音乐理论简单学1 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 音乐理论
• 乐理基础
• 音乐入门
• 音乐学习
• 音乐知识
• 简易乐理
• 音乐教学
• 音乐教材
• 音乐基础
• 音乐

店铺： 上海书城旗舰店

出版社： 广西师范大学出版社集团有限公司

ISBN：9787559801555

商品编码：29667112546

《音乐理论简单学》是一套专为3-6岁儿童设计的乐理启蒙教材，通过书中丰富多彩的练习和游戏，引导儿童迈入音乐的大门，并从中激发学习音乐的兴趣。本套教材可与“英皇乐理考级”同步使用，是一套兼具*与趣味的*教材

音乐理论的探索之旅：打破藩篱，触及音乐的本质 本书名称：音律交响：现代音乐构建与分析 图书简介 《音律交响：现代音乐构建与分析》并非对基础音乐元素进行重复梳理，而是将视角聚焦于二十世纪至今涌现的，那些挑战传统听觉习惯，重塑音乐疆界的复杂结构与哲学思辨。本书旨在为那些已经掌握了基础乐理，渴望深入探究当代音乐语汇的读者提供一套精密的分析工具和批判性思维框架。 我们深知，当“简单学”的阶段结束，真正的挑战才刚刚开始。古典和声的规范、曲式结构的严谨性，在面对勋伯格（Arnold Schoenberg）的十二音体系、瓦雷兹（Edgard Varèse）的声响实体雕塑，或是极简主义（Minimalism）的循环模式时，显得力不从心。因此，《音律交响》将彻底避开对调性体系的详尽回顾，转而潜入更深、更具实验性的音乐领域。 第一部分：超越调性——二十世纪音乐语言的重构 本部分将细致解构从功能和声解体后，音乐家们如何重新组织音高材料。我们不会简单地介绍“无调性”，而是深入分析十二音技法在不同作曲家手中的变异与应用。例如，韦伯恩（Anton Webern）如何通过精妙的序列排列实现内在的逻辑统一，而非仅仅是“随机的音符堆砌”。我们将运用图论和矩阵分析工具，解析这些序列的潜在对称性、反演性及组合可能性，展示其内在的数学美学。 接着，我们会探讨序列主义（Serialism）的进一步发展，特别是梅西安（Olivier Messiaen）对“时值”和“力度”的序列化处理，以及布列兹（Pierre Boulez）在《锤子与铁砧》（Marteau sans Maître）中对复杂节奏结构的控制。这里，重点在于理解作曲家如何通过精确的数学规则，控制听者在时间维度上的感知。 第二部分：声响的物理与感知：从噪音到音乐 传统乐理关注的“音高”和“节奏”只是声响世界的一小部分。《音律交响》将注意力转移到音色（Timbre）本身，将其视为与音高同等重要的组织元素。 我们将详细探讨频谱分析在音乐创作中的应用。从布鲁赫（Hermann Bönninghausen）对泛音列的实验性利用，到当代电子音乐中对波形合成（Waveform Synthesis）的精细调控，本书将揭示声音的物理特性如何直接转化为音乐的审美体验。 特别值得深入研究的是非传统乐器与音响拼贴技术。我们不会讨论钢琴的指法，而是分析录音技术（Musique concrète）如何将日常环境声（如火车轰鸣、机器运转）转化为具有内在叙事性的音乐材料。这需要读者掌握声学工程的基本概念，以便理解麦克风选择、空间混响的模拟与处理如何影响最终的听觉效果。 第三部分：时间与空间的哲学：极简、重复与概率 本书的第三部分是对音乐时间观念的彻底颠覆。我们不再关注奏鸣曲式的“发展”与“再现”，而是聚焦于过程音乐（Process Music）和持续时间（Duration）的哲学。 我们对极简主义的分析将超越简单的“重复”表象。例如，莱希（Steve Reich）的“相位”（Phasing）技术，其核心是听觉系统对微小时间差的捕捉与消解，这涉及到心理声学（Psychoacoustics）的知识。我们将剖析其数学模型，展示两个或多个相同材料如何通过极慢的速率差异，自行“演化”出全新的、复杂却高度可预测的结构。 同时，本书也会探讨概率论在音乐中的应用。从卡特（Elliott Carter）对不同时间段的独立速度控制，到斯托克豪森（Karlheinz Stockhausen）在某些作品中引入的随机元素（Aleatoric Music）。我们探讨的不是“随机”，而是“可控的随机性”——作曲家设定规则，让系统（而非直觉）完成最终的组织。这需要读者对信息论中的“熵”概念有一定的了解。 第四部分：跨界与互文性：当代音乐的语境构建 最后一部分，我们探讨音乐如何跳出传统音乐厅的边界，与其他艺术形式和技术媒介深度融合。 我们将分析空间音乐（Spatial Music）的实践，即如何利用多声道系统（如环绕声技术）将声音的运动轨迹本身变为音乐结构的一部分。听者不再是被动地接收，而是沉浸在由声源定位构成的动态雕塑之中。 此外，本书将审视计算音乐（Algorithmic Composition）对作曲手法的冲击。这部分内容需要读者了解基本的编程逻辑（如Lisp或Max/MSP的基础结构），理解如何将音乐的结构转化为可执行的指令，以及由此产生的音乐是否保留了人类的“意图”或“情感”。 结语：走向开放的听觉未来 《音律交响：现代音乐构建与分析》面向的是那些已经能熟练阅读五线谱，却对布里顿（Benjamin Britten）的四重奏感到困惑，对德彪西（Claude Debussy）的模糊和弦感到意犹未尽的进阶学习者。本书不提供任何“捷径”，而是提供一套坚实的、跨学科的分析框架，帮助读者以一种前所未有的精确度去理解、分析并欣赏那些塑造了我们当前听觉世界的复杂、大胆且充满智慧的音乐实验。阅读本书后，读者将能够以一名音乐建筑师的视角，审视每一个音符背后的结构逻辑与哲学动机。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到舒畅的一点，是它摒弃了传统乐理教学中那种冷冰冰的、公式化的语言风格。作者的文字充满了对音乐本身的爱与热情。在解释一些比较“主观”的概念，比如“色彩性音程”或“功能和声”时，他会引用很多音乐史上的例子，甚至包括一些爵士乐或电影配乐的片段来佐证，这极大地拓宽了我的音乐视野。我发现自己不再把乐理当作束缚创作的枷锁，反而将其看作是通往无限表达可能性的工具箱。书中对于不同记谱法（如简谱与五线谱的对应关系）的对比分析也处理得非常到位，对于习惯了简谱的读者来说，这是一个非常友好的过渡桥梁。我尤其欣赏它对节奏复杂性的处理，比如讲解三连音和复节奏时，作者通过将它们形象化为不同的“分饼”方式，让原本容易混淆的节拍关系变得直观易懂。这本书的价值在于，它不仅教你“是什么”，更重要的是教你“为什么是这样”，激发了内在的求知欲。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐理论的入门书籍，简直是为我这种乐理小白量身定做的！我一直觉得乐理是音乐学习中最枯燥、最难啃的骨头，各种术语和复杂的概念堆砌在一起，让人望而生畏。然而，作者的叙述方式却像一位和蔼可亲的老师，他没有一上来就抛出那些高深的定义，而是从最基础的音高、节奏概念入手，用非常生动形象的语言去解释。比如，讲解到调式时，他会结合我们熟悉的流行歌曲片段进行分析，让我瞬间就有“原来如此”的感觉。书中的排版也深得我心，大量的图示和清晰的示例，避免了纯文字带来的压迫感。我尤其欣赏它对和声学基础的介绍，那些原本让我头疼的三和弦、七和弦的构成和解决，在这里被分解得井井有条，每一步都有清晰的逻辑支撑。读完前几章，我感觉自己对五线谱的认识不再是死记硬背，而是真正理解了音符在谱面上的“位置感”和“关系感”。这本书成功地消除了我对乐理的恐惧，让我愿意主动去探索更深层次的音乐奥秘。那种从一团迷雾中逐渐看清轮廓的清晰感，真的非常美妙。

评分☆☆☆☆☆

我通常阅读技术性书籍时，很容易因为长时间阅读相同类型的图表或文字而感到疲劳，但这本书在视觉和内容组织上做得非常出色，让人能够保持长时间的专注度。它大量使用了对比表格和流程图来梳理复杂的乐理关系，比如大小调关系、属七和弦的转位和解决路径，这些信息被有效地组织在易于查阅的区域。而且，这本书的“复习”机制设计得很高明。在每章末尾，它不是简单地罗列问题，而是设置了一些需要你实际操作或分析具体乐谱的“实践挑战”。这种“学以致用”的模式，迫使读者必须将理论知识立即应用到具体的音乐情境中去，从而加深理解和记忆。这本书的厚度适中，内容密度却非常高，意味着它没有灌水，每一页都有其存在的意义。对于一个想系统提升乐理素养，但又不想被冗余信息淹没的音乐爱好者来说，这本书无疑是高效且令人愉悦的选择。它真正做到了让理论学习变得像解开一个有趣的谜题，而不是一项艰巨的任务。

评分☆☆☆☆☆

我花了很大精力去寻找一本能够系统梳理音乐结构的书籍，毕竟很多市面上的教材要么过于学术化，要么讲解得过于零散。这本书在结构安排上展现了极高的专业水准和教学智慧。它没有走传统的“先讲音阶再讲和弦”的线性路径，而是巧妙地将音乐的“时间维度”（节奏与节拍）和“空间维度”（音高与音程）进行穿插对比讲解。特别是关于复调音乐基础的章节，作者引入了不同的历史时期背景，使得原本抽象的对位法听起来都有了时代的“味道”。我注意到作者在讲解复杂概念时，总是先给出一个宏观的框架，然后再逐步深入细节，这种自上而下的教学方法，极大地帮助了我建立起完整的音乐知识体系，避免了知识点的碎片化。阅读过程中，我常常停下来思考作者是如何将如此庞大的体系浓缩得如此精炼而又不失准确性的。它不是那种让你囫囵吞枣的速成指南，而更像是一份结构严谨的音乐“建筑蓝图”，让你清楚地知道每一个音符、每一个和弦在整体结构中扮演的角色。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我最初是抱着怀疑的态度来翻阅这本被广泛推荐的乐理书的，因为我之前尝试过好几本“简单学”系列的读物，结果都发现它们在关键的转折点上含糊其辞，最终还是得求助于更专业的参考资料。然而，这本书给我的惊喜在于它的“深度平衡感”。它确实做到了“简单”，但这种简单绝不是肤浅的简化。例如，它对变音记号的讲解，不仅解释了它们如何改变音高，还深入探讨了在不同调性转换时，使用升号还是降号在记谱上的惯例和听觉上的细微差别。更让我印象深刻的是关于听觉训练与乐理知识结合的部分，作者并没有把听觉训练当成一个独立的模块，而是将其融入到每一个和声或旋律的讲解中，让你在理解理论的同时，耳朵也同步得到了锻炼。这使得学习过程不再是纸面上的游戏，而是真正与音乐实践接轨。读完之后，我去听我喜欢的古典交响乐时，能更清晰地辨别出主调与副调之间的转换，那种从“听声音”到“读懂声音”的飞跃，价值无可估量。