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曾丽，吴帆 著

图书标签:

• 服饰设计
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• 服装史
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• 工艺
• 服装搭配
• 流行趋势

店铺： 韵读图书专营店

出版社： 上海交通大学出版社

ISBN：9787313099945

商品编码：29761092268

包装：平装

出版时间：2013-06-01

图书基本信息
图书名称	服饰设计	作者	曾丽,吴帆
定价	58.00元	出版社	上海交通大学出版社
ISBN	9787313099945	出版日期	2013-06-01
字数		页码	104
版次	1	装帧	平装
开本	16开	商品重量	0.4Kg

内容简介

《专业化妆师系列：服饰设计》针对传统的服饰设计理论进行了系统的梳理调整，较为全面地论述了有关服饰设计的概念、艺术风格、形式美法则、造型要素、设计方法及步骤等内容，针对服饰设计中的一般问题进行了叙述和举证，对服饰的设计创作有的指导意义，是学习服饰设计的基础。 　　《专业化妆师系列：服饰设计》注重理论研究和创新实践相结合，内容新颖，图片精美，实用性强，既可作为人物形象设计、服装等专业的教材，也可供化妆、服饰界的从业人员和服饰设计爱好者使用。

作者简介

目录

1 服饰概论 1.1 服饰的概念 1.2 服饰设计的概念 1.3 服饰设计的定位和原则 1.4 影响服饰设计的相关因素 2 服饰设计风格 2.1 服饰风格的表现要素 2.2 文化历史背景 2.3 服饰设计的风格类别 3 服饰设计美学原理 3.1 审美角度 3.2 形式美原理 3.3 设计的造型元素及视觉中心 4 服饰设计构思、主题及方法 4.1 主题灵感 4.2 设计构思 4.3 设计方法 4.4 系列拓展 4.5 时尚语言 参考文献

编辑推荐

《专业化妆师系列：服饰设计》就服饰设计的一般问题进行阐述和举证，是学习服饰设计的基础。为了使读者具有系统的设计理论知识，本书在前半部分介绍了服饰的定义和风格；后半部分介绍了服饰设计的具体理论，包括形式美原理、造型要素、设计方法和步骤，并进一步阐述如何进行系列设计。通过《专业化妆师系列：服饰设计》，读者能掌握服饰设计的一般方法，具有的设计能力，也可供服饰设计爱好者和专业人员参考。

文摘

3．2．4 比例 　　比例是整体与部分、部分与部分之间的数量关系，整体形式中一切有关数量的条件，如长短、大小、粗细、厚薄、浓淡、轻重等，在搭配恰当的原则下即能产生优美的视觉感受。任何一种比例的变化都会产生一股流行的潮流。比例的形式有很多，有名的是黄金比，即一线段与另一线段的比是1：1．618，是美的、视觉感觉舒适的比例关系。其他形式还包括等差级数、等比级数、调和级数等。等差级数是以一单位为基准，把它的二倍、三倍、四倍等求得的数值依次排列，即成等差系列的比例（如2、4、6、8），这种比例富于秩序的结构。等比级数是将前项以公比所得的数列（如2、32），这种形态的比例能产生强烈的变化。调和级数是以等级数为分母所得的数列（1／2、l／5），这种形态的比例较等差级数富于变化。服饰设计中，不仅包括领、袖、袋、分割和整体服饰，还包括服饰的各种装饰与整体服饰、服饰的上身与下身、内衣与外衣等的色彩材质比例。设计师靠修改比例实现不同的美，时尚也经常打破这些预期的规则来创造夸张的视觉效果。如图3．23中反映了短外套和及地连衣裙的比例。图3．24中上衣和下裙对等的比例，通过色彩的对比获得变化。 　　3．2．5 对比 　　个性差异大或相反的元素放置一起，通过比较，相异的特性更为突出。对比是调节服饰过于呆滞的有效方法，使之变得生动活泼或充满不安定感。服饰设计通过形态、色彩或质感的对比来制造强烈的视觉效果，需要注意把握量和度，否则会产生不协调的感觉。此外，对比因素过多会形成杂乱无章的效果。根据对比力度的强弱可形成渐变、变异、特殊等服饰造型形式。服饰设计中对比的应用广泛，包括色彩冷暖、深浅，质地厚薄、粗细、软硬、滑糙，整体造型和细部廓形等的对比。 　　如图3．25中灰色呢料和透明黑色薄纱进行材质对比，块面分割的感觉更加突出。图3．26中迷彩夹克和羽毛小短裙的风格对比，体现时下流行的混搭概念。 　　……

序言

1 服饰概论 1.1 服饰的概念 1.2 服饰设计的概念 1.3 服饰设计的定位和原则 1.4 影响服饰设计的相关因素 2 服饰设计风格 2.1 服饰风格的表现要素 2.2 文化历史背景 2.3 服饰设计的风格类别 3 服饰设计美学原理 3.1 审美角度 3.2 形式美原理 3.3 设计的造型元素及视觉中心 4 服饰设计构思、主题及方法 4.1 主题灵感 4.2 设计构思 4.3 设计方法 4.4 系列拓展 4.5 时尚语言 参考文献

时尚的演变与未来：一部探索服装设计核心理念的深度论著 图书名称： 时尚的演变与未来 ISBN： 9787313099945 内容概要： 《时尚的演变与未来》并非仅仅是一本关于服装制作技艺的教科书，它是一部宏大叙事，旨在剖析时尚产业跨越数百年历史的长河中，其背后的社会学、人类学、艺术史乃至技术革新的深刻动力。本书从最原始的蔽体需求出发，追溯至当代数字虚拟与可持续发展并重的复杂生态，系统性地梳理了服装设计从边缘走向主流文化中心的全过程，并对未来十年时尚图景进行了前瞻性的哲学思辨。 全书分为五个相互关联且层层递进的宏大篇章。 第一章：从功能到符号——服装的原初语境与古典美学（约300字） 本章深入探讨了人类服装的起源，着重分析了早期服饰如何从单纯的物理保护，逐步演化为阶级、权力、宗教信仰和身份认同的无声宣言。我们将细致考察古埃及、古希腊及罗马时期，服装结构与材料选择如何固化社会等级。 随后，重点转向中世纪至文艺复兴时期欧洲服饰的戏剧性转变。文艺复兴时期对人体美学的重新发现，如何催生出强调比例、结构与装饰性的古典审美体系？本章将通过对服饰剪影（Silhouette）的演变分析，展示不同历史时期，精英阶层如何通过服装的“可见性”来巩固其社会地位。例如，紧身胸衣的出现不仅是美学追求，更是对女性身体的一种社会约束和重塑。此外，本章还会涉猎东方丝绸之路沿线，中国、印度等地，服饰工艺与哲学思想的交融，强调全球视角下的早期服饰互动。 第二章：工业革命的冲击与现代性的诞生（约350字） 工业革命是时尚史上最具颠覆性的转折点。本章聚焦于19世纪中叶至20世纪初的变革。蒸汽动力与缝纫机的发明，彻底打破了手工定制的垄断，使得“成衣”（Ready-to-Wear）的概念得以萌芽。我们将分析这种生产方式的转变如何促进了中产阶级的崛起，并对服装的普及性和可获得性产生的影响。 设计层面，本章深入剖析了“新艺术运动”（Art Nouveau）和随后的“装饰艺术运动”（Art Deco）对服饰线条和几何构图的渗透。随后，焦点转向20世纪初期几位关键的颠覆者。保罗·波烈（Paul Poiret）如何解放女性身体，割断与紧身胸衣的联系？香奈儿（Chanel）如何将实用主义与奢华感相结合，创造出定义现代女性气质的风格？本章将通过对这些先驱者设计哲学的解读，阐明现代设计思维如何从模仿自然转向强调结构、功能与个人表达的统一。 第三章：战后繁荣与文化的反叛——风格的爆炸与多元化（约400字） 二战后的社会心理与经济复苏，催生了时尚史上最为绚烂多姿的“风格爆炸期”。本章将详细梳理50年代的“New Look”所代表的对回归精致女性化的渴望，以及随后60年代青春文化和反主流文化的兴起。 迷你裙的出现不仅仅是面料的减少，更是对父权社会和传统审美规范的彻底反叛。我们将分析青年亚文化，如摇滚乐、嬉皮士运动如何将街头风格（Street Style）提升至高级时装的殿堂。迪奥（Dior）、圣罗兰（Saint Laurent）、皮尔·卡丹（Pierre Cardin）等大师的作品，是如何在继承传统工艺的同时，又对社会现实做出即时回应的。 此外，本章还将探讨70年代的解构主义思潮，以及日本设计师（如川久保玲、山本耀司）如何通过模糊性别界限、挑战传统美感的“残缺美学”，对西方时尚界投下的深刻影响。这标志着时尚从单一的中心辐射，转变为多极并存的复杂网络。 第四章：全球化、品牌化与身体政治学（约300字） 进入80、90年代，时尚产业的商业逻辑发生了根本性的变化。本章着重分析了品牌（Branding）如何超越产品本身，成为一种生活方式的象征。奢侈品集团的整合，使得设计与市场营销的关联性空前紧密。 与此同时，本章聚焦于服装设计中日益凸显的“身体政治学”议题。服装作为一种工具，如何被用来探讨种族、性别、性取向和残障议题？从安特卫普六君子对材质和解构的极致探索，到麦昆（Alexander McQueen）作品中展现的黑暗浪漫主义，都反映了设计师们对社会潜意识和禁忌话题的深入挖掘。本章还将探讨90年代极简主义与“反时尚”思潮的交织，这是对前十年过度消费主义的一种集体性审视。 第五章：数字前沿与可持续的未来图景（约150字） 展望未来，本章将审视技术对服装设计流程和最终产品的颠覆性影响。3D打印、虚拟试穿技术，以及“元宇宙”中的数字时尚，正在重塑“拥有”和“穿着”的定义。 最后，本书以对可持续性和伦理采购的深刻反思收尾。在气候变化和资源枯竭的背景下，我们如何设计出既富有创意又对地球负责任的服装？本章探讨循环设计、升级再造（Upcycling）的潜力，以及供应链透明度对未来消费者决策的重要性。它提出了一个核心问题：在高度数字化的未来，服装的物质性与精神价值将如何重新平衡？ --- 本书特色： 本书结构宏大，论述严谨，融合了艺术史的深度分析与社会学的广阔视野。它不满足于描绘潮流的表层现象，而是深入挖掘每一件标志性服装背后的社会肌理与哲学内核。全书采用大量的案例分析，配以精确的时代背景描述，旨在为读者提供一个理解服装设计领域复杂性和动态性的全面框架。适合所有对时尚理论、设计历史、文化研究感兴趣的专业人士及爱好者阅读。

评分☆☆☆☆☆

说实话，最初我对这本厚厚的专业书籍有些畏惧，担心里面的内容会过于晦涩难懂，充斥着我这个“半路出家”的爱好者难以理解的术语。但实际阅读体验完全出乎我的意料。作者的叙事方式非常亲切自然，仿佛他正在和你一起坐在设计室里讨论项目。它用一种近乎于对话的语气，将复杂的服装结构知识拆解成一个个易于消化的模块。我最欣赏的是它对“失败案例分析”的处理，它没有避讳过去那些不成功的尝试，而是坦诚地剖析了问题所在，这比单纯展示成功作品更有教育意义。通过阅读这些失败的教训，我对自己设计中可能存在的盲点有了更清晰的认识，也明白了为什么有些看起来很美的设计在实际穿着时会显得笨拙。这本书极大地增强了我的自信心，让我敢于在设计中进行更大胆的尝试，因为它教会了我，每一次尝试都是通往成熟的必经之路。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本书的时候，我主要是冲着它关于“主题表达与系列概念构建”那一章去的。我总觉得，一件好的设计作品，其背后的故事和想要传达的情感，比单纯的视觉美感更为重要。这本书在这方面做得非常出色，它不是简单地告诉你“要讲故事”，而是手把手地教你如何从一个抽象的概念，一步步提炼出核心的视觉符号、色彩方案乃至面料选择的逻辑。我尤其喜欢它分析几位大师级设计师如何通过一系列作品来讲述一个宏大叙事的例子，那种思维的跳跃性和逻辑的严密性，对我启发极大。我感觉我的设计思维一下子被打开了一个新的维度，不再局限于“画得像”，而是开始思考“为什么这么画”。这本书更像是一位经验丰富、睿智的长者在耳边细语，引导你发现自己内心的表达欲。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计本身就是一件艺术品。纸张的质感非常高级，印刷色彩的还原度极高，尤其是那些展示复杂纹样和面料肌理的插图，细节丰富到令人惊叹。我是一个对视觉体验要求很高的人，很多设计书籍虽然内容扎实，但印刷质量粗糙，实在让人难以沉浸其中。而这本，即便是作为陈列品放在书架上，也显得格外有分量。阅读过程中，我发现作者对于色彩心理学的探讨也颇有见地，它没有使用生涩的学术术语，而是用服装的实际应用场景来解释不同颜色组合所能引发的观众情绪反应，这种实践导向的理论讲解方式非常实用。我尝试将书中的一些色彩搭配建议应用到我为朋友定制的服装上，收到的反馈简直是爆炸性的好评，验证了书本知识的有效性。

评分☆☆☆☆☆

这本关于服装设计的书，真的是让我眼前一亮。我一直对时尚领域抱有浓厚的兴趣，尤其是在设计环节，总觉得那里充满了无限的可能。这本书的排版非常考究，图文并茂，那种对于色彩和面料的细腻描述，简直让人仿佛能亲手触摸到那些布料的质感。它不仅仅是教你如何画出漂亮的草图，更深入地探讨了设计背后的文化和历史根源。我特别欣赏作者在介绍不同设计流派时所展现出的那种深厚的学术功底，每一个案例分析都引人入胜，让人忍不住一页接一页地读下去。它成功地将理论的严谨性与实践的灵活性完美地结合起来，无论是初学者还是有一定经验的设计师，都能从中汲取到宝贵的营养。比如，其中关于人体结构与服装廓形相互作用的章节，阐述得极其透彻，彻底颠覆了我之前一些比较表面的理解，让我开始真正从结构力学的角度去审视服装的构成。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我期待这本书能更侧重于当代高定时装领域的前沿技术和创新材料的应用，但这本书的侧重点似乎更加偏向于经典的设计原理和传统的手工艺传承。这并非是缺点，恰恰相反，它提供了一个非常坚实的基础框架。我从中学习到了很多关于服装制版和立体裁剪的精妙之处，特别是作者对于褶皱处理的详尽讲解，简直是教科书级别的范本。我尝试着根据书中的指示，在自己的小作坊里复刻了几个复杂的结构造型，成品的效果远超我的预期，那份成就感是无法用言语来形容的。不过，如果能在“可持续时尚”和“数字设计工具”这两个现代设计不可或缺的环节上增加一些篇幅和案例，那就更完美了，毕竟时代在发展，设计语言也在不断迭代更新。