现当代流行合唱作品选 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 苏州大学出版社

ISBN：9787567220720

商品编码：29727650693

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	现当代流行合唱作品选 音乐 书籍
作者：	黄祖平编著
定价：	35.0
出版社：	苏州大学出版社
出版日期：	2017-06-01
ISBN：	9787567220720
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

本书按照时间维度，收录了18新创或改编的流行合唱作品。选编的主旨强调经典与趣味、深度与流行。可以说，每作品都代表一种记忆，每一作品都见证一段往事，涉猎其中会获得不同的感受。在选编过程中，对每作品的总谱都作了精准的校对和细致的审核，努力确保总谱的规范

《西方音乐史纲：从古至今的辉煌乐章》 导言：穿越时空的听觉之旅 音乐，作为人类情感最直接、最深刻的表达方式，其历史是一部波澜壮阔的文明演进史。从古老的仪式咏唱，到巴洛克的精妙结构，浪漫主义的激情澎湃，直至二十世纪的多元探索，西方音乐史如同一幅徐徐展开的宏伟画卷，记录着人类精神世界的变迁与升华。本书《西方音乐史纲：从古至今的辉煌乐章》旨在为读者提供一个全面而深入的视角，系统梳理西方音乐自起源至当代的关键发展脉络、重要流派、代表人物及其作品，带领读者进行一次跨越千年的听觉朝圣之旅。 本书结构清晰，以时间为轴线，结合地域特色与风格演变，将西方音乐史划分为几个关键阶段：古代音乐的奠基、中世纪的宗教主导、文艺复兴的复苏与人文关怀、巴洛克时代的宏大叙事、古典主义的典雅与理性、浪漫主义的个体抒情，以及二十世纪至今的现代与后现代探索。 --- 第一部分：音乐的曙光与中世纪的圣歌（约公元前500年 – 公元1400年） 本部分首先追溯西方音乐的远古根源，简要介绍古希腊音乐理论——特别是毕达哥拉斯的音律发现及其对西方音乐体系的深远影响。随后，我们将重点探讨中世纪（公元5世纪至15世纪）的音乐图景。 古代文明的余响： 简述希腊罗马文化中音乐的地位，及其对早期教会音乐形态的影响。 中世纪的圣光： 音乐在中世纪几乎完全依附于基督教。重点剖析格里高利圣咏（Gregorian Chant）的单音音乐（Monophony）特征、记谱法的诞生（纽姆谱的演变），以及其在罗马天主教会礼拜仪式中的核心作用。我们会详细阐述圣咏的音乐特点，如自由节奏和以旋律线条的流动性为主导。 多声部的萌芽与发展： 随着音乐思想的发展，复调音乐开始出现。本章将详述奥尔加农（Organum）的早期形式，以及至12、13世纪巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的出现，如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin），他们如何确立了早期的节奏模式和复杂的复调结构，为后世音乐的“立体感”打下基础。 世俗音乐的兴起： 尽管教会占据主导，但世俗音乐依然存在。我们将探讨游吟诗人（Troubadours）和宫廷歌手（Trouvères）在法兰西地区创作的爱情叙事诗歌，以及德语地区的吟游诗人（Minnesänger），他们的音乐以单旋律为主，内容更贴近生活。 阿斯·诺瓦（Ars Nova）： 14世纪的法国和意大利出现了音乐的革新浪潮，即“新艺术”。重点分析菲利普·德·维特里（Philippe de Vitry）和纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）的工作，他们在节奏的划分和记谱法的精确性上取得了巨大进步，使得音乐结构更加复杂和清晰。 --- 第二部分：文艺复兴的和谐与人文主义（约1400年 – 1600年） 文艺复兴时期标志着欧洲从神权向人本主义的过渡，音乐也随之摆脱了过度的宗教束缚，开始关注音乐的清晰度、情感表达和人性美。 复调艺术的成熟： 这一时期的核心标志是均衡的五声部乃至更多声部的复调写作。重点介绍法兰克-佛兰德斯乐派（Franco-Flemish School），如若斯坎·德普雷（Josquin des Prez），他的作品展现了令人惊叹的作曲技巧和对文本的深刻理解，尤其是在弥撒曲和经文歌中。 宗教音乐的变革： 特别关注特伦特会议（Council of Trent）对教会音乐提出的改革要求，以及帕莱斯特里纳（Palestrina）如何通过其作品《教皇马塞卢斯弥撒》确立了“纯净的”宗教复调风格，强调旋律的平稳与和声的纯净。 世俗音乐的繁荣： 音乐走出教堂，进入宫廷和市民家中。法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）成为最受欢迎的体裁。本章会分析牧歌如何利用“文字拟像”（Word Painting）来描绘歌词内容，使音乐与文本紧密结合，预示着巴洛克时期戏剧性的到来。 器乐的独立： 尽管声乐仍占主导，但器乐开始独立发展。介绍鲁特琴音乐、维吉纳尔音乐（英国）以及早期凡托西亚（Fantasias）和托卡塔（Toccatas）的出现，标志着器乐曲式的初步形成。 --- 第三部分：巴洛克时代的宏伟与激情（约1600年 – 1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上最富创造力和戏剧性的时代之一。它以“强烈的激情”（Doctrine of Affections）、复杂的对位、以及数字低音（Basso Continuo）的运用为标志。 歌剧的诞生与早期发展： 意大利佛罗伦萨的“音乐家公会”试图复兴古希腊戏剧，催生了歌剧（Opera）。我们将详细探讨蒙特威尔第（Monteverdi）在《奥尔费奥》中如何确立了宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的结构，并分析早期歌剧从神话题材转向历史或世俗故事的过程。 协奏曲与奏鸣曲： 器乐发展进入快车道。协奏曲形式确立，特别是大协奏曲（Concerto Grosso），如科莱里（Corelli）的作品，展示了独奏乐器组（Concertino）与全体乐队（Ripieno）的对比。奏鸣曲（Sonata）也从室内乐发展为具有明确乐章结构的体裁。 巴赫与亨德尔的巅峰： 这一时期的两位巨匠： 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）： 分析其集大成的赋格曲（Fugue）写作技巧，探讨其键盘作品（如《平均律钢琴曲集》）对和声逻辑的系统化整理，以及宗教清唱剧（Cantata）和受难曲（Passion）的深刻精神内涵。 格奥尔格·弗里德里希·亨德尔（G.F. Handel）： 重点分析其在伦敦定居后对英国清唱剧（Oratorio）的贡献，特别是《弥赛亚》中合唱段落的戏剧性力量。 巴洛克的终结： 1750年巴赫逝世，标志着巴洛克风格的古典主义前夜。 --- 第四部分：古典主义的典雅与理性结构（约1750年 – 1820年） 随着启蒙运动的兴起，音乐审美转向清晰、平衡、对称和可预测的结构。维也纳成为欧洲音乐的中心。 旋律与和声的简化： 从巴洛克的复杂对位转向主调音乐（Homophony），即清晰的旋律配上简单的伴奏。奏鸣曲式（Sonata Form）成为所有大型器乐作品（交响曲、奏鸣曲、四重奏）的核心结构。 海顿——交响曲之父： 约瑟夫·海顿（Haydn）在交响曲和弦乐四重奏的标准化过程中扮演了关键角色，他为体裁的结构和幽默感（“惊愕交响曲”）奠定了基础。 莫扎特的天才与抒情： 沃尔夫冈·阿玛多伊斯·莫扎特（Mozart）将古典主义的平衡推向极致，其歌剧（如《费加罗的婚礼》）达到了心理刻画的巅峰，同时其协奏曲和室内乐展现了无与伦比的旋律天赋。 贝多芬的桥梁作用： 路德维希·凡·贝多芬（Beethoven）是古典主义向浪漫主义过渡的关键人物。他的早期作品继承了古典的结构，但中后期作品（如“英雄”交响曲、“命运”交响曲）开始注入前所未有的个人情感、意志力和宏大构思，极大地拓宽了交响曲的表达范围。 --- 第五部分：浪漫主义的激情与个性解放（约1820年 – 1910年） 浪漫主义音乐强调情感、想象力、非理性、自然崇拜和对异域文化的迷恋。作曲家们追求“绝对音乐”与“标题音乐”的并存，并致力于表达自我。 室内乐的深化与独奏乐器的崛起： 舒伯特（Schubert）将艺术歌曲（Lied）推向高峰，其即兴曲和奏鸣曲充满了抒情色彩。肖邦（Chopin）几乎专为钢琴创作，开创了民族浪漫主义风格。 标题音乐的兴盛： 音乐开始直接描绘文学、戏剧或绘画。李斯特（Liszt）发明了交响诗（Symphonic Poem），成为浪漫主义标题音乐的典范。 德意志歌剧的革新： 瓦格纳（Wagner）彻底颠覆了传统歌剧，发展出“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的概念，使用“主导动机”（Leitmotif）体系，并挑战了传统调性体系的界限。 民族乐派的崛起： 面对德奥音乐的主导地位，俄国（强力集团）、捷克（德沃夏克、斯美塔那）和北欧（格里格、西贝柳斯）的作曲家致力于挖掘本民族的民间旋律和节奏，构建独特的国家音乐身份。 晚期浪漫主义的扩张： 马勒（Mahler）和理查·施特劳斯（R. Strauss）将交响曲的篇幅推向史无前例的长度，并探索了前所未有的复杂和声与管弦乐配器，使调性开始瓦解。 --- 第六部分：二十世纪至今的音乐探索与多元化（1900年至今） 进入二十世纪，科技进步、两次世界大战、全球化以及对传统美学的大规模反叛，导致西方音乐进入了前所未有的多元化和实验期。 印象主义与象征主义： 德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）寻求色彩和氛围的表达，运用全音阶、五声音阶和非传统和声，模仿光影变幻。 原始主义与新古典主义： 斯特拉文斯基（Stravinsky）早期作品（如《春之祭》）以其粗粝的节奏和对原始力量的挖掘震撼了音乐界。随后，他转向新古典主义，回归古典形式，但使用现代和声语言。 调性系统的瓦解： 勋伯格（Schoenberg）领导的第二维也纳乐派彻底抛弃了传统调性，开创了无调性（Atonality）音乐。随后，他发展出系统性的十二音技法（Twelve-Tone Technique），试图在新的结构基础上重建秩序。 战后实验音乐： 战后，音乐实验进入极致。序列音乐（Serialism）将十二音技法扩展到节奏、力度和音色。电子音乐和偶然音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇）挑战了作曲家对作品的完全控制权。 极简主义与回归： 1960年代后，对过度复杂化的反动，催生了极简主义（Minimalism），如莱奇（Reich）和格拉斯（Glass），他们通过不断重复和微小渐变来创造强烈的听觉效果。 结语：永恒的回响 本书最后总结了当代音乐的趋势，包括对电子技术、跨文化元素的吸收，以及对传统美学观念的持续解构与重塑。西方音乐史是一部永不停息的探索史，它以其深刻的内涵和无尽的创造力，持续影响着全球的艺术图景。通过对这部史诗的研读，读者将能更好地理解音乐如何反映人类文明的每一步足迹。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材角度非常新颖独特，它似乎打破了传统合唱作品的既定印象，将目光投向了那些在主流音乐史中可能被边缘化，但艺术价值极高的作品。我发现了几首我以前从未听过的作曲家的作品，它们的旋律线条和和声语言充满了令人耳目一新的现代感，但同时又保留了人声合唱作为一种古老艺术形式的某种精神内核。这种在“继承”与“创新”之间游走的平衡把握得恰到好处。阅读这些选曲的介绍，让我对“流行”在现当代音乐中的定义有了更宽泛的理解——它不再仅仅指商业上的畅销，而更倾向于一种面向时代脉搏的、鲜活的音乐表达。这本书成功地策展了一系列极具时代精神的合唱杰作，拓宽了我的音乐视野，让我对未来合唱作品的创作方向也充满了期待和灵感。

评分☆☆☆☆☆

我主要关注的是这本书在实践指导层面的价值。作为一名合唱团的指挥，我一直在寻找那些既有艺术深度又适合实际排练的曲目。这本书提供的选材范围非常广阔，涵盖了从严肃艺术歌曲到一些更具实验性的作品。最让我惊喜的是，书中附带了许多关于如何处理特定技术难点的建议，比如如何平衡复杂的声部织体，或者如何准确把握特定时代的和声色彩。这些建议不是空泛的理论，而是基于丰富实践经验的总结，非常具有操作性。例如，针对某几首作品中高难度的人声技巧要求，书里详细分析了不同声部在呼吸控制和音准控制上的侧重点，这对排练效率的提升有立竿见影的效果。这本书真正做到了连接“书面知识”与“舞台实践”之间的鸿沟，是一本不可多得的“排练室圣经”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的知识密度简直高得惊人，我感觉自己像是在进行一场密集的音乐学术“拉练”。它不仅仅是曲目的简单汇编，更像是一部深入剖析现当代合唱音乐发展脉络的百科全书。每一首选曲的背后，都有详尽的创作背景介绍、风格流派分析，甚至连作曲家的创作心路历程都有所提及。阅读过程中，我不得不频繁地停下来查阅相关的音乐术语和历史背景，因为它涉及了大量二十世纪中后期以来合唱艺术的创新手法，比如复调的运用、节奏的复杂性、人声色彩的变化等等。对于那些对现代音乐语言感到困惑的爱好者来说，这本书无疑提供了一把非常专业的“解码钥匙”。它的论述逻辑严密，层层递进，虽然学术性很强，但作者的文字功底使得原本晦涩的理论也变得生动起来，真正做到了深入浅出，非常考验读者的学习投入度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真的很有格调，封面采用了一种低饱和度的复古色调，配上烫金的书名字体，拿在手里感觉很舒服，很有分量。我本来是冲着内容去的，但没想到光是看这本书的实体，就觉得是一种享受。纸张的质感也很棒，厚实且不反光，阅读体验非常舒适。内页的排版设计也看得出是用心了，留白恰到好处，不会让人觉得拥挤，字体大小适中，即便是长时间阅读也不会感到视觉疲劳。尤其是那些乐谱的印刷，清晰度极高，每一个音符、每一个标记都还原得非常到位，对于经常需要对照乐谱学习的音乐工作者来说，这简直是太重要了。这本书的装订方式也很结实，感觉可以经受住反复翻阅的考验，不会轻易散页。整体来说，从视觉到触觉，这本书都给人一种高品质的艺术品的感觉，绝对值得收藏。

评分☆☆☆☆☆

从一个仅仅想找点新东西唱的普通音乐爱好者角度来说，这本书的价值在于它提供的“文化参照系”。我以前听到的合唱曲大多集中在某个特定的历史时期或地域风格，而这本书像是为我搭建了一个时间轴，让我能够快速定位不同时期、不同流派合唱音乐的“坐标点”。虽然有些作品的理论分析对我来说可能略显深奥，但我完全可以跳过那些复杂的术语，直接感受作曲家试图通过人声组合来营造的氛围和情感张力。书里对这些作品的“时代背景”描述得非常生动，让我能更好地理解这些音乐诞生时，世界正处于怎样的思潮之下。这种与时代对话的阅读体验，让听音乐不再是被动的接受，而变成了一种积极的、带有批判性思考的文化探索，非常过瘾。