Leonardo Da Vinci & Art Of Sculpture 达芬奇与雕塑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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GaryMRadke 著

图书标签:

• 达芬奇
• 雕塑
• 艺术史
• 文艺复兴
• 艺术
• 雕塑艺术
• 绘画
• 意大利艺术
• 艺术理论
• 大师作品

店铺： 佳作书局原版图书专营店

出版社： YaleUniversityPress

ISBN：9780300154733

商品编码：29706023277

包装：[HB]

出版时间：2009-01-01

商品参数

Leonardo Da Vinci & Art Of Sculpture
	定价	266.00
	出版社	Yale University Press
	版次
	出版时间	2009年01月
	开本
	作者	Gary M. Radke
	装帧	[HB]
	页数
	字数
	ISBN编码	9780300154733

内容介绍

更多优惠 DISCOUNT SALE   Anish Kapoor: Shooting into the Corner 安尼施·卡普尔 RMB：199.00398.00 William Albert Allard: Five Decades 威廉·阿尔伯特·阿拉 RMB：175.00350.00 【正品现货】Miró 米罗 RMB：142.50285.00 Lucinda Devlin: Water Rites 露辛达·德夫林摄影集 RMB：99.50199.00 Andy Warhol Screen Tests 安迪·沃霍尔的银幕实验 RMB：199.00398.00 Cezanne's Other: The Portraits of Hortense 塞尚的另一半 RMB：192.50385.00

【书籍简介】

列奥纳多.达.芬奇(1452—1519)是著名的画家、设计师、建筑师、工程师、科学家和理论家。他的雕塑作品少为人知。许多人认为列奥纳将雕塑看成是一种较低级的艺术形式（“绘画更需要天赋”）。本书挑战和颠覆了这些看法，着眼于列奥纳多创作的雕塑，以及对他在文艺复兴后期创作的雕塑表示感谢。

【实拍书影】

 

 

 

好的，这是一份关于《不朽的线条：文艺复兴早期佛罗伦萨的绘画技法与人文精神》的图书简介，旨在深入探讨文艺复兴早期佛罗伦萨的艺术实践、理论基础及其与社会思潮的交织，完全不涉及达芬奇或雕塑主题。 --- 《不朽的线条：文艺复兴早期佛罗伦萨的绘画技法与人文精神》 一部关于文艺复兴黎明时期视觉革命的深度考察 文艺复兴，并非一个静止的符号，而是一场在特定时空背景下，由思想、技术与社会结构共同孕育的、关于“人”与“世界”理解方式的根本性转变。本书将目光聚焦于这场变革的发源地——十五世纪的佛罗伦萨，深入剖析支撑其视觉艺术成就的底层逻辑、革新的技术手段，以及在人文主义思潮下艺术家身份的重塑过程。我们不从最终的辉煌成品出发，而是探究那些奠定“新艺术”基石的精微之处。 第一部分：空间与视角的构建——透视法的技术哲学 文艺复兴早期艺术最引人注目的突破之一，在于对三维空间的精准再现。这并非简单的模仿，而是一套严谨的数学与哲学体系的结合。本书将详尽梳理布鲁内莱斯基（Filippo Brunelleschi）开创的线性透视法（Linear Perspective）从实验到理论化的艰难历程。我们将分析阿尔伯蒂（Leon Battista Alberti）在其《论绘画》（De Pictura）中所确立的“视窗”理论，阐释艺术家如何将画布视为一个精确计算过的截面，以及这种几何学的引入如何彻底改变了绘画的叙事结构和观众的参与方式。 我们不满足于描述“消失点”的概念，而是追溯其背后的古希腊几何学渊源，探讨这种追求理性秩序的绘画方法如何与当时对古典知识的复兴思潮相呼应。通过对马萨乔（Masaccio）早期壁画的细致解构，如《圣三一》（The Holy Trinity），我们将展示透视法则如何被用作强化宗教叙事深度和构建可信物理环境的工具。此外，本书还将探讨颜色晕染法（Sfumato的早期应用，即空气透视法）是如何与线性透视互补，共同构建出具有纵深感的、统一的画面空间。 第二部分：物质的解放——颜料、媒介与工坊的革新 绘画技法的进步是文艺复兴得以实现的物质基础。本卷将全面审视当时佛罗伦萨画室（Bottega）的运作模式，以及艺术家对新材料的探索。我们将深入研究蛋彩画（Tempera）向油画（Oil Painting）过渡的关键阶段。虽然油画技法在尼德兰地区已有所发展，但意大利画家如何吸收、改造并最终适应这种媒介，以适应他们对光影和色彩饱和度的独特需求，是本书着重分析的议题。 分析的重点将放在颜料的制备、底料的配方以及不同媒介的混合使用上。例如，早期湿壁画（Fresco）中对颜料颗粒大小的控制，以及艺术家如何在干燥速度的限制下，依然追求平滑过渡和鲜明的色彩对比。我们将考察湿壁画的“正色法”（Arriccio）与“写色法”（Intonaco）的实际操作细节，揭示艺术家在面对干燥时间压力时所展现出的精湛手艺。这部分内容将帮助读者理解，每一次色彩的堆叠、每一次笔触的运用，都凝聚着对材料特性的深刻理解。 第三部分：人与形体——古典理想与自然观察的张力 人文主义的核心在于“人是万物的尺度”。在绘画中，这意味着对人体结构的科学考察和对古典美学标准的重新回归。本书将探讨多纳泰罗（Donatello）雕塑作品对佛罗伦萨年轻画家的启发，特别是其对人体动态、解剖结构以及精神表达的关注，如何影响了皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）和安杰利科修士（Fra Angelico）等画家的创作。 我们详细分析了艺术家如何从自然观察中提取规律，并将其几何化、理想化。解剖学知识的积累如何体现在对肌肉线条的精确描绘上，以及“比例”（Proportion）——这一古老概念如何在文艺复兴的语境下被重新定义为神圣秩序在人身上的体现。书中将展示早期艺术家如何在保持宗教题材庄严性的同时，赋予人物以世俗的、可感的面貌，使圣徒不再是遥不可及的符号，而是具有内在情感的个体。 第四部分：光影的叙事学——明暗对比在情感表达中的作用 光线在文艺复兴绘画中，从单纯的照明工具，演变为重要的叙事元素。本书探究了早期艺术家如何有意识地运用光影来引导观众的注意力，烘托气氛，甚至暗示人物的道德倾向。我们将研究不同光源的设置——是均匀的、神性的光，还是来自特定方向的、模拟自然的光——如何影响了画面的整体情绪。 特别关注艺术家如何利用强烈的明暗对比（Chiaroscuro）来增强形体的体积感和戏剧性。这不仅是技术上的挑战，更是一种心理学上的表达。通过对特定画作中阴影的分析，读者将理解光影是如何被用来构建人物的内在世界，是他们与周围环境互动的媒介，也是区分世俗与神圣领域的一种视觉语言。 结语：佛罗伦萨的文化熔炉 《不朽的线条》最终试图描绘的是一个动态的文化生态系统。佛罗伦萨的艺术成就，是美第奇家族的赞助、激烈的同行竞争、古典文本的重新发现，以及匠人阶层对知识不懈追求的共同产物。本书旨在为读者提供一把钥匙，去理解文艺复兴早期绘画如何从哥特式的传统中挣脱而出，通过对理性、技术和人文精神的坚守，为后世的西方艺术奠定了不可动摇的基石。这是一部关于发现、发明与坚持的史诗，记录了艺术是如何学会用精确的线条和真实的光影，来描绘人类对完美形态的永恒向往。

评分☆☆☆☆☆

这本关于达芬奇与雕塑的书，真是让人耳目一新！我本来以为会是一本比较枯燥的艺术史论著，没想到作者的叙述方式充满了活力，简直像是在跟老朋友聊天一样。尤其是在探讨达芬奇对于人体解剖学的痴迷与他对雕塑创作的潜在影响时，作者的分析角度非常独特。他们没有简单地堆砌史实，而是深入挖掘了达芬奇那些未完成或仅存于草图中的雕塑构想背后的哲学思考。我印象最深的是其中关于“动态与静止的辩证法”那一章节，作者通过对比文艺复兴早期和盛期雕塑的特征，巧妙地引出了达芬奇对雕塑生命力的追求——他似乎总想捕捉到石块中蕴含的、即将爆发的运动感。书中对材料特性的细致描述也令人赞叹，比如作者如何将达芬奇对方解剖结构的热情，与他可能对大理石或青铜材质的物理限制和可能性所做的权衡联系起来。阅读过程中，我仿佛能感受到那位天才艺术家在工作室里，面对着一块巨大的原材料时，那种既敬畏又充满创造力的复杂心境。这不仅仅是一本关于艺术史的书，更像是一次深入艺术家内心世界的奇妙旅程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和版式设计简直就是一场视觉盛宴！我很少看到艺术书籍能将学术的严肃性与阅读的愉悦性结合得如此完美。每一页的留白处理都恰到好处，使得那些复杂的文字段落不至于让人感到压迫。更值得称道的是插图的选择和印刷质量——那些细节图，比如达芬奇手稿中关于肌肉群结构的速写，其线条的清晰度和层次感都达到了博物馆级别的复刻水准。虽然全书的主题是雕塑，但作者很聪明地穿插了许多与雕塑技术和美学思想相近的绘画和工程草图，这极大地丰富了读者的阅读体验，让主题不再局限于固定的媒介。我特别喜欢其中关于“透视法在雕塑中的应用”的讨论，作者用一系列对比图清晰地展示了如何通过精心计算的曲面变化来欺骗观看者的眼睛，营造出一种超越实际尺寸的宏大感。总而言之，这本书在美学呈现上无可挑剔，无论是作为案头参考书还是纯粹的阅读享受，都称得上是上乘之作。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书最吸引我的地方在于它跨学科的广阔视野和令人惊叹的洞察力。它绝不是一本只关注“谁做了什么”的艺术罗列，而是深入探讨了“为什么是这样”的内在逻辑。作者巧妙地将文艺复兴时期的工程学、光学理论，乃至当时的政治哲学思潮，都整合进了对雕塑创作的分析框架中。例如，书中对“理想人体”的构建如何受到新柏拉图主义思潮的影响，以及这种思潮如何具体指导了雕塑家对肌肉线条和比例的处理，描述得极其细致入微。我尤其欣赏作者在探讨技术规范时，所展现出的对实践操作的深刻理解——他们并非只是理论家，而是真正懂得材料的脾气和工具的限制。这本书让我意识到，文艺复兴时期的雕塑家，是集科学家、哲学家和匠人于一身的综合体。阅读这本书，需要一定的耐心和对艺术史背景知识的积累，但随之而来的收获是巨大的，它极大地拓宽了我对“艺术创作”本身的定义和理解边界。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书在学术深度上达到了一个令人惊叹的高度。它并非那种浅尝辄止的入门读物，而是对文艺复兴艺术理论和技术实践进行了极其细致的解构。特别是关于“光影在三维空间中的感知与物质性表达”那部分论述，作者引用了大量晦涩难懂的早期意大利语文献进行交叉验证，构建了一个相当严谨的论证体系。我个人尤其欣赏作者在处理文献注释时的严谨性，每一处关键论点都有据可查，这极大地增强了文本的可信度。书中对“米开朗基罗式的‘解放’与达芬奇的‘构想’”之间的微妙区别进行了精彩的对比分析，指出前者更侧重于从石块中“释放”内在形象，而后者则更倾向于通过构思将外部的完美比例强加于材料之上。这种细致入微的比较，让读者对两位巨匠的创作哲学有了更深层次的理解。读完后，我感觉自己对文艺复兴时期雕塑的物质基础和形而上学意图都有了全新的认识，受益匪浅，简直是艺术史研究的典范之作。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得非常高明，它不像传统传记那样线性推进，而是采用了一种主题串联的方式，每章似乎都围绕着一个特定的美学或技术问题展开，然后像剥洋葱一样层层深入。我最喜欢的是作者引入的“未完成性美学”这一概念，这本书用大量篇幅讨论了为什么许多伟大的雕塑项目最终都未能实现，以及这种“未完成”本身如何成为了文艺复兴时期一种独特的艺术宣言。这其中牵涉到赞助人的变动、材料的稀缺性，以及艺术家自身不断演进的理念之间的复杂博弈。作者以一种近乎侦探小说的笔法，挖掘了这些历史碎片背后的真实驱动力，让人对艺术家的“局限性”产生了全新的同情和理解。读这本书时，我几乎忘记了时间，沉浸在这种对历史真相的追寻之中，感觉自己像是一名历史学家，在浩瀚的档案中寻找蛛丝马迹。它成功地将一个严肃的艺术史课题，转化成了一场扣人心弦的智力探险。