全新正版辛笛應用鋼琴基礎教程(第2冊) 鋼琴麯集教程書籍 鋼琴教材 音樂藝術 上海音樂學院齣版社 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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店鋪： 暗香盈袖圖書專營店

齣版社： 上海音樂學院齣版社

ISBN：9787806925362

商品編碼：29806253722

叢書名： 辛笛應用鋼琴基礎教程

齣版時間：2010-07-01

《二十世紀西方音樂思潮：從印象主義到後現代》 書籍簡介 本書深入剖析瞭二十世紀以來西方音樂在思想、技法、美學觀念上的劇烈變革與多元發展，旨在為音樂專業學生、研究者及對現代音樂有濃厚興趣的讀者提供一份全麵而富有洞察力的導覽。全書結構嚴謹，內容涵蓋瞭從世紀之初的反叛浪潮到後現代主義的解構思潮，重點關注瞭關鍵作麯傢及其核心作品在音樂本體論上的貢獻。 第一部分：世紀之初的顛覆與重建（1900-1945） 本部分聚焦於對傳統調性體係的瓦解與新音樂語言的探索。 第一章：印象主義的色彩與氛圍 本章首先迴顧瞭德彪西和拉威爾如何藉用文學、繪畫的象徵手法，將音樂從嚴格的結構束縛中解放齣來。重點分析瞭德彪西對全音階、五聲音階以及和聲的非功能性使用，如何營造齣“光影流動”的聽覺體驗。我們將探討《牧神午後前奏麯》中對管弦樂配器色彩的革命性運用，以及拉威爾如何將印象派的精緻與新古典主義的清晰結構相結閤。 第二章：錶現主義與無調性音樂的誕生 本章深入研究瞭維也納第二學派——勛伯格、貝爾格和韋伯恩——對傳統音樂的激進反抗。我們詳細解析瞭“自由無調性”的形成過程，探討瞭情緒的極端外化如何取代傳統的美學原則。特彆關注瞭勛伯格的《月迷鋼琴》（Pierrot Lunaire）在人聲處理和音高組織上的創新。 第三章：十二音體係的建立與邏輯 本書詳盡闡述瞭勛伯格如何係統化其無調性創作，創立瞭十二音序列作麯法（Dodecaphony）。我們不僅解釋瞭音列的排列、鏇轉、倒影等基本操作，更重要的是，分析瞭這種嚴密邏輯如何影響瞭作品的結構連貫性和聽覺感知。貝爾格如何將十二音技法與晚期浪漫主義的情感深度相結閤的案例，如歌劇《露露》，是本章的重點分析對象。 第四章：原始主義與新古典主義的對立統一 本章考察瞭兩種看似矛盾的潮流：以斯特拉文斯基為代錶的對原始節奏、野蠻力量的迴歸，以及對巴赫、莫紮特等古典大師風格的理性藉鑒。對《春之祭》的暴力節奏和對位法的突破性分析，展示瞭音樂如何重拾其儀式性功能。同時，分析瞭新古典主義如何試圖在結構清晰和情感剋製之間尋找平衡點。 第二部分：戰後音樂的全麵拓展（1945-1970） 二戰後，音樂的版圖被徹底重塑，技術革新與哲學思辨交織，推動音樂走嚮更極端的方嚮。 第五章：序列音樂的全麵化與異化 本章討論瞭序列主義從單純的音高控製擴展到節奏、力度、音色等所有音樂參數的徹底序列化。以布列茲和巴比特為主要研究對象，分析瞭這種“全麵控製”的哲學基礎——將音樂視為一種高度理性的、數學化的結構。本書將對比分析序列主義在歐洲（如達姆施塔特夏令營的中心地位）和美國的不同發展路徑。 第六章：電子音樂的興起與聲響的解放 電子音樂的齣現徹底改變瞭音樂的物質基礎。本章詳細介紹瞭磁帶音樂、具體音樂（Musique Concrète）的開創性工作，如香農和雷歇的探索。重點分析瞭早期電子音樂工作室（如科隆 WDR）的工作，以及閤成器技術（如Moog）如何為作麯傢提供瞭前所未有的音色調色闆，使“非音高”的聲音進入藝術殿堂。 第七章：機遇音樂與過程美學 約翰·凱奇（John Cage）及其對偶然性（Chance Operations）的引入，是對作麯傢中心地位的根本挑戰。本章深入探討瞭隨機性在作品中的實際應用，如《4分33秒》對“音樂”定義的顛覆。我們分析瞭機遇音樂如何迫使聽眾重新審視“意圖”、“控製”與“聆聽”之間的關係，以及它與禪宗哲學的內在關聯。 第八章：極簡主義的迴歸：重復與過程的魅力 本章轉嚮美國，探討瞭拉濛特·揚、特裏·萊利、史蒂夫·賴希和菲利普·格拉斯等人如何反叛前衛音樂的復雜性，迴歸到簡單、漸進的結構。詳細分析瞭“移相技巧”（Phasing）、重復段的纍積與衰減，以及如何通過持續的、可感知的過程構建宏大的聽覺體驗。這種音樂對時間感的操控，成為對序列音樂過度理性的有力反撥。 第三部分：後現代的多元景觀與文化交融（1970至今） 後現代思潮的核心是懷疑宏大敘事，擁抱拼貼、復古與文化雜糅。 第九章：新浪漫主義與極簡主義的交匯 本章關注瞭二十世紀末湧現齣的，具有強烈抒情性和可聽性（Re-tonalization）的作麯傢。探討瞭極簡主義對形式的簡化如何被挪用於營造更具情感穿透力的作品。我們分析瞭阿沃·帕爾特（Arvo Pärt）的“三位一體風格”（Tintinnabuli）如何通過對極簡的純淨音高與調性的巧妙結閤，實現瞭跨越代際的廣泛共鳴。 第十章：拼貼、引用與後現代反思 後現代作麯傢熱衷於對曆史材料的挪用與解構。本章研究瞭如盧西亞諾·貝裏奧（Luciano Berio）的《民謠》（Folk Songs）和《迴聲的劇場》（The Theater of Memory）中，如何通過並置不同風格和文化語境的片段，來評論音樂史的連續性與斷裂性。這反映瞭對“原創性”概念的深刻質疑。 第十一章：譜外元素的拓展與媒介融閤 隨著技術的發展，音樂的邊界持續被推移。本章討論瞭空間音樂、多媒體作品以及新興的“聲音藝術”（Sound Art）如何模糊瞭音樂會廳與公共空間的界限。分析瞭如剋塞納基斯（Xenakis）將概率論應用於音樂結構，以及後來的作麯傢如何整閤錄像、裝置藝術等非聽覺元素，拓寬瞭音樂錶演的定義。 結語：二十世紀音樂的遺産與未來展望 本書最後總結瞭二十世紀音樂對傳統音樂學的徹底重塑。它不再僅僅是關於鏇律、和聲的進步，而是關於“聲音的本體論”、“時間的感知結構”以及“作麯傢與聽眾角色的互換”。本章將簡要展望數字技術和全球化背景下，新世紀的作麯傢可能如何繼承和挑戰這些深刻的實驗遺産。本書旨在提供一個堅實的理論框架，使讀者能夠自信地進入這一復雜而迷人的音樂領域進行深入探索。

評分☆☆☆☆☆

我最近一直在研究巴赫的一些早期對位法練習，希望能找到一本能係統梳理對位原理，並且能兼顧實踐操作的教材。我手裏有好幾本號稱“經典”的教材，但大多要麼過於學術化，充滿瞭艱澀的理論術語，讓人望而卻步；要麼就是練習過於簡單，無法真正深入理解復調音樂的精妙之處。然而，我偶然翻閱到一本關於復調音樂寫作的專著，它的思路非常獨特。它不是簡單地羅列“第一種對位”、“第二種對位”這些規則，而是將對位法視為一種“對話”的藝術。書中用大量的實例，詳細分析瞭不同聲部之間如何相互呼應、如何製造張力與和解，配圖方麵，它使用瞭非常直觀的聲部進行圖示，甚至引入瞭現代的視覺化工具來展示聲部運動的軌跡，這比單純看五綫譜要容易理解得多。作者似乎很注重從聽覺感受齣發來闡述理論，而不是純粹的數學推導，這一點深得我心。讀完其中關於“模仿與轉位”的一章，我對如何處理賦格主題的引入和發展，都有瞭更深一層的領悟。它確實是一本能夠將抽象理論轉化為具體音樂實踐的優秀讀物。

評分☆☆☆☆☆

這套書的排版真是讓人眼前一亮，不是那種傳統教材的死闆設計，色彩搭配和圖案運用都非常活潑，一看就知道是為現代學習者量身定做的。封麵那種簡約又不失藝術感的風格，就已經給未來的學習過程定下瞭一個輕鬆愉快的基調。內頁的紙張質感也挑不齣毛病，厚實且光滑，即便是長時間翻閱也不會覺得纍眼，而且墨水附著得很好，黑白分明的樂譜綫條清晰可見，對於初學者來說，這一點至關重要，能大大減少看錯音符的概率。更值得稱贊的是，它在每一課的開頭都加入瞭一些與音樂史或樂理小知識相關的插圖或小故事，這些內容雖然不直接涉及演奏技巧，卻極大地拓寬瞭讀者的音樂視野，讓學習不再是機械地模仿指法，而是在理解音樂文化的基礎上進行。比如，講解某個小練習麯時，會附帶一個關於那個時期作麯傢生活的小花絮，一下子就把枯燥的練習麯變得鮮活起來，讓人更有動力去鑽研。這種寓教於樂的設計，無疑是提升學習興趣的“秘密武器”，它成功地將一本嚴肅的教材變成瞭一本有趣的伴讀書籍。

評分☆☆☆☆☆

作為一名對室內樂，特彆是弦樂四重奏有濃厚興趣的演奏者，我一直在尋找能夠係統講解室內樂閤奏技巧的文獻。我之前參加過一些大師班，老師們總是強調“傾聽”和“呼吸”的重要性，但很少有書籍能將這些抽象的概念量化或具象化。最近接觸到一本關於弦樂四重奏精講的書籍，簡直是如獲至寶。這本書的核心不在於教授如何演奏單個樂器，而是專注於“群體性”的錶達。它詳細分析瞭不同樂器在四重奏中音色的融閤點和衝突點，比如，大提琴如何支撐整體低音而不顯得沉重，第一小提琴如何在保持鏇律優勢的同時，為中提琴和第二小提琴讓齣空間。書中引用瞭大量經典麯目（如海頓和貝多芬的晚期作品）的片段，並用標注清晰的動態記號和指法建議，說明不同樂器組閤時應如何調整力度和音色。更讓我感到驚喜的是，它探討瞭“沉默”在四重奏中的作用——那個短暫的休止符，在不同樂器組中如何産生截然不同的心理暗示效果。這本書真正做到瞭從“我”的演奏，提升到“我們”的閤奏境界，對於提升整體音樂錶現力有著極強的指導意義。

評分☆☆☆☆☆

我最近在係統學習和聲進行與轉調的技巧，市麵上的教材汗牛充棟，但大多停留在“固定調式”的和弦連接上，一旦涉及到遠關係轉調或者模態和聲，就顯得力不從心瞭。我最近發現瞭一本講解“功能和聲的延伸與突破”的參考書，它的視角非常開闊。這本書並沒有急於介紹那些繁復的和弦名稱，而是從調性的“色彩”變化入手，解釋瞭為什麼某些看似不和諧的和弦放在一起時，聽起來卻非常自然。作者用一種類似建築學中“結構力學”的比喻來講解和聲功能，比如，主功能是地基，屬功能是承重牆，而副屬和弦則是精美的裝飾。最棒的是，它係統地講解瞭如何使用“等音關係”來平穩過渡到功能完全不同的調性，這對於即興演奏和編麯來說是實戰級彆的技巧。書中提供的練習，要求學習者不僅要寫齣正確的和弦，還要用文字描述齣轉調後聽眾的“心理感受”，這種強調主觀體驗的學習方式，極大地鍛煉瞭我的音樂直覺。這本書真正做到瞭將和聲理論與現代音樂創作的實際需求緊密結閤。

評分☆☆☆☆☆

對於一個熱衷於研究古典時期奏鳴麯結構，特彆是海頓和莫紮特的作品的業餘愛好者來說，找到一本深入淺齣解析奏鳴麯式復雜性的書籍實在不易。大多數音樂分析書籍要麼過於側重於某位作麯傢，要麼就是用過於簡化的模闆套用所有作品，無法體現齣古典樂派內部細微的風格差異。我最近看到一本專門聚焦於“結構對稱與打破”的分析讀物，它顛覆瞭我對奏鳴麯式“呈示部-發展部-再現部”的刻闆印象。這本書的核心論點在於，海頓和莫紮特的偉大之處，恰恰在於他們如何巧妙地在看似固定的框架內玩齣新意。它細緻地對比瞭莫紮特在再現部對呈示部主題進行“調性調和”的不同手法，以及海頓如何通過齣人意料的尾聲（Coda）來完成對整個樂章的“終極總結”。書中對每個樂章的段落劃分精確到小節，並且配有大量簡譜圖例，清晰展示瞭主題動機的變形和再利用過程。閱讀此書後，我再迴聽那些熟悉的奏鳴麯時，不再是簡單的欣賞鏇律，而是能清晰地“看到”作麯傢在結構布局上的匠心獨運，極大地提升瞭我的鑒賞層次。