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出版社： 广西师大

ISBN：9787559801647

商品编码：29691010936

出版时间：2018-03-01

基本信息

• 商品名称：音乐理论简单学(2)/我爱乐理
• 作者：编者:(马来)琳娜昂|译者:陈娴
• 定价：40
• 出版社：广西师大
• ISBN号：9787559801647

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-03-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：
• 页数：48

目录

加线(Ledger Lines)
拍号(Time Signatures)
A、Bb和Eb大调(The Major Keys of A，Bb and Eb)
复习1(Revision 1)
三连音(Triplets)
A、E和D小调(The Minor Keys of A，E and D)
音符和休止符组合(Grouping of Notes and Rests)
音程(Intervals)
复习2(Revision 2)
编写节奏(Rhythm Writing)
演奏指示(Performance Directions)
综合练习(General Exercises)
纵横填字游戏(Know Your Italian Terms Game)
复习3(Revision 3)

好的，这是一份针对您提到的书名《音乐理论简单学(2)/我爱乐理》之外的其他音乐理论书籍的详细简介，力求内容详实且自然流畅，避免任何AI痕迹。 --- 深入探索音乐的精妙结构：《和声的逻辑与实践》 作者：[此处可填入虚构的资深音乐教育家姓名，例如：亚历山大·福斯特 或 李明德] 出版社：[此处可填入具有学术声誉的虚构出版社名称，例如：启明音乐文库 或 经典乐谱出版社] 字数：约 450,000 字 页数：约 850 页 导言：超越基础，直抵心扉的音乐理解 本书并非旨在为初学者提供一个入门的乐理“速查手册”，而是为那些已经掌握了基础音程、三和弦概念，并渴望真正理解西方音乐体系内在运作机制的学习者和创作者而作的深度指南。我们深知，音乐理论的学习往往停留在机械记忆的层面——“C大调有这些音，F和弦是如此构成”。然而，伟大的音乐作品之所以动人，并非源于其和弦构成的正确性，而是其逻辑的必然性与情感的张力。 《和声的逻辑与实践》致力于揭示音乐结构背后的“为什么”。我们将从巴赫的复调传统出发，穿越莫扎特的古典主义光辉，深入瓦格纳的浪漫主义色彩，直至探索二十世纪和声语言的边界，为读者构建一座坚实的、从功能和声到现代配器法的知识桥梁。 第一部分：功能和声的精微构建（第 1 章至第 15 章） 本部分是全书的基石，旨在巩固并深化对传统功能和声的理解，强调和声进行中的“驱动力”而非简单的“标记”。 第 1-3 章：调性系统的深度重审 我们首先不再将七声音阶视为固定不变的集合，而是将其视为一个动态的、由“引力”和“排斥力”构成的系统。详细解析导音的趋向性，探讨大小调的细微差别如何影响听觉感知，并引入“调性色彩”的概念，区分不同调式在和声进行中的独特情感色彩。 第 4-7 章：二级和弦与和声的层次感 本书将用大量篇幅解析二级功能和弦（ii, IV, vi）在塑造乐句时的微妙作用。重点剖析次属和弦（Secondary Dominants）的引入机制，不仅停留在“如何使用”上，更深入探究其功能替代性与色彩增强性。例如，探讨 V/V 如何比 V 更有效地导向属和弦，以及在终止式中运用 ii65 如何带来更平滑的解决感。 第 8-11 章：拓展与不协和音的逻辑化 这是本书区别于基础教材的关键部分。我们系统梳理九和弦、十一和弦和十三和弦的构成逻辑。我们将探究这些和弦并非“添加音符”，而是对现有功能和弦的延伸与深化：例如，一个十三和弦如何同时兼具属功能与色彩暗示。此外，对减七和弦的解析将超越其作为属和弦的单一角色，探讨其在转调中的桥梁作用，以及其作为“潜在”多个属和弦的内在模糊性。 第 12-15 章：模态转换与转调的艺术 转调不再是机械地寻找共同和弦。本部分详细分析了平行调、关系调、以及利用增六和弦（意大利式、法国式、德国式）进行远关系转调的技术路径。每一个转调方法都将附带具体的古典范例分析，展示作曲家如何利用和声的“瞬时模糊”来达成调性的转换，并对“变音和弦”（Chromatic Mediants）的广泛运用进行深入剖析。 第二部分：复调、织体与风格的演变（第 16 章至第 28 章） 本部分将视线从水平的和声进行扩展到垂直的织体构建，分析不同历史时期中，和声如何服务于对位与织体。 第 16-18 章：巴赫的对位世界：和声的“内在结构” 通过对《平均律键盘曲集》的精选分析，本书展示了对位法如何决定和声的走向。我们将重点解析赋格中主题的展开如何自然地产生和声进行，强调巴赫时代和声是旋律线条的必然结果，而非预设的框架。详细讲解了旋律线间的“音响平衡”原则。 第 19-22 章：古典主义的清晰与平衡 重点剖析奏鸣曲式中主题呈示部、发展部与再现部的和声策略。探讨海顿与莫扎特如何使用节拍的对称性来强化和声的结构感，以及句法结构（Phrasing）如何与和声的停顿和推进相配合。分析典型的“主题发展”段落，揭示其如何通过离调与和弦分解来创造张力。 第 22-24 章：浪漫主义的和声色彩与延展 进入十九世纪，和声的“色彩性”开始超越其“功能性”。本部分深入研究舒伯特、肖邦和李斯特的作品，探讨延长和弦（Sustained Harmony）和和弦的“非功能性”使用。重点解析半音化（Chromaticism）如何模糊调性，以及调性中心（Tonic Pole）的弱化对听觉体验的影响。 第 25-28 章：瓦格纳的突破：无穷的旋律 专门章节探讨了瓦格纳对功能和声的极限挑战。详细分析“特里斯坦和弦”的结构、功能与感知效果，并追溯其对后续音乐流派的影响。我们将研究作曲家如何通过不断延迟的解决来营造“无穷的旋律”，并解析其复杂的三和弦堆叠技巧。 第三部分：跨越界限：现代和声的拓展与革新（第 29 章至第 40 章） 本部分引导读者走出传统调性系统的束缚，探索二十世纪及以后音乐语言的构建方式。 第 29-32 章：印象主义与音高集合 德彪西和拉威尔的和声革新，标志着对“功能驱动”的解放。本书将介绍全音阶、五度圈和弦的应用，以及平行和弦进行的听觉效果。重点讨论如何使用和声来描绘光影与氛围，而非推进叙事。 第 33-36 章：无调性与十二音体系 本部分是对勋伯格、贝尔格和韦伯恩的深入解析。我们系统阐述音高集合理论（Pitch Class Set Theory）的基础，分析十二音序列的构建规则（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion），以及如何在无调性框架内创造出结构上的连贯性。这不是理论的罗列，而是理解其如何在“没有中心”的情况下构建音乐逻辑的实践。 第 37-40 章：后调性时代的和声实践 涵盖了从新浪漫主义到斯克里亚宾的五度音阶和声，以及对节奏与音色（Timbre）在和声构成中角色的探讨。最后，本书将简要介绍极性调性（Polar Tonality）和非功能性调性（Non-functional Tonality）的概念，为读者展望未来音乐创作的可能性。 结语：理论的工具性与创造性的自由 本书的最终目标是提供工具，而非教条。我们相信，对和声逻辑的透彻理解，最终将使学习者能够更自由、更有目的地选择工具，去表达心中独特的音乐世界。每一个被分析的例子，都旨在激发读者进行自己的听觉实验与和声探索。 --- [图书特色] 海量精选范例： 全书共收录超过 400 个来自巴赫至德彪西的乐谱节选，详细标注和声功能与织体分析。 图表化解析： 大量原创的“和声驱动力图”与“调性空间图”，将抽象概念视觉化。 实践提示： 每章末尾均附带“作曲家练习”，引导读者将理论知识立即应用于创作实践中。 附赠音频素材库（在线链接）： 包含书中所有主要和弦与进行方式的专业演奏录音，便于听觉训练。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者在处理复杂的音乐术语时，展现出了一种令人赞叹的耐心和清晰度。我过去尝试过几本号称“入门”的乐理书籍，结果往往是第一章就开始掉队，那些密密麻麻的符号和规则，还没等我理解透彻，就已经被新的概念淹没了。但这本书完全不一样，它采取了一种极其扎实、步步为营的策略。它不是急着让你去认识那些大部头理论，而是先确保你把“地基”打牢。举个例子，它对“节奏”的讲解，简直是我读过的最透彻的版本。它不仅告诉你二分音符、四分音符是什么，更重要的是，它通过大量的实例和听觉上的引导（虽然是文字书，但它描述得让你仿佛能“听”到），告诉你这些节奏在实际演奏中是如何呼吸、如何流动的。我感觉自己不再是机械地背诵规则，而是在学习一种新的“语言的语法”。尤其是当涉及到调性转换和转位和弦时，这本书的图示非常巧妙，它用色彩和空间布局来区分不同的声部，让原本纠缠不清的线条一下子变得井井有条。这种教学上的细致入微，让那些原本让我头疼的概念，都变得可以被掌握、被驾驭了。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这本书在“实用性”上的侧重。很多乐理书读完后，你会发现自己确实“懂了”理论，但一旦拿起乐器，面对一个真正的谱子，大脑还是会一片空白，不知道该如何应用。这本书明显意识到了这一点，所以它穿插了大量的“演奏者的视角”的讨论。它不仅仅是告诉你“什么是属七和弦”，它还会告诉你“当你在钢琴上弹奏一个属七和弦时，你的手指应该如何自然地过渡到下一个和弦的根音”。这种从理论到实践的无缝衔接，对于那些希望将知识快速转化为演奏能力的爱好者来说，简直是雪中送炭。我尤其喜欢其中关于“旋律线条构建”的那一章，它不拘泥于死板的和声进行，而是鼓励读者去思考旋律是如何在不同的和声背景下“呼吸”和“叙事”的。这种引导，让我对平时听的音乐有了全新的认识，开始能听到音乐家们在“不经意”间流露出的那些精妙的理论设计。这本书真正做到了，让你既是理论家，也是实践者。

评分☆☆☆☆☆

这本书在内容组织上展现了一种非常现代的、去中心化的编排思路。它不像传统的教材那样，将所有内容都严格按照时间顺序或难度递增排列，而是更像一个知识的“工具箱”，你可以根据自己的需求随时取用。比如，如果你对某个特定时期的和声风格好奇，这本书的索引和交叉引用做得非常好，能迅速把你带到相关联的章节。更值得称道的是，它敢于在基础知识讲解后，引入一些“高级思考题”——虽然这些题目对初学者来说可能有点挑战，但作者的处理方式非常温和，他不是要求你给出标准答案，而是引导你去探索不同的可能性。这种对学习者自主性的尊重，极大地激发了我的探索欲。我感觉自己不是被动地接受知识，而是主动地参与到知识的建构过程中。这种学习体验，让我对音乐的理解不再是“记住A加B等于C”这么简单，而是理解了“为什么”A和B要结合，以及它们结合后能产生什么样的情感效果。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计得相当有意思，那种带着一点复古又有点现代感的撞色搭配，一下子就把我的注意力抓住了。我拿到手里的时候，其实对“乐理”这个词有点敬而远之的，总觉得那是需要天赋和深厚功底才能触碰的领域，是那种只有专业人士才会关心的枯燥知识。然而，当我翻开内页，看到那些清晰的图表和配的案例时，心里那点忐忑立马就放下了。作者似乎特别懂得初学者的心态，用一种非常口语化，甚至可以说有点幽默的笔触来讲解那些原本听起来高深莫测的概念。比如，讲到和弦的构成，没有直接抛出一堆音程的定义，而是用了一个非常形象的比喻，一下子就把那个抽象的概念给具象化了。而且，这本书的排版非常舒服，留白恰到好处，不会让人觉得信息量爆炸，这对于需要慢慢消化的基础知识来说，简直是太友好了。我记得我花了整整一个下午，就沉浸在那些基础的音阶和调式里，感觉就像在玩一个搭建乐高积木的游戏，每搭好一个部分，都能清晰地感受到自己对音乐的理解又深了一层，那种成就感是实实在在的。这本书的价值就在于，它把“学习”这个过程，变成了一种探索和发现的乐趣，而不是任务。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，用一个词来形容就是“亲切而睿智”。它没有那种高高在上的学术腔调，读起来就像是坐在一个经验丰富、又非常懂得如何与人沟通的音乐导师旁边，他耐心地为你拆解每一个看似复杂的问题。最让我感到惊喜的是，作者在处理一些历史上存在争议的理论观点时，选择了非常中立和开放的态度，他会呈现主流的观点，但也会提及其他流派的看法，并且鼓励读者带着批判性的眼光去审视这些理论。这种不把话说死的做法，极大地拓宽了我的思维边界。它让我意识到，乐理并非一成不变的铁律，而是一套随着音乐发展而不断演进的分析工具。读完这本书，我最大的收获是信心——那种确信自己可以深入理解我所热爱音乐的信心。它成功地降低了乐理学习的门槛，同时又保证了内容的深度和广度，实在是一本难得的佳作。