布格缪勒钢琴进阶25曲(英文版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[德] 布格缪勒 编

图书标签:

• 布格缪勒
• 钢琴
• 进阶
• 25首
• 英文
• 钢琴曲
• 古典音乐
• 练习曲
• Burgmüller
• Op
• 100

店铺： 木垛图书旗舰店

出版社： 北京联合

ISBN：9787559614384

商品编码：29733975371

开本：8

出版时间：2018-02-01

基本信息

• 商品名称：布格缪勒钢琴进阶25曲(英文版)
• 作者：(德)布格缪勒
• 定价：25
• 出版社：北京联合
• ISBN号：9787559614384

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2018-02-01
• 印刷时间：2018-02-01
• 版次：1
• 印次：1
• 开本：8开
• 包装：平装
• 页数：35
• 字数：70千字

内容提要

本书各曲都采用短小的曲式，大部分是三段式和二段式，一小部分是回旋曲式和大三段式；手法简洁，形象鲜明，可供初级钢琴学生弹奏及作曲式分析之用。

作者简介

德国钢琴师，钢琴教育家。作品有大量简易改编曲、集锦曲、游嬉曲与幻想等钢琴乐曲。**教材《钢琴基本教程》为学习钢琴演奏艺术的简易入门教科书。

目录

琴谱

好的，这是一份为您准备的图书简介，内容将围绕其他经典的钢琴学习书籍展开，详细介绍其特点和价值，且不提及您提到的特定书籍。 --- 钢琴学习的进阶之路：经典教材与精选曲目深度解析 本书系精选一系列享誉全球、在钢琴教学领域具有里程碑意义的教材与练习曲集，旨在为学习者提供一条结构清晰、循序渐进的技能提升路径。我们深知，钢琴学习是一个需要系统规划与持之以恒努力的过程，好的教材是引导学习者穿越技术难关、培养音乐素养的灯塔。本精选集并非简单地罗列曲目，而是侧重于对不同学习阶段核心能力的培养进行深度剖析。 第一部分：基础奠基与早期启蒙——培养音乐的“第一语言” 对于初学者而言，建立扎实的音乐基础至关重要。本部分重点推荐的教材，如著名的哈农（Hanon）《钢琴练指法》和车尔尼（Czerny）的早期练习曲集，是构建钢琴技巧大厦的基石。 哈农《钢琴练指法》的不可替代性： 哈农的练习曲，以其机械性、重复性著称，然而其价值恰恰在于其高度的纯粹性。它剥离了音乐性外衣，直击手指独立性、均匀性和力量的训练核心。本书详细解析了如何将哈农的练习融入日常练习中，强调“慢练出速度，精准胜过蛮力”的原则。我们探讨了如何利用节拍器精确控制每一个音符的时值，确保手指在快速跑动中依然保持清晰的轮廓。特别是对于那些常因手指僵硬或不平衡而受阻的学习者，书中提供了针对性的练习方案，例如区分不同指型力量的侧重点，以及如何处理八度连奏中的腕部放松技巧。 车尔尼（Czerny）的早期阶段应用： 车尔尼的作品，特别是其Op. 599（初级教程）和Op. 823（分级教程），是连接基本指法训练与真正音乐作品之间的桥梁。这些练习曲的巧妙之处在于，它们将技术难点融入到具有旋律性的短小乐曲中。我们的解读着重于如何识别每一首练习曲背后的“技术目标”——是音阶的流畅性，还是琶音的跨度？通过对这些作品的深度剖析，学习者能更有效地将练习的成果转化为演奏的实际能力，而非仅仅是机械地完成音符。 第二部分：技术精进与风格探索——从“能弹”到“会弹”的飞跃 当学习者掌握了基础的指法与乐理知识后，他们需要更具挑战性、更能拓展音乐表现力的曲目来推动技术和音乐理解的进步。这一阶段，拜厄（Beyer）的进阶作品、适度难度的巴赫初级作品以及一些古典小品集成为核心内容。 巴赫作品的逻辑思维训练： 巴赫的音乐是钢琴学习的“逻辑学”。学习巴赫，不仅仅是训练手指的灵活性，更是培养对位思维、声部独立处理的能力。本部分深入探讨了如何清晰地“听到”并“弹出”巴赫作品中不同声部的线条。对于《小步舞曲》和《赋格曲入门》这类作品，我们提供了详细的声部标记方法和触键分析，教会演奏者如何在保持整体连贯性的同时，确保每一个声部都有其清晰的呼吸和表情。这种对声部关系的理解，是未来演奏复杂室内乐或管弦乐改编作品的基础。 古典时期小品与奏鸣曲的结构把握： 这一阶段的学习者开始接触海顿、莫扎特等古典大师的早期奏鸣曲片段。本书强调，古典音乐的学习需要对曲式结构有清晰的认知。我们分析了主调音乐的平衡感、清晰的乐句划分以及表情术语（如 Allegro, Andante）的准确执行。这要求演奏者学会使用更具对比性的触键方式——清晰、颗粒感的旋律需要精致的指尖触键，而伴奏部分则需要相对柔和、均匀的支撑，以达到古典主义所追求的优雅与清晰。 第三部分：浪漫主义的色彩与表现力——情感的释放与驾驭 进入更高阶段的学习，钢琴演奏不再仅仅是技术的堆砌，而是个人情感与作曲家思想的深度对话。本部分聚焦于肖邦、舒曼等浪漫主义大师的作品所带来的独特挑战和机遇。 肖邦练习曲的诗意与挑战： 肖邦的练习曲是技术与美学结合的典范。它们挑战演奏者在极致的炫技（如跨越、快速琶音）中保持歌曲般的歌唱性。本书的解析侧重于“歌唱性”的实现：如何通过细微的速度变化（Rubato）来赋予旋律生命力，以及如何利用踏板来营造浪漫主义特有的“和声的雾气”，同时避免声音的浑浊。对于如Op. 10 No. 3（“再见”）这类对触键要求极高的作品，我们详述了如何通过手臂的重量转移来获得深沉而富有情感的音色。 舒曼与德彪西的音色探索： 舒曼的《儿时情景》等作品，要求演奏者展现出细腻的描绘能力和情绪的微光闪烁。这里的关键在于对“力度层级”的精妙控制，从 pianissimo 到 forte 之间的微妙过渡，以及如何通过触键的力度来模拟不同的乐器音色，如木管的柔和或铜管的嘹亮。 当学习者开始接触印象派音乐时，如德彪西的早期作品，则需要转向对“音色”的全新理解。这要求学习者掌握“模糊化”技巧——如何让声音在踏板和指法的作用下，如同水彩画般晕染开来，捕捉光影的变化，而非仅仅是清晰地弹出每一个音符。 总结：构建个性化的学习蓝图 本精选教材集的核心价值在于其系统性。它并非试图一次性解决所有问题，而是提供了一套成熟的、经过时间检验的学习框架。通过对这些经典作品深入的技法剖析和音乐理解指导，学习者可以根据自身进度，灵活选择适合当前阶段的练习内容，最终形成一套高效、个性化的钢琴学习蓝图，为未来更宏大、更具挑战性的曲目演奏做好充分准备。 ---

评分☆☆☆☆☆

对于我这种已经学习了十几年钢琴，但总觉得技艺停滞不前的“中年学习者”来说，这套曲集简直是久旱逢甘霖。我们通常会遇到的问题是，基础的技巧已经固化，但面对更复杂的作品时，总感觉手指跟不上大脑的想象力。这本书的编排逻辑非常清晰，它不是按照难度从易到难线性排列，而是根据不同的技术侧重点进行编排，这使得学习过程充满了变化的趣味性。你不会因为连续攻克几个技术难点而感到枯燥，因为下一首曲子可能就会转向完全不同的挑战。 最让我印象深刻的是，它在处理弱奏和力度变化方面的深度。很多练习曲的标记可能看起来非常简单，比如“p”或“pp”，但要真正弹出那种富有层次感、毫不费力的弱音，需要极其精准的手腕放松和重量传导。我花了好大力气去理解，如何用手臂的重量去“压”出声音，而不是用指尖去“抠”出声音。这套教材，说白了，就是一套关于“如何控制钢琴这台复杂乐器”的精细指南。如果你只是把它当成一堆“曲子”来弹，那你会错过太多关于钢琴触键哲学的宝贵经验。它教会你尊重每一个音符，无论强弱，都有其存在的理由和美感。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始对这套曲集抱有的期待，可能更多是一种对经典权威的盲从。毕竟，全世界的钢琴老师都在用它。但深入学习之后，我发现它的价值远超出了“练习工具”的范畴，它更像是一本关于“音乐语汇”的词典。每一首练习曲都像是一个特定的主题或情绪的探讨。比如，有些曲子侧重于和弦的转换与力度控制，要求你像指挥家一样去平衡不同声部的重量；而另一些则完全是在考验触键的细腻程度，比如如何用指尖的“肉”去描绘出如歌的线条，而不是用指尖的“骨头”去敲击琴键。 我尤其欣赏它在情感表达上的引导。很多时候，我们学习技巧是为了更好地表达音乐，但技巧本身很容易成为束缚。布格缪勒的巧妙在于，他让你在攻克技术难关的同时，潜移默化地领悟了不同速度、不同调性下，音乐情绪是如何构建和释放的。比如，在那些相对抒情的慢板练习中，如果你只是机械地弹奏，那只会索然无味；但当你开始尝试去“倾听”指尖与琴弦之间的对话，去体会休止符的力量时，你才会真正明白，这套教材是在训练你的“音乐耳朵”和“音乐心智”，而不是简单的肌肉记忆。它让你从一个“演奏者”开始向一个“诠释者”转变。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这套曲集对那些刚入门的新手来说，可能过于“硬核”了。我曾尝试推荐给一位刚学琴两年的朋友，结果他很快就被那些复杂的双音、快速的琶音以及对稳定性的极高要求给劝退了。所以，这本书的受众定位是非常明确的——它面向的是那些已经具备扎实基本功，渴望实现技术飞跃，并准备好投入大量时间和精力进行深度钻研的进阶学习者。 但对于我们这批“老兵”而言，它的价值在于“查漏补缺”和“提升上限”。有时候，你会发现某个练习曲中看似简单的技术点，恰恰是你平时忽略的薄弱环节。比如，我在弹奏某几首要求保持均匀十六分音符的乐段时，才赫然发现自己的某个手指在特定指位上存在细微的滞后。这本书就像一面高精度的镜子，无情地照出了你技术上的每一个瑕疵，然后以一种艺术化的方式，要求你必须去修正它。这种修正过程虽然痛苦，但带来的技术提升却是实实在在的，它会让你在未来面对更宏大的奏鸣曲或协奏曲时，感到更加游刃有余，因为你已经习惯了在“布格缪勒的严苛”下进行思考和演奏。

评分☆☆☆☆☆

这本曲集，我接触它也有一段时间了，说实话，一开始我是带着一种近乎朝圣般的心情去对待的。毕竟“布格缪勒”这个名字，在钢琴学习的进阶阶段，几乎就是一个绕不开的里程碑。我当初购买它的动机非常纯粹：我感觉自己已经脱离了那些过于基础的练习曲，渴望一些真正能打磨我的音乐性和技巧的材料。拿到这本《25首练习曲》的英文原版时，那种纸张的质感和印刷的清晰度都让我感到专业和可靠。我尤其欣赏它没有过度花哨的装饰，一切都聚焦在音乐本身。 我记得我最先尝试的是那首大家都很熟悉的Op.100 No.22，那首“燕子”。当我开始弹奏时，我立刻感受到了作者对指尖速度和均匀度的苛刻要求。它不是那种单纯的炫技，而是要求你在极快的速度下保持旋律线的清晰和呼吸的连贯。这对我过去那种习惯于慢速精雕细琢的弹奏方式，简直是一种颠覆性的挑战。我花费了整整两周的时间，才勉强能比较流畅地完成它，而每一次的尝试，都像是一次对耐心的终极考验。它强迫我去思考，到底什么是“流畅”——是音符的堆砌，还是情感的流动？这本教材的精妙之处就在于，它用最纯粹的音乐语言，提出了最深刻的技术问题，逼着你去寻找答案。它不像某些教材那样，给你一个明确的“如何做”的答案，更多的是提供一个让你“必须做”的场景。

评分☆☆☆☆☆

购买英文原版，对我来说也有着特殊的意义。虽然乐谱上的技术术语，如“Allegro non troppo”或“Con brio”，在任何语言版本中意义都是固定的，但原版印刷的清晰度和术语的规范性，总能带来一种更接近作曲家本意的感觉。我发现，在学习过程中，我不再仅仅关注音符的对错，而是开始主动去查阅那些术语背后的文化和音乐背景。 这套曲集给我的最大启发是关于“耐心”与“重复”的哲学。学习任何一首曲子，你不可能指望弹个五六遍就能掌握它的精髓。布格缪勒的作品要求的是一种近乎冥想的重复。但这种重复不是机械的，而是带着目的性的迭代——第一次，我关注节奏；第二次，我关注力度对比；第三次，我关注声音的色彩。每一次重复都是一次新的探索。这本书没有提供捷径，它提供的，是通往精湛技艺的唯一、但布满荆棘的道路。我强烈推荐给那些已经厌倦了“流水账式”练习，渴望真正用钢琴与世界进行深刻对话的学习者。它会让你明白，为什么伟大的作曲家们如此推崇这些看似简单的“练习曲”。