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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311860

商品编码：29561731665

出版时间：2016-12-01

商品详情

 

弦音的秘密：探索大提琴的深沉与魅力 一、引言：为何选择大提琴？ 当我们谈论管弦乐队中的“中音”时，大提琴（Cello）无疑占据了核心地位。它以其温暖、深沉且极富人声般歌唱性的音色，在古典音乐乃至现代音乐中都扮演着不可或缺的角色。相比于小提琴的高亢明亮，大提琴的音域更为广阔，从低沉的男中音到富有穿透力的女高音，皆能自如驾驭。本书并非专注于小提琴入门与乐理基础，而是将视角完全转向这位“低音之王”——大提琴。我们旨在为有志于学习大提琴的初学者，提供一套系统、详尽且充满人文关怀的入门指南。 二、大提琴的形制与历史溯源 大提琴，全名Violoncello，是提琴家族中体积仅次于低音提琴的成员。了解它，首先要认识它的“身体”。 1. 结构解构：琴身的奥秘 本书将详细剖析大提琴的各个组成部分，包括面板（Soundboard）、背板（Back）、侧板（Ribs）、音柱（Soundpost）及其对音色的决定性作用。我们将介绍F孔（f-holes）的设计原理，以及琴码（Bridge）的精细调整如何影响振动的传递效率。更重要的是，我们将深入探讨弦轴箱、琴颈的弧度，以及尾柱（Endpin）在演奏姿势中的关键支撑作用。 2. 从维奥尔到巴洛克：历史的演变 大提琴并非凭空出现，它是文艺复兴时期维奥尔提琴家族（Viols）经过漫长演变的结果。本书将追溯大提琴的“祖先”，分析其在巴洛克时期（如巴赫的无伴奏大提琴组曲）如何确立其核心地位。我们将探讨18世纪意大利制琴大师，如斯特拉迪瓦里和瓜奈里家族，如何通过对木材选择和漆面的精进，塑造出我们今天所听到的、具有时代穿透力的“古董音色”。这不是一本关于小提琴发展史的补充，而是对大提琴独立演进脉络的深度挖掘。 三、初学者完全指南：从选琴到调音 对于初学者而言，选择一把合适的乐器是迈向成功的第一步。 1. 器材选择的陷阱与策略 我们不提供任何关于小提琴尺寸或配件的参考信息。本书聚焦于如何根据演奏者的身高、臂长选择合适尺寸（1/4, 1/2, 3/4, 4/4）的大提琴。我们将区分手工制作琴（Handmade）、半手工琴（Semi-handmade）与工厂批量生产琴的优劣，并提供在预算范围内，如何辨识劣质胶合、木材处理不当的实用技巧。 2. 弓的哲学：触弦与发声 大提琴弓（Bow）的设计与小提琴弓存在显著差异，其重量、平衡点和马尾的张力，直接决定了音色的厚度与力度。我们将详细讲解如何正确地持弓——不是小提琴的握持方式，而是更偏向于手掌和手指的自然放松状态。 3. 精准调音与维护 大提琴的标准音高为C2、G2、D3、A3。本书将指导读者使用电子调音器（Tuner）进行精确调音，并讲解微调螺丝（Fine Tuners）的使用方法。同时，我们也提供日常维护知识，包括松香的使用技巧（避免过多或过少）、琴弓的存放，以及对湿度变化的警惕。 四、基础演奏技巧：深沉音色的物理学 大提琴的演奏更依赖于身体的重量和对琴体的支撑，这与小提琴的轻盈运弓截然不同。 1. 坐姿与身体连接 正确的坐姿是获得稳定音准和持久耐力的基础。我们将详细描述如何调整尾柱的高度，使琴的C弦与演奏者的左膝保持适中的距离，确保身体能自然地“拥抱”乐器，利用身体的重量而非蛮力来压弦。 2. 左手：指位与把位转换 大提琴的指板空间更为开阔，左手的伸展度和跨度要求更高。本书重点讲解初级阶段的一、二把位的音准确认，强调手指的垂直触弦方式，以及如何实现平滑、无缝的把位转换（Shifting）。我们不会涉及任何小提琴特有的指法或技巧。 3. 右臂：运弓的深度与颗粒感 大提琴的“歌唱性”主要来源于右臂的控制。运弓（Bowing）必须强调“重量感”和“速度”。我们将区分： 全弓（Whole Bow）： 保持音色均匀，用于长乐句。 分弓（Détaché）： 颗粒清晰的连奏。 顿弓（Martelé）： 强劲的起弓技巧。 我们特别强调如何控制弓的接触点（靠近指板还是靠近琴码），以产生从“柔和如耳语”到“宏大如宣言”的音色变化。 五、从五线谱到大提琴谱系 大提琴的记谱系统是其区别于其他乐器的显著特征之一。 1. 低音谱号的精通 大提琴主要使用低音谱号（Bass Clef）。本书将提供系统的低音谱号识谱练习，确保学习者能迅速、准确地阅读谱面。 2. 转换音域的挑战：中音谱号与高音谱号 随着演奏技巧的提升，大提琴的演奏会进入更高把位，这时需要转换到中音谱号（Tenor Clef）甚至高音谱号（Treble Clef）。我们将专门开设章节，详细解释这两种高位谱号的读法，并提供大量的转换练习，这是掌握大提琴中高音区，摆脱“低音提琴附属品”身份的关键。 六、大提琴曲目精选：聆听深沉之声 本书的曲目精选完全围绕大提琴独有的作品和改编曲展开，旨在培养学习者对大提琴音色特性的理解和表现力。 1. 巴洛克与古典时期的基石 我们将挑选若干适合初学者的巴赫《无伴奏大提琴组曲》（如前奏曲的简化版）片段，以及海顿大提琴协奏曲的简单乐段。这些作品要求对音色控制和乐句呼吸有基本概念，而非炫技。 2. 浪漫主义的颂歌 深入学习如何处理如圣桑的《天鹅》（Le Cygne）这类抒情作品中对连贯性和揉弦（Vibrato）的细腻要求。我们将探讨如何通过揉弦的宽度和速度来赋予旋律以生命力。 3. 现代与流行音乐中的大提琴 除了传统古典乐曲，本书还会介绍一些现代音乐中大提琴的应用案例，例如如何通过与循环播放器（Looper）的配合，实现多声部效果，探索大提琴在影视配乐中的情感张力。 七、揉弦的艺术与技巧（Vibrato） 揉弦是赋予大提琴歌唱性，使其“会说话”的关键技巧，也是最耗费时间和精力的部分。我们将摒弃一概而论的教学法，而是分别介绍： 手腕型揉弦： 适用于快速、轻盈的乐句。 手臂型揉弦： 产生更宽广、深沉的音色，常用于慢板乐章。 本书将提供从单一音符的节奏化练习，到逐渐融入长音演奏的渐进式训练方法。 八、结语：持琴者的自我对话 学习大提琴是一场漫长的修行，它要求学习者不仅是音乐的演奏者，更是乐器与身体之间深刻的沟通者。本书提供的知识体系，聚焦于大提琴独有的物理特性、演奏语汇和曲目传承。它旨在为渴望深入探索这件乐器魅力的学习者，提供一个坚实、专业且不含任何多余信息（如小提琴知识）的起点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排思路简直是为我这种零基础的“小白”量身定做的，最让我感到惊喜的是它对“慢工出细活”的深刻理解。它没有急于求成，而是花了大量的篇幅去讲解那些看似简单却至关重要的基本功。比如，关于左右手配合的那个章节，作者用了非常直观的方式，通过分解动作和慢速示范的图解，把原本抽象的协调性训练具体化了。我以前总觉得运弓是件很玄乎的事情，但这本书通过图示和文字的完美结合，让我明白了弓子的压力、速度和接触点如何共同作用于音色的产生。而且，书中对于常见错误的分析和纠正建议，那叫一个“精准打击”，每次我感觉自己某个地方拉得不对劲时，翻到对应的章节，总能找到原因所在，感觉就像是有一个经验丰富的老琴师在我耳边低语点拨。这种“防患于未然”的教学方式，极大地减少了我走弯路的时间和挫败感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧实在是让人眼前一亮，尤其是封面设计，那种古典与现代交织的韵味，光是看着就让人有种想要立刻拿起琴弓拉上几曲的冲动。我尤其欣赏它在细节上的处理，比如纸张的质感，即便是反复翻阅，也不会显得毛躁，这对于一本经常需要参考的教程来说太重要了。内页的印刷清晰度也值得称赞，五线谱和指法图的标记都非常精准，即便是初学者，对照着也能很快明白每一个音符和按弦的位置。而且，这本书的章节划分逻辑性极强，从最基础的持弓、运弓开始，循序渐进地引入到音阶和简单的旋律练习，过渡得非常自然，让人感觉学习过程是连贯且充满成就感的。这种精心设计的阅读体验，无疑为枯燥的初期练习增添了许多乐趣和动力，让我在开始学习小提琴的旅程时，没有感到那种不知所措的茫然。它不仅仅是一本教材，更像是一位细心且有耐心的私人导师，时刻在我身边给予指引。

评分☆☆☆☆☆

与市场上那些只注重技巧展示的书籍不同，这本书的视野显然更广阔。它在教授技巧的同时，也相当注重“音乐性”的培养。其中选取的练习曲目，虽然难度是递进式的，但每一首曲子本身都具有很高的艺术价值，并非为了练习而练习的“口水歌”。这让我保持了对小提琴艺术本身的热爱。当我成功拉奏完一首练习曲时，带来的不仅仅是技巧上的提升，更是一种情感上的满足。此外，书中对于不同弓法（如断弓、连弓、跳弓的初步介绍）的引入时机把握得恰到好处，既不会让初学者压力过大，又为后续进阶打下了坚实的基础。这套教材的编者显然对小提琴教学的心理学有深入研究，深谙如何在激发兴趣和保持严谨之间找到那个完美的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附带材料，也就是那张CD，简直是锦上添花，起到了画龙点睛的作用。对于我们这些自学者来说，光有谱子是远远不够的，耳朵的训练和对标准音色的模仿至关重要。CD里收录的示范演奏清晰、音准极佳，无论是慢速分解还是完整演奏，都提供了极好的听觉参考。我经常是先听几遍标准示范，然后在心里默默地跟着节奏拉奏，然后再自己尝试演奏，最后再对比，这种“听-想-做-校准”的学习闭环，效率非常高。而且，CD的录制质量非常专业，没有多余的背景噪音，能清晰地捕捉到弓弦摩擦的细微变化，这对于纠正我的运弓状态非常有帮助。可以说，这张CD将一本优秀的纸质教材，升级为了一个功能完善的综合学习工具包，极大地弥补了自学中缺乏实时指导的遗憾。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我之前也尝试过一些网络上的免费教学资源，但总觉得零散不成体系，学到一半就卡住了，缺乏一个可以随时回溯的知识体系支撑。这本教程的价值就在于它的系统性和完整性。它不仅仅停留在“怎么拉响一个音”的层面，更是深入探讨了“如何拉出一个好听的音”。比如，乐理知识的部分，它不是那种干巴巴的理论堆砌，而是巧妙地将乐理知识融入到具体的练习曲目中去讲解。当你学习到一个新的调性或者节奏型时，相关的乐理知识点会立刻出现在旁边，让你清晰地知道自己正在做什么，为什么要这样做。这种“即学即用”的设计，极大地增强了知识的粘性。我感觉自己不仅仅是在学习一门乐器，更是在系统地构建自己的音乐思维框架，这对于长远发展来说，是无价的财富。