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刘巍巍张舒然吕岩... 编

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出版社： 西安交大

ISBN：9787569300277

商品编码：29661939093

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：钢琴音乐教育新评说
• 作者：刘巍巍//张舒然//吕岩
• 定价：50
• 出版社：西安交大
• ISBN号：9787569300277

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：206
• 字数：231千字

内容提要

钢琴音乐教育在我国音乐教育中占据着重要的地 位，无论是专业钢琴教育还是业余钢琴教育，无论是 启蒙教育还是进修提升钢琴教育，在**都占有大量 的市场。刘巍巍、张舒然、吕岩著的《钢琴音乐教育 新评说》从新的角度出发，系统、深入地探讨钢琴音 乐教育，其内容涉及钢琴音乐教育的几个重要层次， 钢琴音乐教育的分寸感，钢琴音乐教育的实践以及钢 琴音乐教育的文化内涵等。
    

目录

第一章 钢琴音乐及其教育中的分寸感
第一节 钢琴音乐的艺术
第二节 钢琴音乐教育中的分寸感之哲学思考
第三节 钢琴音乐教育中的分寸感之美学依据
第二章 钢琴音乐教育的层面分析
第一节 钢琴音乐教育中对钢琴学习的叩问
第二节 钢琴音乐的初始积累
第三节 钢琴音乐教育中的技术与音乐论辩
第四节 钢琴音乐教育中对创造力的呵护
第五节 钢琴音乐教育中的综合学习
第六节 大学钢琴教学分析与诠释
第三章 钢琴音乐教育的内容与实践
第一节 钢琴的声音
第二节 钢琴演奏技巧研究
第三节 运音法与乐句划分表现
第四节 时值点滴
第五节 钢琴踏板的应用
第四章 钢琴音乐教育中对表演艺术的探索
第一节 钢琴作曲家密码破译
第二节 纵观全局与把握风格
第三节 钢琴演奏的心理号隋感探究
第五章 钢琴音乐教育中的文化内涵
第一节 钢琴音乐作品的人文内涵
第二节 中国钢琴作品的人文意象与中国钢琴梦
参考文献

好的，这是一本名为《西方古典音乐史论》的图书简介： --- 《西方古典音乐史论》：穿越时空的音乐之旅 本书特色： 宏大叙事与微观洞察的完美结合： 不仅仅是简单的年代罗列，而是深入剖析了西方音乐自中世纪萌芽至20世纪末发展的内在逻辑、社会文化背景及其对后世的影响。 跨学科视角： 将音乐史置于更广阔的哲学、宗教、政治、技术发展的框架下进行考察，揭示音乐如何成为时代精神的晴雨表。 精选乐例与深度解析： 选取了数百个关键的作曲家、作品和音乐事件进行详尽的分析，帮助读者理解“听懂”古典音乐的钥匙。 --- 内容提要 《西方古典音乐史论》是一部全面而深刻的学术著作，旨在为音乐爱好者、专业学生以及对西方文明史感兴趣的读者提供一套清晰、连贯且富有启发性的音乐发展脉络。本书超越了传统的传记式叙述，着重探讨了西方音乐体系是如何在历史的洪流中，通过不断的理论创新、技术革新和审美范式的转换，最终确立其在世界艺术殿堂中的核心地位。 第一编：奠基时代——中世纪与文艺复兴的虔诚与人文 本篇追溯了西方音乐的起源，从早期基督教的单音圣咏（Gregorian Chant）开始，探讨了礼拜仪式如何塑造了早期的音乐形式和记谱法。我们细致分析了奥尔加农（Organum）的出现标志着多声部音乐的艰难起步，以及“新艺术”（Ars Nova）时期，如马肖（Machaut）的作品中，世俗情感如何开始渗透到严谨的宗教结构之中。 进入文艺复兴时期，本书重点聚焦于“人”的觉醒对音乐表达的解放。从弗兰科尼亚（Franco of Cologne）的节奏记谱到奥兰多·迪·拉索（Orlando di Lasso）和帕莱斯特里纳（Palestrina）的复调精致化，我们考察了“模仿对位”（Imitative Counterpoint）如何达到其美学顶峰。同时，书籍详细阐述了音乐印刷术的发明如何彻底改变了音乐的传播范围，并介绍了早期“音乐戏剧”的萌芽，为巴洛克歌剧的爆发埋下伏笔。 第二编：巴洛克与古典主义——秩序、激情与普世价值的构建 巴洛克时期（约1600-1750年），是西方音乐史上结构性创新最为显著的阶段。本书花费大量篇幅分析了数字低音（Basso Continuo）技术如何成为音乐的“骨架”，以及对位法在巴赫（J.S. Bach）手中达到的炉火纯青的地步。我们不仅深入解读了《平均律键盘曲集》的结构哲学，还探讨了亨德尔（Handel）的清唱剧如何体现出新教伦理与戏剧张力的完美结合。 随后，叙事转向了歌剧这一全新艺术形式的诞生与成熟。从蒙特威尔第（Monteverdi）的早期探索到维瓦尔第（Vivaldi）协奏曲的活力，清晰地勾勒出音乐如何从为贵族服务的附属品，逐渐演变为一种独立的、具有高度情感感染力的媒介。 古典主义时期（约1750-1820年），是“清晰、平衡与自然”美学理念的胜利。本书详细阐述了奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑，它如何成为构建宏大器乐作品的蓝图。海顿（Haydn）作为“交响曲之父”的贡献，以及莫扎特（Mozart）在旋律与和声的透明度上所达到的无可企及的高度，都被置于启蒙运动的理性光芒下进行考察。 第三编：浪漫主义的勃发——个体情感的无限延伸 浪漫主义（19世纪）是音乐史上“自我表达”的狂欢。本书认为，贝多芬（Beethoven）作为连接古典与浪漫的桥梁，其作品中对英雄主义、反抗精神和命运抗争的描绘，标志着作曲家个人意志的空前突出。 此后的论述聚焦于浪漫主义思潮如何渗透到各个音乐体裁： 1. 艺术歌曲（Lied）的兴盛： 舒伯特、舒曼等如何通过钢琴伴奏将诗歌的意境推向极致。 2. 管弦乐队的扩张： 柏辽兹（Berlioz）、瓦格纳（Wagner）等人如何通过扩大编制、使用“主导动机”（Leitmotif）和追求“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk），挑战既有的音乐形式和听众的审美习惯。 3. 民族主义的兴起： 探讨了捷克、俄罗斯、北欧等地的作曲家（如德沃夏克、穆索尔斯基）如何从民间音乐中汲取灵感，构建具有地域文化特征的音乐身份。 第四编：20世纪的断裂与重塑——现代性的冲击与探索 进入20世纪，工业革命、两次世界大战以及弗洛伊德心理学等思潮对西方社会产生了颠覆性的影响，音乐也随之迎来了前所未有的剧变与分裂。 本书系统梳理了现代音乐的主要流派： 印象主义与表现主义： 德彪西（Debussy）对音色和氛围的捕捉，与勋伯格（Schoenberg）对传统调性的彻底放弃，开启了对“无调性”和“十二音体系”的探索。 新古典主义与原始主义： 斯特拉文斯基（Stravinsky）在《春之祭》中所展示的节奏暴力和对早期音乐形式的借鉴与解构。 实验音乐的边界拓展： 从序列主义（Serialism）到偶然音乐（Aleatoric Music），如约翰·凯奇（John Cage）的作品，探讨了音乐本体论的终极问题——“什么是音乐？” 通过对这些复杂思潮的梳理，本书力求揭示，20世纪的音乐不是对过去的简单否定，而是对自身根基进行最深刻、最痛苦的反思与重构。 结语：传统与未来的对话 《西方古典音乐史论》的最终目标是引导读者理解，每一部被奉为经典的音乐作品，都是其时代精神、技术条件和个人天才碰撞出的火花。本书不仅梳理了“发生了什么”，更试图解释“为什么会发生”，为读者建立起一个动态的、富有生命力的音乐世界图景，从而更深入地欣赏和研究西方古典音乐的深邃魅力。 --- 目标读者： 音乐学院本科生及研究生、古典音乐发烧友、艺术史研究者、人文社科领域对西方文化史有兴趣的读者。

评分☆☆☆☆☆

我是一个在职场摸爬滚打多年的中年人，工作之余唯一的慰藉就是偶尔弹奏几首肖邦的夜曲，但总感觉自己的演奏缺乏一种“灵性”，总是在技巧和表达之间找不到平衡点。这本书的出现，恰如其分地解答了我长久以来的困惑。它没有堆砌晦涩难懂的术语，而是用一种非常现代、贴近生活的语言，阐释了古典音乐的“内核价值”。特别是其中关于“情感的具象化”的章节，作者通过对巴赫赋调的结构分析，巧妙地论证了逻辑严密的结构是如何支撑起宏大情感叙事的。这对我触动很大，它让我明白，技术层面的精准是基础，但更高层次的表达，源于对音乐内在逻辑的深刻把握。书中关于“练习效率的革命”那一节，更是干货满满，它不再鼓吹那种“砸时间”的蛮力训练，而是强调心流（Flow）状态在艺术学习中的决定性作用，并给出了一系列可操作的冥想和专注力训练方法。这对于时间碎片化的现代人来说，简直是福音。我尝试了书中的一些调整练习节奏的建议，效果立竿见影，感觉手指和大脑的配合度都提高了不止一个档次。这本书，绝对是介于学术研究和个人成长指导之间的一本杰作。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书时，我原本以为会看到一些关于如何提高演奏技巧的小窍门，毕竟市面上这类书籍已经够多了。没想到，它真正探讨的是一种“教育哲学”层面的回归与重塑。这本书的结构布局非常巧妙，它从宏大的历史叙事切入，逐渐聚焦到个体学习者的心智模型构建上，逻辑递进感极强，读起来完全没有跳跃感。最让我感到震撼的是，它对“技术至上论”的深刻反思。作者尖锐地指出，在追求绝对精准的指法和速度的时代背景下，我们正在丢失音乐中最宝贵的东西——个体声音的独特性和脆弱感。书中引用了许多早期钢琴大师的教学手札，对比现代录音技术带来的“完美陷阱”，发人深省。它告诉我们，一个“完美”的演奏可能在技术上无可挑剔，但在精神层面却是苍白无力的。这本书更像是一剂清醒剂，提醒每一个身处“内卷”学习环境中的琴童家长和学习者：教育的终极目的，是培养一个完整的人，而不是一个精密的乐器操作员。我立刻推荐给了我孩子目前的钢琴老师，希望她也能从中获得一些新的启发。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧本身就透露出一种沉静而高雅的气质，与书中探讨的内容完美契合。我尤其欣赏它在论述复杂概念时所展现出的清晰度和克制感。举例来说，关于如何处理力度变化与触键质量的关系，作者没有使用含糊的形容词，而是结合了物理学原理和触觉反馈的神经科学视角进行解释，这使得抽象的音乐感觉变得可量化、可理解。这种跨学科的论证方式，极大地增强了说服力。另外，书中对于“聆听传统”与“创新实践”之间张力的处理，也处理得非常到位。它既肯定了向经典学习的必要性，同时也大胆地为未来的音乐教育指明了方向，即如何在新媒体和人工智能时代下，保持人类艺术独有的温度与生命力。读完整本书，我感觉自己对“钢琴教育”这个概念的认知被彻底拓宽了，它不再仅仅局限于琴房内的方寸之地，而是与文化传承、心理学乃至未来科技发展紧密相连。这不仅仅是一本教育读物，它更像是一部关于如何重塑我们与艺术之间关系的宣言书，充满了智慧和对未来的期许。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是打开了我对古典音乐理解的一扇新窗户，虽然我并不是专业学钢琴的，但对音乐的热爱一直驱使我寻找更深层次的解读。作者的笔触细腻而富有洞察力，尤其是在探讨西方音乐史与本土文化交融的部分，那种娓娓道来的叙述方式，让人感觉像是在听一位经验丰富的老教授娓娓道来，而非枯燥的理论灌输。我特别欣赏其中对于德彪西和拉威尔作品中“印象主义”美学的剖析，它不再仅仅停留在和声色彩的变化上，而是深入挖掘了作曲家如何通过音乐捕捉瞬间的光影和情绪的流动，这种将音乐感知提升到哲学层面的讨论，对我这位业余爱好者来说，是极大的启发。它让我意识到，聆听不仅仅是用耳朵接收声音，更是一种需要用心灵去感知的过程，书中对“听觉的再教育”的呼吁，可以说是振聋发聩。更让我感到惊喜的是，它并没有回避一些传统教学中的弊端，而是用一种批判性的眼光去审视那些被奉为圭臬的练习方法，引导读者思考，真正的音乐素养究竟应该如何培养，而不是仅仅成为一台精密的演奏机器。读完后，我甚至重新审视了自己过去听过的许多经典录音，带着一种全新的视角去体会其中的细微差别，收获远超我的预期。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我对近年来泛滥的音乐类读物大多持保留态度，它们往往不是流于表面的“励志口号”，就是过度学术化的“象牙塔”理论，难以触及真正的核心。然而，这本著作却成功地在两者之间找到了一个微妙而精准的平衡点。它在讨论教学法时，展现出了惊人的严谨性，例如对二十世纪中期欧洲音乐学院教学体系的溯源和反思，让我清晰地看到了传统“德奥”体系在面对多元化时代时所暴露出的局限性。但令人称道的是，作者并未止步于批判，而是积极地搭建了一座通往未来的桥梁。书中对“跨文化音乐语汇整合”的探讨尤其具有前瞻性，它不再将钢琴音乐教育视为一个封闭的系统，而是鼓励学习者从非西方音乐体系中汲取养分，丰富自身的表现力。我尤其对其中关于“听觉想象力”训练的描述印象深刻，它强调了在不触碰键盘的情况下，如何在脑海中构建出完整的、具有立体声效果的音乐画面。这种高阶的思维训练，极大地提升了我对复杂曲目结构的处理能力，它让我意识到，真正的教育，是教会你如何思考，而不是简单地告诉你答案。