音乐分析基础教程彭志敏人民音乐出版社正版教材课本音乐欣赏9787103015377 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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彭志敏 著

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• 9787103015377

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103015377

商品编码：29684830566

页数：336

图书基本信息
书名：	音乐分析基础教程
丛书名：	音乐自学丛书作曲卷
出版社：	人民音乐出版社
ISBN号：	9787103015377
出版年份：	1997年9月1日

版次：	第1版
总页数：	336页
开本：	1/32
图书定价：	28元
实际重量：	399g
新旧程度：	正版全新

 

 

 

编辑《音乐自学丛书·作曲卷:音乐分析基础教程》介绍了主题分析、主题及有关问题概述、主题的特征分析——以勃拉姆斯《第四交响曲》乐章为例、主题的特征发展——以勃拉姆斯《第四交响曲》乐章为例、主题的整体控制——以肖斯塔科维奇《第十四交响曲》第二乐章为例等等。 

 目录自学辅导 章 主题分析 节 主题及有关问题概述 第二节 主题的特征分析——以勃拉姆斯《第四交响曲》乐章 为例 第三节 主题的特征发展——以勃拉姆斯《第四交响曲》乐章 为例 第四节 主题的整体控制——以肖斯塔科维奇《第十四交响曲》第二乐章 为例 习题一 第二章 形象分析 节 形象及有关问题概述 第二节 主题形象分析——以圣一桑斯《动物狂欢节》为例 第三节 形象讨论之一——以贝多芬《第三交响曲》 乐章 为例 第四节 形象讨论之二——以贝多芬《第三交响曲》 第四乐章 为例 习题二 第三章 旋律分析 节 旋律及有关问题概述 第二节 旋律外形分析——以莫扎特《第四十交响曲》 乐章 为例 第三节 音调分析——以冼星海《黄河颂》为例 第四节 音型分析——以德彪西《月满楼台》为例 习题三 第四章 节奏分析 节 节奏及有关问题概述 第二节 节奏形态分析——以德彪西《绪任克斯》为例 第三节 隐伏节奏分析——以克然涅克《玩具之舞》为例 习题四 第五章 曲式分析 节 曲式及有关问题概述 第二节 曲式讨论之一——以贝多芬《第九交响曲》 第四乐章 为例 第三节 曲式讨论之二——以拉赫玛尼诺夫《第二钢琴协奏曲》第二乐章 为例 第四节 曲式讨论之三——以柴科夫斯基《第四交响曲》第四乐章 为例 习题五 第六章 比例分析 节 比例及有关问题概述 第二节 中心对称 第三节 黄金分割 第四节 两种选点的方法 第五节 确定比例的单位 习题六 第七章 和声分析 节 和声及有关问题概述 第二节 和声分析的操作过程——以舒曼《为什么？》为例 第三节 局部现象的整体意义——以贝多芬《}B大调第二十九钢琴奏鸣曲》为例 第四节 风格性现象的理论归纳——以格什温《蓝色狂想曲》为例 习题七 第八章 调性分析 节 调性及有关问题概述 第二节 调性结构与曲式结构——以田丰《忆秦娥·娄山关》为例 第三节 旋律调性与和声调性——以德彪西《水中倒影》为例 第四节 巴托克《为弦乐、击乐和钢片琴写的音乐》 第三乐章——两种调性的混合体 习题八 第九章 音响分析 节 音响及有关问题概述 第二节 音响的形象表现——以穆索尔斯基《侏儒》为例 第三节 音响的个性风格——以斯特拉文斯基《魔鬼凯旋进行曲》为例 习题九 附录一：还原分析简介 附录二：集合分析简介 参考习题

《音乐自学丛书·作曲卷:音乐分析基础教程》是一本基础性教程，当代音乐分析中的许多内容，由于比较专门化，书中都没有涉及。为了更接近作曲和作曲技术理论的特点，书中没有过多讲述抽象的理论，而是把有关方法及相关内容，融到具体的实例分析中去。  

音乐的无限疆域：一部跨越古典与现代的理论探索之旅 图书名称：《和声的结构与演变：从巴赫到德彪西的对话》 作者： [虚构作者姓名，如：林之远] 出版社： [虚构出版社名称，如：时代艺术文库] ISBN： [虚构ISBN，如：978-1-23456-789-0] --- 内容提要 本书并非对某一特定教材或入门读物的重复，而是一部深入探究西方音乐理论核心机制、剖析其历史发展脉络，并尝试构建现代听觉理解框架的学术专著。它聚焦于“和声”这一音乐结构的关键要素，但其视角广阔，涵盖了从十八世纪上半叶的严谨对位传统，到十九世纪浪漫主义情感的爆发，直至二十世纪初印象主义声响实验的整个光谱。 全书共分为七个主要部分，系统性地引导读者超越基础的音程与三和弦概念，进入到复杂的功能和声、非功能性声响的理论构建，以及如何在新旧理论框架下理解音乐的“美学张力”。 第一部分：巴洛克语法的精密逻辑 本部分着重解析了“功能和声”体系的奠基石——调性音乐的内在法则。我们详细考察了巴赫时期（特别是《平均律钢琴曲集》）中，声部进行、终止式设计以及如何利用序进（Sequences）来构建宏大结构的方法论。 重点内容包括： 七和弦的阶进应用： 不仅限于属七和弦，深入探讨了导七和弦（Leading-Tone Seventh）在特定调性关系转换中的精妙作用。 不协和音的“解决”机制： 剖析了装饰音与经过音如何服务于稳定和弦的内在驱动力，以及这种“解决”在听觉感知中的历史意义。 赋格的结构性声部组合： 尽管主要关注和声，但我们探讨了在复调织体中，和声是如何在不同声部独立运动的同时被无缝构建出来的，这要求读者具备对横向与纵向思维的同步处理能力。 第二部分：古典主义的清晰与平衡 本章将视线转向海顿、莫扎特和贝多芬早期作品，探讨“形式”与“和声语言”之间的共生关系。古典主义时期，和声不再仅仅是声部连接的工具，它成为塑造乐章、定义主题段落的关键叙事手段。 奏鸣曲式中的和声布局： 详尽分析了呈示部中如何通过转调（Modulation）来确立戏剧性对立，以及发展部中故意制造的“不确定性”——和声模糊与临时调性的频繁闪现。 “预备”与“释放”的艺术： 考察了如何通过减七和弦（Diminished Sevenths）和那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）在古典框架内实现情感的突然提升或深化。 第三部分：浪漫主义的色彩革命与情感的扩张 随着十九世纪的到来，音乐对个人情感的表达达到了前所未有的强度。本部分着重分析了和声的“情感化”倾向，即和声如何从服务于结构转变为直接承载心理状态。 远关系转调的运用： 深入研究了舒伯特、肖邦作品中对“平行关系”和“远关系调”的偏爱，以及这些转调如何营造出梦幻、忧郁或突然的顿悟感。 半音化和声的滥用与精妙： 重点分析了瓦格纳对“变音”（Chromaticism）的极致运用，特别是《特里斯坦与伊索尔德》中的和弦，探讨其如何挑战并最终瓦解了传统的主属和弦功能性链条。 第四部分：民族乐派与调性的延伸 这一部分考察了在德奥主流体系之外，民族乐派（如俄国五人组、德沃夏克）如何将民间音乐元素引入和声语言，从而丰富了调性语汇。 五声音阶与异国情调： 分析了非传统音阶（如全音阶、五声音阶）在和弦构建中的影响，以及如何产生一种既熟悉又陌生的听觉效果。 模仿与吸收： 对比研究了如何将东欧民间旋律的“色彩性音程”转化为德奥和声体系可以接受的结构变体。 第五部分：印象主义的声响实验与“去功能化”的和声 进入二十世纪，音乐家开始质疑自巴赫以来建立的“功能驱动”理论。本部分集中于德彪西和拉威尔的作品，探讨和声“去功能化”的先声。 平行和声的回归： 详细解析了德彪西如何大量使用平行五度、平行三度进行，这在传统对位法中是被严格禁止的，但在这里却成为一种表达“漂浮感”和“光影变幻”的有效手段。 全新的和弦形态： 深入探讨了九和弦、十一和弦、十三和弦的实际运用，它们更多地被视为“音块”（Sonority Blocks），而非需要解决的紧张点。 第六部分：现代和声的理论边界：序列与十二音体系 本部分转向更具挑战性的二十世纪早期前卫探索，尤其关注勋伯格及其“自由无调性”和后来的“十二音体系”。 序列的构建逻辑： 阐明了如何从一个预先设定的音列（Tone Row）推导出所有可能的三和弦或四和弦组合，以及这些组合如何替代了传统的功能关系。 节拍与和声的解耦： 讨论了在极端速度和复杂的节奏型下，和声在时间维度上所扮演的角色是如何被重构的。 第七部分：解析与聆听的未来框架 本书的结论部分旨在综合以上所有理论流派，为当代听众提供一个更具弹性的分析工具。我们主张，理解音乐不应被僵硬的规则所束缚。 语境依赖的听觉模式： 探讨了如何根据作品的创作年代、作曲家意图以及文化背景，灵活切换“功能分析”与“结构描述”的分析模式。 跨界比较分析： 简要涉及了爵士乐和二十世纪电影配乐中对上述传统和声语言的继承、颠覆与融合，展示了和声理论的持续生命力。 本书旨在成为一部严肃的音乐理论进阶读物，适合有一定基础乐理知识、渴望深入理解和声如何驱动音乐历史演变的高阶学生、研究人员或资深音乐爱好者。它不提供“如何写出动听旋律”的速成秘籍，而是揭示那些构建了宏伟音乐殿堂的精密逻辑与大胆创新。

评分☆☆☆☆☆

这本书对自学者来说，简直是场考验耐力的马拉松。我不是科班出身，完全是出于对音乐的纯粹热爱，想自己弄明白那些复杂乐曲背后的逻辑。市面上很多入门书籍都会刻意使用通俗易懂的语言来“包装”专业知识，让读者感觉学习过程轻松愉快。然而，这本书完全没有这种“讨好”读者的意图。它的语言风格非常学术化，仿佛作者是一位正在对同行展示研究成果的教授，每一个句子都承载着很高的信息密度。我经常需要对照好几本乐理词典和英文原著才能完全吃透其中某一个小节的论述。它不提供捷径，也不进行简化处理，它假设你的乐理基础已经达到了一定的水准。这种坦诚是值得尊敬的，但对于零基础的爱好者来说，无疑是高墙一座。我不得不承认，通过它我确实建立起了一套非常严谨的分析思维，但这个过程中的挫败感，也足以劝退不少有热情但缺乏毅力的人。

评分☆☆☆☆☆

我是一名大学音乐系新生，这本教材是我系里指定的基础读物。坦白讲，我用它来准备期末考试倒是挺顺手的。它最大的优点在于资料的详实和覆盖面的广阔。从最基础的音高、节奏的分析，到中级阶段的曲式结构辨析，甚至涉及到了二十世纪音乐的一些初步概念，基本上把一个本科生在头两年需要接触到的分析工具都囊括进去了。尤其是关于传统调性音乐的分析章节，图表绘制得非常清晰，无论是和弦功能的三级分析还是调性关系图示，都为我们快速定位和理解乐曲的骨架提供了极佳的视觉辅助。我特别欣赏作者在引用范例时的用心，选取的都是古典乐派和浪漫主义时期那些结构清晰、辨识度高的作品片段，避免了那些过于晦涩或冷门的曲目来干扰初学者的理解。虽然有些地方的论述略显学院派，但对于我们这种需要通过考试来检验学习成果的学生来说，这本书的“教科书”属性是毋庸置疑的，它提供了一个扎实且完整的知识框架，让你知道“应该知道”什么。

评分☆☆☆☆☆

说句实在话，这本书的装帧和纸张质量简直不忍直视。作为一本价格不菲的专业教材，它看起来像是上世纪八十年代印刷的盗版书。印刷的墨迹时常有洇开的现象，尤其是那些需要精确对位的谱例，看得我眼睛生疼。每次翻阅时都得小心翼翼，生怕一个不留神就把脆弱的书页撕坏了。内容上，我个人觉得它更侧重于“做什么”而不是“为什么”。比如，它会告诉你一个乐段的结构是A-B-A'，然后详细列出每个部分的调性、和声色彩，但对于作曲家为何选择这种结构来表达特定的情感或戏剧冲突，书中的探讨就显得有些单薄了。这导致我们在尝试进行深度赏析时，总感觉手里握着一堆冷冰冰的零件，却缺少了将它们组装成一个有生命的艺术品的蓝图。我更希望教材能多引入一些现代分析理论的视角，比如基于认知心理学的听觉分析，或者更贴近当代音乐教育的实践导向，而不是固守着传统的“结构分解”模式。

评分☆☆☆☆☆

我最欣赏这本书的地方在于它对“横向分析”与“纵向分析”的平衡把握。很多教材在初期往往只强调和声的垂直堆叠（纵向），导致学生在听到音乐时，脑子里只有一串串不断变化的和弦名称，却抓不住旋律线条和节奏型的流动。而这本书在引入了曲式结构和动机发展（横向）的分析框架后，有效地将时间和空间的维度结合了起来。比如，它在分析一段奏鸣曲的呈示部时，会清晰地指出主题A和主题B在力度、织体、调性上的对比是如何服务于整体的戏剧性张力，而不仅仅是罗列它们各自的和弦进程。这种全局观的培养，对我后来自行听曲和简单配伴奏时，帮助是巨大的。它让我明白，音乐分析不是简单的“零件拆解”，而是理解“结构如何服务于意义”的过程。虽然前期的铺垫略显枯燥，但一旦跨过那个坎，你会发现它提供了一套非常强大的“解码器”，让你能够以更深层次去品味那些伟大的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本关于音乐分析的入门教材，真是让人又爱又恨。说实话，初次翻开它的时候，我感觉自己像是在面对一座巨大的知识迷宫。那些密密麻麻的五线谱、复杂的和声进行图表，以及各种晦涩难懂的术语，着实让人望而生畏。我记得有那么一节讲到“奏鸣曲式”的结构划分，作者似乎把每一个小节都拆解得过于细致了，虽然理论上很严谨，但对于一个刚接触音乐分析的门外汉来说，简直是灾难。我花了好大力气才理解了主部呈示部和再现部的基本功能，但当涉及到具体的调性转换和动机发展时，书里的讲解就像是在对一个已经掌握了基础乐理的人说话，完全没有考虑到读者的起步难度。不过，硬着头皮啃下来之后，我还是发现了一些闪光点。比如在讲解对位法的时候，作者用了一些非常生动的例子，把巴赫赋格曲的线条感描绘得淋漓尽致，让人一下子就明白了“声部独立进行”的美妙之处。但总的来说，如果这本书的结构能再优化一下，多设置一些循序渐进的练习和自我检测环节，对于提升读者的实操能力会更有帮助。