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刘巍巍张舒然吕岩... 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 西安交大

ISBN：9787569300277

商品编码：29661994544

开本：16

出版时间：2018-01-01

基本信息

• 商品名称：钢琴音乐教育新评说
• 作者：刘巍巍//张舒然//吕岩
• 定价：50
• 出版社：西安交大
• ISBN号：9787569300277

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-01-01
• 印刷时间：2018-01-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：206
• 字数：231千字

内容提要

钢琴音乐教育在我国音乐教育中占据着重要的地 位，无论是专业钢琴教育还是业余钢琴教育，无论是 启蒙教育还是进修提升钢琴教育，在**都占有大量 的市场。刘巍巍、张舒然、吕岩著的《钢琴音乐教育 新评说》从新的角度出发，系统、深入地探讨钢琴音 乐教育，其内容涉及钢琴音乐教育的几个重要层次， 钢琴音乐教育的分寸感，钢琴音乐教育的实践以及钢 琴音乐教育的文化内涵等。
    

目录

第一章 钢琴音乐及其教育中的分寸感
第一节 钢琴音乐的艺术
第二节 钢琴音乐教育中的分寸感之哲学思考
第三节 钢琴音乐教育中的分寸感之美学依据
第二章 钢琴音乐教育的层面分析
第一节 钢琴音乐教育中对钢琴学习的叩问
第二节 钢琴音乐的初始积累
第三节 钢琴音乐教育中的技术与音乐论辩
第四节 钢琴音乐教育中对创造力的呵护
第五节 钢琴音乐教育中的综合学习
第六节 大学钢琴教学分析与诠释
第三章 钢琴音乐教育的内容与实践
第一节 钢琴的声音
第二节 钢琴演奏技巧研究
第三节 运音法与乐句划分表现
第四节 时值点滴
第五节 钢琴踏板的应用
第四章 钢琴音乐教育中对表演艺术的探索
第一节 钢琴作曲家密码破译
第二节 纵观全局与把握风格
第三节 钢琴演奏的心理号隋感探究
第五章 钢琴音乐教育中的文化内涵
第一节 钢琴音乐作品的人文内涵
第二节 中国钢琴作品的人文意象与中国钢琴梦
参考文献

探寻音乐教育的古老智慧与未来之路：一部关于西方古典音乐史的深度透视 本书并非聚焦于当下流行的钢琴音乐教育方法论的革新与批判，而是一部雄心勃勃的、跨越数个世纪的西方古典音乐史的深度考察。我们旨在通过梳理从巴洛克时期到二十世纪中叶的音乐发展脉络，为读者构建一个宏大而精密的音乐文明图景，从而间接映照出任何特定教育理念所根植的文化土壤与艺术源流。 第一部分：理性与激情交织的巴洛克回响（约1600-1750年） 本卷将细致剖析巴洛克时代音乐的结构性特征与核心精神。我们将从蒙特威尔第的歌剧革命开始，探讨数字低音（Basso Continuo）这一骨架如何支撑起宏伟的复调织体。重点章节将聚焦于两位巨匠：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫与格奥尔格·弗里德里希·亨德尔。 对于巴赫，我们不侧重于其键盘练习曲的教学法，而是深入探究其赋格曲（Fugue）的逻辑严密性与对位法的巅峰成就。通过对《平均律键盘曲集》的文本分析，我们将解读其如何系统化地探索了所有调性，这不仅是技巧的展现，更是对宇宙秩序与神学思想的音乐化表达。我们探讨了巴赫在不同体裁——清唱剧、协奏曲、组曲——中的手法运用，揭示其音乐的内在统一性与复杂性。 亨德尔的部分，我们将转移焦点至其清唱剧的戏剧张力与公众接受度。特别是对《弥赛亚》的分析，着重于其如何巧妙地融合了意大利歌剧的抒情性与英国清唱剧的叙事力量，及其在公共音乐生活中的重要地位。此外，本书还将覆盖维瓦尔第的协奏曲结构，以及早期交响曲雏形的出现，展示这一时期音乐语言的奠基工作。 第二部分：古典主义的秩序与人性的光辉（约1750-1820年） 古典主义时期是音乐从服务于教会和宫廷转向追求普世审美与形式完美的时代。本部分将重点阐释“奏鸣曲式”（Sonata Form）这一核心框架的成熟与规范化。 我们详细考察了海顿被誉为“交响乐之父”的地位，分析他如何通过对乐队编制的精炼和乐章结构的标准化，确立了古典交响乐的基本范式。对他的弦乐四重奏的探讨，则揭示了室内乐如何成为真正意义上的“音乐对话”，强调了不同声部间平衡的艺术。 莫扎特的章节将深入其歌剧创作的心理深度。我们摒弃对指法技巧的讨论，转而分析《费加罗的婚礼》和《唐璜》中，莫扎特如何通过音乐语言的细微变化，刻画出复杂多变的人性——从贵族的虚伪到平民的智慧。其钢琴协奏曲中，独奏乐器与乐队的交织不再是简单的炫技，而是成熟的对话与情感的交融。 最后，我们将贝多芬视为古典主义的终结者和浪漫主义的先驱。本卷对贝多芬的分析将集中于其后期作品中对既有形式的突破与情感表达的极致追求，例如第九交响曲对“人类大同”主题的咏叹，以及晚期弦乐四重奏中超越时代观念的内省深度。 第三部分：浪漫主义的激情、民族与个体史诗（约1820-1900年） 进入浪漫主义时代，音乐的主题从“秩序”转向“情感”与“想象力”。本书将这一时期的发展划分为三个主要趋势进行讨论。 A. 抒情独白与艺术歌曲的兴盛： 舒伯特与舒曼的艺术歌曲（Lied）是这一趋势的代表。我们关注的是诗歌与音乐的完美结合，歌曲是如何成为个体心灵独白的载体，以及钢琴伴奏如何从单纯的支撑变成叙事和烘托情绪的重要角色。 B. 民族主义的觉醒： 探讨了德沃夏克、斯美塔那、肖邦等作曲家如何从民间音乐、民族传说和本土文化中汲取灵感，构建具有鲜明地域特色的音乐语言。肖邦的波兰舞曲与玛祖卡，展示了如何将爱国情怀融入高度精致的键盘音乐形式之中。 C. 音乐叙事与大型作品的扩张： 瓦格纳的“乐剧”概念是对传统歌剧的颠覆，我们将分析其主导动机（Leitmotif）系统如何构建起复杂的音乐戏剧结构。李斯特的交响诗，则标志着器乐完全摆脱了传统体裁的束缚，直接描绘文学或绘画作品的叙事内容。这一时期的交响诗和大型管弦乐作品，体现了对宏大叙事和无限情感的追求。 第四部分：二十世纪初的变革与多元探索（约1900-1950年） 本部分聚焦于两次世界大战前后的音乐语汇的彻底重塑。 德彪西和拉威尔代表的印象主义，我们分析其如何运用色彩和模糊的音响效果，捕捉光影和氛围，是对传统和声逻辑的一次温柔的挑战。而以勋伯格为核心的第二维也纳乐派，则是对这一变革的激进回应。本书详细介绍了无调性（Atonality）的诞生，以及十二音体系（Twelve-Tone Technique）作为一种新的组织原则，如何试图在摒弃传统调性后重建音乐的内在逻辑。 同时，我们也考察了斯特拉文斯基的“原始主义”及其对节奏的革命性处理（如《春之祭》），以及巴托克的民族音乐学探索，即如何将民间音乐的原始动力与学院派的严谨结构相结合，为后世音乐家提供了新的创作方向。 结论：古典传统的永恒遗产 全书的收尾，并非对这些历史阶段的简单总结，而是试图提炼出西方古典音乐在近四百年间所确立的核心美学原则：对形式的尊重、对和声逻辑的深化、对人类情感的深刻描摹，以及对“绝对音乐”与“程序音乐”的持续辩证。这些历史性的成就，共同构筑了我们理解音乐艺术的基石，它们是任何当代音乐教育方法都无法绕开的源头活水。通过对这些历史文本的细致解读，读者将获得一个深厚的、多维度的音乐文化视野，远超单一乐器教学领域的范畴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙，章节之间的过渡自然流畅，如同乐曲的段落发展。我特别欣赏作者对于“跨学科融合”的探讨，他将心理学、神经科学乃至美学理论引入到钢琴教学的范畴内，极大地拓宽了我们对音乐学习的理解深度。比如，关于如何通过非音乐性的训练来提升学生的专注力和记忆力，书里给出的建议细致入微，可操作性极强。我尝试了书中介绍的一种“视觉化想象”练习法，结果发现学生对复杂乐句的理解速度明显加快了。这本书的语言风格充满了激情与真诚，字里行间都能感受到作者对音乐教育事业的深沉热爱和责任感。它没有空谈理想，而是立足于现实的土壤，去培育真正的音乐人才。对于那些渴望在钢琴教育领域有所突破，不甘于平庸的实践者来说，这本书简直是不可多得的指南针。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得非常吸引人，那种深邃的蓝色调，配上优雅的五线谱线条，让人一眼就能感受到它与音乐的深厚联结。我原本对音乐教育抱有一些陈旧的看法，总觉得无非是枯燥的练习和机械的模仿，但这本书彻底颠覆了我的认知。它更像是一次与大师面对面的对话，作者以一种非常平易近人的方式，剖析了现代钢琴教育体系中的种种弊端和创新的可能。我特别喜欢它探讨的“情感融入”部分，作者深入分析了如何引导学生超越技巧的束缚，真正去感受和表达音乐的灵魂，而不是成为一台精准的演奏机器。书中引用的许多生动的案例，无论是对古典时期大师作品的解读，还是对当代作曲家作品的处理，都极具启发性。读完后，我感觉自己对“如何教”和“如何学”都有了全新的认识，它提供了一套系统化的、富有哲理的思考框架，让人忍不住想要立刻付诸实践。这本书无疑是送给所有致力于提升音乐素养的老师和学习者的一份宝贵礼物。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，简直是一场思维的冒险，它不像我以往读过的任何一本教育类书籍那样刻板教条。作者的文笔极其老辣且富有洞察力，他没有回避当前教育体系中那些令人头疼的现实问题，比如应试压力下对创造力的扼杀，以及技术至上主义带来的弊端。更有趣的是，书中穿插了大量关于钢琴演奏史的精彩论述，将教育理念置于宏大的历史背景下进行审视，这让整个阅读体验变得极为立体和丰富。我发现自己时常会停下来，反复琢磨某一个精妙的论断，比如关于“听觉的培养”与“手指的独立性”之间辩证关系的阐述，简直是醍醐灌顶。它促使我重新审视自己多年来固守的教学习惯，并勇敢地去尝试那些过去认为“太激进”的新方法。这本书的价值在于，它不仅仅是提供“怎么办”，更重要的是教会你“为什么这么做”，真正做到了理论与实践的完美结合。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，仿佛是走进了一座精心规划的音乐花园，每走一步都能发现新的惊喜和深刻的哲理。它最打动我的地方在于对“个性化”教育的极致推崇。作者旗帜鲜明地反对“一刀切”的教学模式，强调每一个学生的生理特点、心理需求和文化背景都应该被尊重，并以此为基础构建独特的学习路径。书中对如何评估和培养儿童早期音乐潜能的分析，细致到令人惊叹，提供的工具和观察视角极具实用价值。我尤其欣赏作者在书中反复强调的“慢下来”的教育哲学，这与当下快节奏的社会环境形成了有力的张力，提醒我们教育的本质是慢工出细活，是潜移默化的影响。读完这本书，我感到一种久违的踏实和兴奋，仿佛找到了迷失已久的教学初心，它让人重新相信，高质量的音乐教育是完全可以实现的，关键在于我们是否愿意进行深刻的反思与勇敢的革新。

评分☆☆☆☆☆

我得承认，这本书的阅读门槛稍微高了一点，因为它需要读者具备一定的音乐理论基础和实践经验才能完全领会其中精髓。然而，一旦你投入进去，那种被知识和新理念不断冲击的感觉是极其过瘾的。它没有采用那种迎合大众的浅显说教方式，而是直面教育的本质难题。其中对于“即兴创作”在传统钢琴教育中缺失地位的批判，尤为深刻和到位。作者详细论证了即兴能力如何反哺视奏和理解能力，并提供了一套循序渐进的入门路径，这对于长期受制于古典曲目教学的老师来说，无疑是打开了一扇全新的窗户。这本书的论据扎实，引用了大量的国内外权威研究成果，确保了其观点的科学性和前瞻性。它不仅仅是在讨论钢琴，它是在讨论如何塑造一个完整的人格，如何通过音乐这种媒介实现自我表达的终极目标。