音乐素养ABC：册 音乐 书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 苏州大学出版社

ISBN：9787567222946

商品编码：29733408441

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	音乐素养ABC：册 音乐 书籍
作者：	黄新羽，沈海泽编著
定价：	24.0
出版社：	苏州大学出版社
出版日期：
ISBN：	9787567222946
印次：
版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

本书编者根据目前我国学习音乐的少年儿童的实际情况和教学需求，编写了这套音乐素养入门教材。在教学内容安排和教学设计上，编者兼顾了音乐常识、识谱、节奏练习、欣赏等，根据少年儿童的生理及心里特点设计教学环节，注重培养少年儿童的独立思考和动手能力。

音乐的奥秘与殿堂：一部跨越时空的音乐史诗 图书名称：《音乐的奥秘与殿堂：一部跨越时空的音乐史诗》 内容简介 本书旨在带领读者进行一场宏大而深入的音乐探索之旅，从人类文明的曙光中探寻音乐的起源，直至当代多元化的音乐景观。我们不仅关注那些耳熟能详的古典巨匠及其不朽之作，更致力于揭示隐藏在旋律、和声与节奏背后的文化、哲学和社会意义。 第一部：源起与萌芽——音乐的史前回响与古代文明的律动 本部分将追溯音乐在人类早期社会中的作用。我们审视考古发现中那些最古老的骨笛和陶制乐器，探讨音乐在部落仪式、狩猎活动和神话叙事中的原始功能。音乐不仅仅是娱乐，更是早期人类认知世界、维系社群的重要工具。 随后，我们将深入古埃及、美索不达米亚以及古希腊的音乐世界。古希腊部分将着重分析毕达哥拉斯对音程的数学化解读——这种“万物皆数”的哲学思想如何奠定了西方音乐理论的基础。柏拉图和亚里士多德对音乐伦理和“德性陶冶”（Ethos）的论述，将帮助读者理解音乐在早期教育体系中的核心地位。我们还将探讨古希腊的七调式（Modes）及其在戏剧和诗歌中的应用，为后续西方调性系统的发展埋下伏笔。 第二部：神圣的赞歌与世俗的兴起——中世纪的宗教回响与文艺复兴的曙光 中世纪的音乐史是一部与基督教信仰紧密交织的篇章。本章详述了格里高利圣咏（Gregorian Chant）的形成、规范化及其在罗马天主教会仪式中的至高地位。通过对早期记谱法（如纽姆谱）的演变分析，我们将看到人类如何从口头传承走向精确记录音乐的伟大飞跃。 随后，我们将转向世俗音乐的勃兴——游吟诗人（Troubadours）和吟游歌者（Trouvères）的出现，标志着音乐开始关注骑士精神、爱情颂歌和日常生活。 进入文艺复兴时期，人文主义思潮彻底解放了音乐的创造力。我们将详细考察复调音乐（Polyphony）的精妙发展，从阿尔卑斯山脉的奥古斯丁修道院到佛罗伦萨的宫廷，细致分析如帕莱斯特里那、奥兰多·德·拉絮斯等大师如何将对位法推向极致，使音乐达到前所未有的平衡与和谐。此外，世俗音乐，特别是“香颂”（Chanson）和意大利的“牧歌”（Madrigal），以其对文本的深刻描绘，预示着情感表达的解放。 第三部：巴洛克的宏伟与古典的秩序——情感的张力与形式的典范 巴洛克时期是音乐史上一个充满戏剧性与炫技色彩的时代。本部分聚焦于歌剧（Opera）的诞生及其在意大利的成熟，从蒙特威尔第对情感的直接表达，到亨德尔宏大清唱剧的辉煌。我们将深入剖析巴赫的复调艺术，分析其赋格曲（Fugue）和平均律体系如何构建了一个逻辑严密、结构无懈可击的音乐宇宙。维瓦尔第的协奏曲，则以其生动的自然描绘，展现了早期器乐的叙事潜力。 古典主义时期，是对巴洛克繁复装饰的理性回归。海顿、莫扎特和贝多芬（早期及中期）是这一时期的核心。我们详细阐释奏鸣曲式（Sonata Form）如何成为器乐创作的黄金结构，以及奏鸣曲、四重奏和交响曲这三大体裁如何被确立并完善。莫扎特的旋律天赋与海顿对交响曲结构的革新，共同塑造了一个追求清晰、平衡与普世美学的音乐殿堂。 第四部：浪漫的激情与民族的呼唤——情感的极致与身份的构建 浪漫主义是音乐史上一次对个体情感和主观体验的狂热颂扬。从贝多芬晚期对人类精神的探索，到舒伯特的艺术歌曲（Lied）对诗歌的完美融合，音乐开始承担起表达深层个人挣扎与狂喜的重任。 本章将剖析李斯特的交响诗（Symphonic Poem）如何打破传统曲式限制，实现音乐与文学叙事的深度结合。瓦格纳的“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）理论及其对主导动机（Leitmotif）的运用，将带领读者进入一个由音乐、戏剧和哲学构建的复杂世界。同时，我们将探讨民族乐派（如德沃夏克、穆索尔斯基）如何从民间音乐中汲取灵感，为本国音乐注入独特的身份认同，挑战德奥音乐的传统霸权。 第五部：世纪之交的动荡与新声的探索——从印象主义到二十世纪的先锋实验 进入二十世纪，科技进步、社会动荡以及弗洛伊德心理学的冲击，使音乐探索进入了前所未有的多元化阶段。德彪西和拉威尔的印象主义，以其对音色和氛围的细腻捕捉，打破了传统调性的束缚。 随后，我们将面对音乐史上最剧烈的变革：勋伯格的无调性（Atonality）探索，以及其后的十二音技法（Twelve-Tone Technique）如何试图建立新的组织规则。斯特拉文斯基的《春之祭》引发的“现代主义骚乱”，将作为对传统美学的一次强力反叛。 战后，音乐探索更加激进。我们探讨了序列主义（Serialism）、随机音乐（Aleatoric Music，如约翰·凯奇的概率哲学）以及电子音乐的崛起。从具象音乐到合成器的应用，科技如何彻底改变了音乐的生产和聆听方式。 第六部：多元时代的共振——跨界、流行与当代的音乐生态 本书的最后部分将目光转向二十世纪中叶至今的音乐版图。爵士乐——作为美国文化最独特的贡献之一——的起源、布鲁斯基础、摇摆乐的兴盛以及比波普的复杂化，将作为研究即兴艺术的典范。摇滚乐的诞生及其社会政治影响，则代表了青年文化的爆发。 我们还将分析流行音乐工业的形成，以及电子乐、嘻哈音乐（Hip-Hop）等新兴体裁如何利用技术革新，重塑了全球听众的审美习惯。最后，本书将探讨当代音乐家如何融合古典的严谨、民族的特色与流行的元素，在数字化的浪潮中，继续书写音乐的未来篇章。 结语： 本书力求以严谨的学术态度和生动的叙事方式，揭示音乐作为人类精神活动最纯粹载体的全部可能性，引导读者不仅“听见”音乐，更能“理解”音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书在介绍不同音乐流派的“社会背景”这一点上，着墨不少，这一点值得肯定，它试图将音乐从孤立的艺术形式中解放出来，置于更广阔的人文环境中去考察。例如，作者详细描述了爵士乐在特定历史时期如何成为一种社会反抗和文化融合的载体，这部分内容阅读起来非常引人入胜，让我对这类音乐产生了更深层次的共鸣。然而，这种对社会背景的关注似乎是以牺牲对“演奏实践”的指导为代价的。当涉及到具体的乐器演奏技巧时，内容就变得非常空泛和程式化了。比如，对于钢琴演奏中触键的力度变化、弓弦乐器揉弦的微妙控制等核心技术问题，这本书只是简单地提了一句“需要练习”，然后就跳到了下一个理论点。这让那些真正想在技术层面有所突破的学习者感到非常困惑，毕竟，光知道“为什么”而不知道“怎么做”，在实践中是寸步难行的。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，这本书的配图和设计排版，实在不敢恭维。在这个视觉信息爆炸的时代，音乐教育工具的书籍，如果没有引人入胜的视觉辅助，光靠密密麻麻的文字，确实很难留住人的注意力。这本书的插图大多是静态的、低分辨率的乐谱片段，或者是一些模糊不清的历史人物照片，缺乏现代排版应有的清晰度和美感。更要命的是，很多理论的讲解，如果能配合上一个动态的声波图示，或者一个简化的乐器结构图，理解起来会事半功倍。但这本书在这方面做得非常保守，几乎完全依赖文字去描述那些原本可以用图形直观展现的概念。我甚至在试图理解某个特定的节奏型时，不得不自己动手在笔记本上画图来辅助理解，这完全偏离了一本专业教材应有的功能。说实话，如果封面设计没有误导我，我可能会以为这是一本几十年前出版的老旧教材。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到困惑的是这本书的“目标读者定位”。它既有初学者完全无法理解的艰深术语，又有针对高阶学习者来说过于基础的常识性回顾。这导致我在阅读过程中，时而觉得自己像个被灌输了太多名词的“背诵机器”，时而又觉得自己像个在啃食教科书的“幼儿园学生”。这种定位上的模糊不清，使得全书的难度曲线呈现出一种不稳定的锯齿状。例如，它花了大量篇幅讨论五线谱的入门知识，但这部分内容已经被无数更优秀的入门书籍讲得透彻且有趣得多。反观那些真正需要深入探讨的领域，比如现代和声分析中关于“十二音体系”的实际应用，作者却只是浅尝辄止，仿佛害怕触及更复杂的核心。最终给我的感受是，它像一个巨大的知识超市，里面摆满了各式各样的商品，但没有一个区域的商品是真正高品质或具有独特性的，让人感觉投入的时间和精力，并没有换来同等价值的收获。

评分☆☆☆☆☆

我拿到这本书的时候，首先被它厚实的装帧吸引了，感觉内容一定非常扎实。然而，当我真正翻开目录时，我就察觉到了一丝不对劲——内容编排的逻辑性似乎有些跳跃。比如，前一章还在详述文艺复兴时期的复调音乐的特点，下一章可能就直接跳到了二十世纪的序列主义，中间缺少了对古典主义和浪漫主义音乐发展脉络的充分过渡和梳理。这让我的学习过程变得断断续续，总有一种“跟不上”的感觉。就好像在看一部时间线混乱的电影，你得自己去脑补中间缺失的那些关键情节。特别是关于“曲式结构”的讲解部分，作者似乎更偏爱用大量的专业术语堆砌，却很少辅以听得懂、看得清的范例进行剖析。我不得不频繁地查阅其他资料来印证书中的观点，这极大地打断了阅读的流畅性。一本好的教材，应该引导学习者平稳过渡，层层递进，而不是像这本书一样，把知识点散落在各个不连贯的角落，让读者自行去寻找它们之间的内在联系。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐素养ABC：册 音乐 书籍》的书，真是让人又爱又恨，爱的是它试图构建一个宏大的音乐知识体系，从最基础的音符认识，到复杂的和声进行，都想囊括进来，看得出作者的雄心壮志。但恨的是，这种面面俱到的做法，反而让很多关键点流于表面。比如讲到巴赫的作品时，文字的描述总是在“精妙”、“伟大”这种空泛的赞美词里打转，缺乏深入的乐理分析或者具体的演奏技巧指导。读起来就像是站在一座巨大的音乐博物馆门口，导览员热情地指着每一件展品说：“看，这是件好东西”，却不告诉你这件“好东西”的制作工艺、历史背景或者它对后世的影响究竟在哪里。对于一个期待能通过这本书提升自己“内功”的爱好者来说，这种体验无疑是有些失落的。我希望看到的是更具体的案例分析，而不是泛泛而谈的理论概述。或许对于完全零基础的新手来说，它能起到一个“扫盲”的作用，让他们知道音乐世界里有哪些名词和概念，但想真正“吃透”音乐，这本书显然是力有不逮的。它更像是一张详尽的地图目录，而不是一次深度的探险记录。