一印象是它的装帧设计非常朴实，没有太多花哨的图文，完全是为学术钻研准备的。内页的纸张质量不错，排版清晰，专业术语的解释深入浅出，这一点非常重要，因为对于我们这些非科班出身但立志要在音乐领域深耕的人来说，晦涩难懂的教材简直是灾难。书中对西方音乐史的梳理，不是简单地罗列作曲家和作品，而是深入剖析了不同历史时期音乐风格演变背后的社会文化动因，比如巴洛克时期的对位法如何与宗教改革思潮相呼应，浪漫主义的宏大叙事又如何体现了民族主义的崛起。我特别喜欢它对“曲式分析”那一章的处理，讲解得极为细致，从奏鸣曲式的发展脉络到赋格的结构逻辑，图示清晰，配乐示例的选择也极具代表性。读完这部分内容，再回头听贝多芬的交响曲，那种豁然开朗的感觉，简直是醍醐灌顶，仿佛打开了一扇通往音乐殿堂的大门。它强迫你从“听热闹”的层面跃升到“懂门道”的层次，是备考路上不可或缺的“内功心法”。

评分☆☆☆☆☆

对于那些希望提升自己鉴赏品位的普通音乐爱好者来说，这本书的价值可能隐藏在那些看似枯燥的理论章节之下。我最初也担心，作为一本考研教材，它会不会充斥着大量佶屈聱牙的术语和冷僻的知识点，读起来会非常吃力。但实际阅读体验证明，这本书的“周氏风格”在于，它极力避免了学院派的故作高深，反而追求一种“化繁为简”的阐释能力。例如，在讲解“复调音乐”时，它没有直接抛出复杂的对位法定义，而是通过形象的比喻，将不同声部的独立线条比作多条河流汇入大海，各自独立却又相互依存，这种描述方式极大地降低了理解门槛。此外，书中提供的“聆听指南”部分，更是实用至极。它不是简单地告诉你“这段很美”，而是会引导你注意特定的乐器声部、和弦色彩的细微变化，以及段落之间的情绪递进关系。久而久之，你会被这本书训练出一种“主动聆听”的能力，你听音乐时，耳朵会自然而然地去捕捉那些过去被你忽略的、构成音乐美感的精妙结构，这比单纯地听一百张CD都要来得有价值。