沃尔法特小提琴练习曲60首作品45+ 小提琴音阶教程 上下册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民音乐

ISBN：9787103038475

商品编码：29561735137

出版时间：2017-02-01

商品详情商品详情

书 名	小提琴音阶教程上下册	定 价	59.00元
作 者	赵惟俭	难 度	初中
开 本	8开	属 性	小提琴教材
页 数	177页	光 盘	无
谱 号	五线谱	出版社	人民音乐出版社
数 量	2本书	出版日期

 

 

产品展示

 

细节展示

音乐的殿堂：探寻西方古典音乐的瑰宝与精进之路 一、巴赫的永恒回响：赋格与对位法的深度解析 《巴赫：赋格的艺术与对位法的精妙》 本书致力于深入剖析约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）的音乐遗产，重点聚焦于其结构严谨、逻辑缜密的赋格（Fugue）创作技巧及其在巴洛克音乐中所确立的对位法（Counterpoint）理论。 第一部分：赋格的结构与思维 我们将首先解构赋格的基本要素——主题（Subject）、应答（Answer）、间奏（Episode）以及呈示部、展开部和再现部的经典布局。通过对《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）中数部代表性赋格的逐一解析，读者将能够清晰地理解如何通过模仿、移位、增值、减值等手法来构建复杂的复调织体。 主题的心理学构建： 分析巴赫如何利用有限的音乐材料，通过节奏和旋律上的细微变化，衍生出整首乐曲的内在驱动力。这不仅仅是技术的展示，更是作曲家思维逻辑的体现。 声部间的对话与张力： 探讨四声部乃至更多声部赋格中，各声部如何既保持独立性，又在和声上紧密联系，形成一种动态的平衡。我们特别关注“假入”与“藏入”等高级技巧，它们如何巧妙地引导听众的注意力。 第二部分：对位法的实践指南 本书的第二部分转为实践导向，系统梳理了弗里茨·雷曼（Fritz Reiser）和阿尔诺特·舍恩贝格（Arnold Schoenberg）的对位法教学体系的精髓，并结合古斯塔夫·达尔贝克（Gustavus Sauser）的观点，为演奏者和作曲家提供了一套完整的练习框架。 严格对位法（Species Counterpoint）的阶梯式训练： 从第一、二、三、四、五种对位法（第一种：音对音；第二种：二对一；第三种：四对一；第四种：附点音符；第五种：混合对位法）的每一步骤进行详尽的示范与练习范例。重点在于对不协和音程的引入、解决以及调性的稳定保持。 自由对位法的拓展应用： 在掌握严格规则后，本书引导读者进入更具表现力的自由对位领域，例如在晚期浪漫主义作品如勃拉姆斯的室内乐中，对位法如何服务于和声的丰富性，而非仅仅是技巧的炫耀。 阅读材料推荐： 附录中将包含一套精选的巴洛克时期对位法练习题，旨在通过实际操作，加深对巴赫音乐语言的理解。 二、二十世纪的声响革命：现代和声与无调性探索 《二十世纪和声的解构与重建：从德彪西到序列主义》 本指南深入剖析了自印象主义晚期至序列主义盛行的二十世纪音乐语汇的剧变。它旨在帮助学习者跳出传统大小调体系的束缚，理解现代音乐家如何重塑音高组织、节奏结构和音色概念。 第一部分：印象派与新古典主义的和声色彩 我们首先回顾德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）如何通过全音音阶（Whole-tone scale）、五声音阶（Pentatonic scale）和增三和弦（Augmented triads）来营造“印象”和“色彩”，而非传统的动机发展。 和声的非功能化： 分析和弦如何从推动功能和声前进的工具，转变为独立的、具有瞬间美感的声响实体。重点讨论平行和弦的运用及其对调性模糊化的贡献。 新古典主义的回归与反叛： 探讨斯特拉文斯基（Stravinsky）和普罗科菲耶夫（Prokofiev）如何巧妙地将巴赫式的清晰结构与现代的非功能性和声相结合，创造出一种既古典又前卫的风格。 第二部分：无调性与序列音乐的逻辑 本部分是理解现代音乐核心的关键，它详细阐述了无调性（Atonality）的诞生及其在十二音体系（Twelve-tone Technique）中的系统化过程。 勋伯格的十二音体系： 详细解析阿诺德·勋伯格（Arnold Schoenberg）为解决无调性混乱而建立的音列（Tone Row）原则。包括原始列（Prime）、逆行（Retrograde）、倒影（Inversion）和逆行倒影（Retrograde Inversion）的构建与转换。我们通过具体乐谱片段，演示如何从一个单一的十二音列中衍生出完整的音乐作品。 韦伯恩的精炼与空间感： 相较于勋伯格的结构性，安东·韦伯恩（Anton Webern）更侧重于音色、力度和时值在音列中的分配。本书将探讨他的“点描式”写作手法，如何使音乐空间感达到极致。 序列主义的扩展： 介绍皮埃尔·布列兹（Pierre Boulez）等人如何将序列化的概念从音高扩展到节奏、力度和演奏法，形成全面的“总体序列主义”（Total Serialism）。 三、音乐史中的演奏哲学：从维也纳学派到现代演奏实践 《演奏的诠释学：风格、传统与个人声音的交汇》 本书超越了技术层面的讨论，着重探讨音乐作品在不同历史时期和不同演奏者手中所产生的意义变化，培养学习者批判性的聆听和演奏视角。 第一部分：历史演奏实践的语境 理解一部作品，必须回到它诞生的土壤。本书探讨了从巴洛克到浪漫主义时期，不同时代对“完美演奏”的不同定义。 巴洛克时期的“装饰与即兴”： 探讨巴赫和亨德尔时代对装饰音（Ornaments）和即兴发挥（Improvisation）的重视。我们分析了特定手稿中出现的颤音（Trill）和回音（Mordent）符号在不同地域的不同执行标准。 浪漫主义的“情感宣叙”： 研究十九世纪，随着音乐会制度的成熟，演奏家如何开始强调个人情感的投入。以李斯特（Liszt）和肖邦（Chopin）的演奏风格为例，讨论“速度自由”（Tempo Rubato）在不同流派中的运用边界。 第二部分：二十世纪的“客观性”与“主观性”的拉锯 随着录音技术的出现，演奏的“标准”开始被固化，同时也引发了对“还原作曲家本意”的争论。 “历史演奏运动”（HIP）的影响： 探讨彼得·怀姆斯（Peter Williams）等学者对早期乐器、音准和演奏技法的重新挖掘，及其对现代乐器演奏的启发。 二十世纪作品的演奏挑战： 针对现代作品，例如勋伯格或米约（Milhaud）的作品，演奏者需要在理解作曲家复杂结构的同时，避免将情感过度投射到原本意图保持中性的材料上。本书提供了一套分析现代作品中“结构性力度标记”的方法论。 结论：构建个人诠释框架 本书的最终目标是帮助学习者整合历史知识、技术能力和个人感悟，形成一套既尊重传统又富有个性的演奏哲学，使每一次演出都成为一次有深度的音乐对话。

评分☆☆☆☆☆

作为一个已经学习小提琴很多年的爱好者，我一直都在寻找那种能真正“激活”我手指潜能的曲目。很多经典练习曲我已经拉烂了，但总感觉在某些特定的指位转换上还是会犹豫不决。这套书中收录的一些练习曲，虽然乍一看像是传统曲目，但细看之下，会发现它们在节奏型或指法要求上做了非常巧妙的微调。这些微小的变化，恰恰是突破旧有思维定势的关键。它们迫使我重新思考如何更有效率地移动手腕和手指。我个人强烈推荐给那些卡在“中级”平台期的学习者。书里对速度控制和清晰度的要求非常高，让我不得不放慢速度，把每一个音都拉得像雕刻出来的一样精确。这种对细节的极致追求，最终换来的是整个演奏流畅度和自信心的巨大提升。

评分☆☆☆☆☆

我拿到这套教材时，第一个感觉是它非常“耐用”。我经常需要带着乐谱去上课，翻来覆去地使用，很多书的装订很快就松散了，或者因为纸张太薄而容易被汗水浸湿或弄脏。这套书的装帧和纸张质量明显是按照长期使用的标准来制作的，让人感觉物有所值。更重要的是，它的内容组织极具系统性。我发现很多练习并不是孤立的，而是遵循着某种音乐发展的脉络。比如，一套针对连奏的练习结束后，紧接着就会出现相关的快速音阶练习，这完美地模拟了真实演奏中对技巧的综合应用。这种编排的好处是，你不会觉得自己在做机械重复劳动，而是像在解决一个又一个连贯的音乐难题。对于自学派来说，这本书的指导性非常强，它就像一位严谨而耐心的老师，总能在你需要帮助的时候提供清晰的指引。

评分☆☆☆☆☆

从音乐教育学的角度来看，这套练习曲无疑是经典中的精品。它的编排不仅仅是技术的堆砌，更体现了对小提琴演奏发展规律的深刻理解。我发现它在处理音域跨越和高把位清晰度的问题上，采取了一种非常渐进式的方法，避免了对初学者造成不必要的心理压力。每一组练习都有明确的训练目标，并且在不同的乐段中反复出现，确保学习者能够真正将新学的技巧“内化”为肌肉记忆。我尤其欣赏它对不同弓速和力度变化的强调，这让学习者在早期就能建立起对音乐表情的敏感度，而不是仅仅成为一个“拉准音”的机器。对于指导老师而言，这本书也是一本极佳的参考资料，因为它清晰地展示了如何循序渐进地培养一位全面发展的小提琴演奏者。

评分☆☆☆☆☆

收到，以下是为您撰写的五段不同风格、不同角度的图书评价，每段评价均约300字，旨在描述读者在阅读这些书籍后可能产生的感受，且不提及您提供的原书名信息： 这本乐谱集简直是小提琴学习者的福音！我之前试过好几家出版社的练习曲，总是觉得要么难度跨度太大，一下子从入门跳到高难度，让人望而却步；要么就是曲目编排得过于单一，练了没多久就觉得枯燥乏味。但这一套书的编排方式非常人性化，它巧妙地将技术训练融入到音乐性的旋律中，让你在不知不觉中提升了技巧。特别是对于我这种需要打磨基础的阶段，那些对弓法、音准和换把位有针对性的练习，效果立竿见影。我最欣赏的一点是，它没有把枯燥的练习变成负担，而是用富有表现力的片段来引导学习者，让每一次练习都充满了探索的乐趣。翻开书页，那种纸张的质感和清晰的印刷都让人心情愉悦，可以看出出版方在细节上确实下足了功夫。如果你正在寻找一套能陪伴你稳扎稳打，逐步构建扎实技术框架的教材，这套书绝对值得你投入时间去细细品味和钻研。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我是一个对“教程”二字比较挑剔的人。很多所谓的“教程”要么就是堆砌了大量的音阶和琶音，枯燥得让人只想合上书本；要么就是理论讲解过多，实际操作指导不足，导致初学者无从下手。然而，这套教材的编写思路非常清晰且具有前瞻性。它不仅仅关注于“如何拉响一个音准的音”，更深入地探讨了“如何用好弓子来控制声音的色彩和力度”。书中的讲解逻辑非常连贯，从最基础的运弓形态到复杂的换把和双音练习，每一步的衔接都像是精心设计的阶梯，让你每爬一级都能感受到自己实实在在的进步。对于那些有一定基础，但总感觉技术瓶颈无法突破的演奏者来说，这本书提供了一种全新的视角来审视和优化自己的演奏习惯。我特别喜欢它在某些难点处给出的不同练习方案，这极大地拓宽了我的技术选择范围。