世界名曲钢琴公式化即兴伴奏 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 新世纪出版社

ISBN：9787888950979

商品编码：29564675213

丛书名： 世界名曲钢琴轻松弹

出版时间：2006-09-01

基本信息
基本信息	世界名曲钢琴公式化即兴伴奏
编著	刘智勇 著	出版社	书海出版社
出版社时间	2008年1月第1版 2015年6月第5次印刷	字数	320千字
页数	212页	开本	890*1240 1/16
ISBN	9787805508184	重量	490g
	30.00元	折扣价

目录介绍

1. 欢乐颂 2. 《天堂与地狱》舞曲 3. 香槟咏叹调 4. 小乐曲 5. 在五月 6. 月中人 7. 乐曲 8. C大调练习曲 9. 拜尔 10. C大调练习曲 11. 跳音与连音 12. 小步舞曲 13. 《天鹅湖》序曲 14. 齐步行走 15. 八音盒 16. G大调练习曲 17. 乐曲 18. 波尔卡舞曲 19. 德国舞曲 20. 音乐盒 21. 阿拉伯风格曲 22. 圆舞曲 23. 风笛舞曲 24. 摇篮曲 25. 水仙花圆舞曲 26. 小夜曲 27. 梦幻曲 28. 四小天鹅舞曲 29. G上的小轮回 30. 序曲 31. 旋律 32. 天鹅 33. 德国舞曲 34. 小夜曲 35. 婚礼进行曲 36. 拉脱维亚民间波尔卡 37. 西班牙斗牛舞 38. 阿巴涅拉舞曲 39. 小夜曲 40. 多瑙河之波 41. 《惊愕》交响曲主题 42. 加沃特舞曲 43. 幽默曲 44. 那不勒斯舞曲 45. 拉德斯基进行曲 46. 如歌的行板 47. 土耳其进行曲 48. 梦中的婚礼 49. 献绐爱丽丝 50. 《卡门》序曲 51. 蓝色多瑙河 52. 小奏鸣曲 53. 纺织之歌 54. 猎人合唱 后记

内容介绍

《世界名曲钢琴公式化即兴伴奏》的大特点是： 从选曲上看涉及不同流派、曲式、体裁、国家的名曲。不同音乐流派的有l7世纪以巴赫为代表巴罗克音乐作品，有18世纪以海顿、莫扎特、贝多芬为代表的古典乐派的音乐作品，有19世纪以舒伯特、舒曼、肖邦、柴可夫斯基、约翰·斯特劳斯、德沃夏克等为代表的浪漫乐派的音乐作品，另外还选取了若干首《拜尔》、《车尔尼》、《汤普森》中十分动听的练曲等。不同体裁有进行曲、小夜曲、舞曲、歌剧、舞剧、序曲、奏鸣曲、摇篮曲等。这些丰富多彩、风格各异、体裁广泛的乐曲均可扩展我们的音乐视野，丰富我们的乐理常识，感悟音乐艺术的真谛。 从记谱法上看，《世界名曲钢琴公式化即兴伴奏》采用了五线谱和简谱两种记谱法，打破了目前市场上大多为五线谱一种记谱法的尴尬局面。大大适应了广大钢琴爱好者的各自所需。其实这两种记谱法各有优劣，从专业的角度而言，五线谱更为科学、严谨，但移调却不方便。而移调正是简谱的优势，只要把调名一改即可。而简谱大弊端是高低音不准确，无高低直观感。对于我国目前的国情而言，简谱是占绝大多数的，因此笔者认为的解决办法是能掌握这两种记谱法，这样便可在乐海里游刃有余纵横驰聘。 从公式化伴奏而言，有主属音伴奏、半分解和弦伴奏、全分解和弦伴奏、柱式和弦伴奏、琶音伴奏等，既丰富又简易，让每个钢琴人都能在极短的时间内十指生花，弹奏自如。 从难度上看，笔者始终遵循着由浅入深循序渐进的原则来编写，少至8小节，多至150小节不等。其程度为初级至中级。另外，为方便读者，笔者将外文术语，用中文翻译过来。 《世界名曲钢琴公式化即兴伴奏》一书，适合于广大初、中级钢琴爱好者；适合于急于掌握钢琴即兴伴奏的人使用；适合于广大中、小学、幼儿园老师等参考用。总之是一部普及性的钢琴书。愿她能为您的工作带来帮助，为您的生活带来色彩。

内容插图

《和声的结构与实践：基于巴赫、莫扎特与肖邦的探索》 引言：通往音乐理解的钥匙 本书旨在为对古典音乐和声学有深入探究兴趣的读者，提供一套系统、深入且极具实践指导性的学习路径。我们不再停留在简单的和弦名称记忆，而是深入剖析自巴洛克时期至浪漫主义巅峰时期，伟大作曲家们如何构建其音乐语言的核心——和声。本书将聚焦于和声的内在逻辑、功能性以及在不同历史语境下的创新与发展，为演奏者、作曲家及音乐理论研究者提供坚实的理论基石与丰富的实例分析。 第一部分：古典和声的基石——巴赫与功能的重建 本部分着重于对西方音乐体系奠基性人物——约翰·塞巴斯蒂安·巴赫——的艺术遗产进行和声学的深度解构。我们不满足于仅分析他的赋格或众赞歌，而是将其视为一套严谨的“和声语法”的活化石。 第一章：调性体系的内在驱动力 详细探讨大小调音阶的构建原理，并引入“功能和声”的概念，区分主、属、下属三大家族的功能张力。我们将深入分析导音与七音在创造解决感和推进力中的关键作用。不同于一般的教材，本书将引用大量巴赫清唱剧和平均律中的案例，展示如何通过对位手段强化和声的逻辑链条。 第二章：四部和声的精细雕琢 本章将细致剖析古典时期四部和声的写作规范，重点讨论声部进行中出现的问题（如平行五八度、不协和音的解决规则）及其历史演变。特别关注巴赫如何巧妙地在严格的对位约束下，实现丰富的情感表达。我们将引入“和声色彩”的概念，探讨不同转位和七和弦的运用如何塑造特定的情绪氛围。 第三章：从协奏曲到平均律：结构中的和声布局 分析巴赫作品中宏大的结构是如何由和声序列驱动的。通过对《平均律键盘曲集》中不同调性的前奏曲与赋格的对比研究，揭示巴赫在统一调性内部构建对比与统一的技巧。重点剖析他如何使用序列、模写和转调技巧来扩展音乐的地理范围。 第二部分：古典主义的清晰与平衡——莫扎特与形式的完美结合 进入古典主义时期，和声的功能性更加明确，并与清晰的曲式结构紧密结合。沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特的音乐成为分析的焦点，他将巴赫的严谨与自身天赋的优雅完美融合。 第四章：奏鸣曲式中的和声地图绘制 奏鸣曲式是古典主义音乐的骨架，而和声的进行则是驱动其骨架运转的引擎。本章将详细分析呈示部、展开部和再现部的标准和声结构。重点研究莫扎特如何在呈示部中建立调性对比（主调与属调/关系小调），以及在展开部中进行的戏剧性、快速的调性游移。 第五章：增六和弦家族的初次亮相 虽然增六和弦在浪漫主义时期大放异彩，但其萌芽已在莫扎特的晚期作品中显现。本章将梳理意大利式、法国式和德国式增六和弦的结构特点，分析它们在古典语境下如何作为强烈的“半音化”工具，为接下来的属七和弦做准备，增强解决前的紧张感。 第六章：歌剧中的情绪与和声：意大利语的韵律 通过对《费加罗的婚礼》、《唐璜》等歌剧的咏叹调和宣叙调分析，探讨音乐如何服务于戏剧。莫扎特如何利用特定的和声进行（如频繁使用第二转位和弦营造轻盈感，或使用减七和弦营造悬念），来精确捕捉角色内心的微妙波动。 第三部分：浪漫主义的和声扩张——肖邦与个性的解放 弗雷德里克·肖邦的钢琴作品是浪漫主义时期和声语言深刻变革的缩影。他的和声语言既继承了古典的严谨，又极大地拓展了色彩和情感的维度。 第七章：色彩与半音化：肖邦的“和声修辞学” 本章是本书的重点之一，深入探讨肖邦如何系统性地使用半音化和弦来增加音乐的饱和度。我们将精细分析： 丰富的借用和弦（Modal Mixture）： 探讨肖邦如何从关系小调借用和弦，为作品带来忧郁或沉思的色彩。 装饰性不协和音的常态化： 分析经过八度、经过九音等如何在肖邦手中从“错误”演变为重要的表现手法。 复杂化的高级七和弦： 重点研究九和弦、十一和弦以及十三和弦在夜曲和叙事曲中的应用。 第八章：减七和弦的“多重身份”及其功能模糊化 减七和弦是浪漫主义和声的万能钥匙。本章将系统梳理减七和弦在功能上的模糊性——它可以指向四个不同的主音。我们将分析肖邦如何利用这种多义性，在不明确预告的情况下，实现平滑或突兀的转调，从而打破古典时期清晰的调性边界。 第九章：拓展的模态和声与即兴的痕迹 尽管肖邦生活在调性音乐的鼎盛时期，他的作品中已开始出现对古代教会调式（如多利亚、弗里吉亚）的微妙回溯。本章探讨这些模态元素如何与标准的调性和声交织，为听者带来一种既熟悉又新奇的听感。同时，分析他如何在看似即兴的琶音和装饰音型中，隐藏着高度结构化的和声骨架。 结论：从分析到创造的桥梁 全书的最后，我们将总结巴赫的“结构严谨性”、莫扎特的“功能清晰性”和肖邦的“色彩丰富性”之间的传承与演变关系。本书最终目的不是让读者被历史所束缚，而是通过理解这些大师如何使用和声的“词汇”，掌握构建个人音乐语言的必要工具。这些分析方法不仅适用于对既有作品的深入鉴赏，也为当代音乐创作提供了深厚的理论滋养。本书提供的是一套经过历史检验的、关于音乐逻辑的“构造蓝图”。

评分☆☆☆☆☆

这部作品集给我的感觉是，它更像是一本音乐“内功心法”的秘籍，而非简单的招式手册。它的叙述风格成熟且富有启发性，没有过多的口水话，直奔核心的音乐结构而去。我最欣赏其对“空间感”的营造技巧的讲解，即如何通过控制和弦的密集度、使用踏板的开放程度，在听觉上创造出宏大或私密的不同空间感。例如，在处理一些宏伟的交响乐改编时，它详细阐述了如何通过增加八度划分和使用延音踏板的“呼吸点”来模拟乐队的层次。这种对听觉效果的精准控制，是我以往学习中缺失的一环。阅读过程中，我不断停下来，不是因为看不懂，而是因为需要时间去细细品味作者如何用最精炼的语言，描述出最复杂的音乐现象。这本书已经成为了我工具箱里最锋利的一把瑞士军刀，它让我的即兴伴奏从“能弹响”升级到了“能打动人”。

评分☆☆☆☆☆

这部钢琴教程的引入方式简直是为我量身定做，它没有那些让人望而生畏的艰深理论，而是直接切入了核心——如何将那些耳熟能详的世界名曲，通过一套看似“公式化”的框架进行拆解和重构。我一直苦恼于即兴伴奏总是停留在简单的和弦进行上，缺乏层次感和变化。这本书的精妙之处在于，它不是简单地告诉你“C和弦后接G和弦”，而是深入到特定曲目的和声色彩分析中，提炼出支撑其情绪波动的骨架。比如，书中对某一首经典浪漫主义作品的处理，它用一种非常直观的方式展示了主导功能和副属和弦如何巧妙地制造出“流动感”，这种感觉比死记硬背乐理规则要来得实在得多。作者的讲解语言充满激情，仿佛是一位经验丰富的导师在手把手教你如何“偷师”大师们的技法。我特别喜欢其中关于“织体扩展”的部分，它告诉我如何在不破坏原作意境的前提下，通过增加低音的行走和高音声部的装饰，瞬间提升伴奏的丰满度，让简单的旋律焕发出全新的生命力。这对于我这种渴望快速将所学应用到实践中的学习者来说，简直是及时雨，它搭建的桥梁足够坚固，让我敢于踏出探索复杂即兴的第一步。

评分☆☆☆☆☆

作为一名已经学习钢琴多年、却总在即兴伴奏瓶颈期徘徊的进阶学习者，这本书为我打开了一扇全新的窗户。以往的教程往往聚焦于“如何弹奏”，而这本书的核心价值在于“如何思考”。它引导我跳出“弹奏者”的身份，进入“架构师”的角色。书中对不同时期曲目中“节奏驱动力”的解析尤其深刻，例如，它如何用特定的附点节奏型来构建出探戈的张力，或者如何用切分音来解构古典奏鸣曲的主题。这不仅仅是伴奏技巧的传授，更是一次对世界音乐史中和声与节奏语言的精妙梳理。我发现，当我理解了这些底层逻辑后，即便面对一首从未见过的曲目，我也有信心去构建一套合理且富有表现力的伴奏框架。它教会我的不是具体怎么弹某首歌，而是掌握了一套可以应对“所有歌”的底层思维模式，这种思维方式的提升，价值远超书本本身的售价。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚拿到这本书的时候，对其标题中“公式化”三个字持保留态度，总觉得即兴演奏的精髓在于灵活性和情感的自由表达，硬套公式岂不是扼杀了创造力？然而，深入阅读后，我的看法彻底转变了。这里的“公式”并非僵硬的教条，而更像是一种高度提炼后的“范式模板”，它帮助我们理解伟大作曲家们是如何在有限的音符中构建出无限的情感张力的。书中对不同风格乐曲（从巴洛克的严谨到爵士的随性过渡）的分析，展示了这些“公式”是如何根据时代背景和情感需求进行灵活调整的。最让我惊喜的是，它提供了一套非常实用的“即兴调味包”，告诉你什么时候该加入一个经过音，什么时候该使用转位和弦来增加色彩的微妙变化。我尝试着用它提供的结构去处理几首平时觉得很难下手的室内乐片段，结果发现，原本杂乱无章的想法一下子有了清晰的路径可以遵循，就好像拥有了一张藏宝图，知道该往哪个方向走，而不是在原地打转。这种由结构引导出的自由，远比盲目的尝试更高效、更有深度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和示例曲目的选择，体现了编著者极高的专业素养和对学习者体验的关怀。插图清晰，五线谱和简谱对照清晰可见，尤其是那些关于“声部进行”的细节图示，标注得非常精准。它不是那种堆砌知识点的教科书，而是真正注重“可操作性”。我尤其欣赏它将一些抽象的音乐概念，比如“功能张力”或“色彩对比”，具象化为具体的指法和触键建议。比如，书中提到在处理某些慢板乐章时，建议使用更深的触键深度和更均匀的踏板控制，这些细微的演奏提示，是书本理论无法替代的宝贵经验。我已经把这本书当成了我的“日常练习伴侣”，每攻克一个“公式”，我都会立刻找一首相关的名曲进行实践，这种即时反馈的成就感极大地增强了我继续深入学习的动力。它成功地将枯燥的理论转化成了一套充满趣味的“音乐解谜游戏”。