师范院校课本音乐第2册师范院校音乐教材编委会上海音乐出版社9787805534671 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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师范院校音乐教材编委会 著

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• 视唱练耳

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805534671

商品编码：29859845186

页数：195

图书基本信息
书名：	师范院校课本：音乐（第2册）（试用本）
丛书名：
作者/主编：	师范院校音乐教材编委会
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787805534671
出版年份：	2000年6月

版次：	第1版
总页数：	195页
开本：	16
图书定价：	32元
实际重量：	0.44kg
新旧程度：	正版全新

《国家教育部规划教材·师范院校课本:音乐(第2册)(试用本)》遵循“教育面向现代化，面向世界，面向未来”的战略思路，全面贯彻党的教育方针。通过音乐教学和音乐艺术形象的感染，激发学生学习音乐的兴趣和积极性；提高学生音乐文化的素质；陶冶学习的情操；培养学生正确的审美观和创新能力；让学生掌握从事小学教育所必需的音乐基础知识的基本技能。

 乐理、视唱、练耳（15课时）

课 
第二课 
第三课 
第四课 
第五课 
第六课 
第七课 
第八课 
第九课 
第十课 
第十一课 
第十二课 
第十三课 
第十四课 
第十五课 

声乐与指挥（20课时）
欣赏（10课时）
唱游（6课时）
小学音乐教材教法（4课时）

《国家教育部规划教材·师范院校课本·试用本：音乐2》的编写指导思想是：遵循“教育面向现代化，面向世界，面向未来”的战略思路，全面贯彻党的教育方针。通过音乐教学和音乐艺术形象的感染，激发学生学习音乐的兴趣和积极性；提高学生音乐文化的素质；陶冶学习的情操；培养学生正确的审美观和创新能力；让学生掌握从事小学教育所必需的音乐基础知识的基本技能。

　　《国家教育部规划教材·师范院校课本·试用本：音乐2》的编写特点是：
　　1、教材按分课时的形式，采取单元综合教学进行编写。既有各项内容纵向顺序，又有各项内容间的横向联系，将知识点、技能训练和各种能力培养有机地结合，相互渗透，争取在有限的教学时间内获得高的效益。
　　2、立足于学生的发展。教材中设有《思考与练习》，启发学生学会探索，通过听觉、演唱、演奏、指挥、创造、分析、评论等音乐实践活动，培养学生自学能力、创新能力，有益于学生的未来。
　　3、力求精简。教材注重思想性、艺术性和趣味性，并具有一定的可教性和可唱性。便于教师挖掘教材的内涵，充分发挥艺术的感染力，提高学生审美和创造美的能力。
　　4、重视职业培训。教材编写中有计划地渗透小学音乐教育观念和教学方法，让学生在学的过程中，随着自身音乐素质的提高，也能掌握音乐教育观念和小学音乐教学方法。

音乐的河流：从民间到古典的欧洲音乐之旅 内容提要： 本书旨在为音乐爱好者、初学者以及对西方音乐史有初步了解的读者，提供一份深入而详尽的欧洲音乐发展脉络导览。本书不侧重于特定教育阶段的教学要求或特定教材的体系架构，而是以时间为轴，以文化思潮为驱动力，勾勒出西方音乐自早期教会圣咏直至浪漫主义鼎盛时期的演变轨迹。我们将重点探讨音乐在不同历史时期所承载的社会功能、美学追求，以及关键人物如何以其创新之举，推动了音乐语言的变革。 第一部分：中世纪的静默与回响（约公元500年 – 1400年） 本部分将深入探讨西方音乐的“童年时期”。我们将从格里高利圣咏的单音音乐（Monophony）体系入手，分析其文本与旋律的结合方式，以及它如何在修道院的穹顶之下确立了西方音乐的早期规范。我们将考察尼乌玛（Neumes）记谱法的起源与发展，理解符号如何从简单的记忆辅助工具，逐渐演变为精确记录音高的工具，为后世复调音乐的诞生奠定基础。 随后，我们将进入早期复调（Polyphony）的探索。重点讨论巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的代表人物，如列奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）。他们如何从奥尔加农（Organum）的平行运动，发展出更复杂的、具有独立旋律线的对位技术。此外，世俗音乐的兴起也是本章的重点。游吟诗人（Troubadours）和行吟诗人（Trouvères）的作品，以其对爱情、骑士精神和自然景色的描绘，展现了音乐如何开始脱离纯粹的宗教樊篱，成为表达个人情感和社会风貌的载体。我们将分析中世纪晚期“新艺术”（Ars Nova）中，如纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）的音乐如何通过节奏的复杂化和对位手法的精进，预示着文艺复兴的到来。 第二部分：文艺复兴的和谐之光（约1400年 – 1600年） 文艺复兴时期，人文主义思潮渗透至音乐领域。本部分将聚焦于“人声的复兴”以及对和声的系统化理解。我们将详细剖析模仿复调（Imitative Polyphony）的成熟，特别是乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）如何运用精妙的织体处理，使不同声部间的对话既统一又独立。 本章将深入探讨弥撒曲（Mass）和经文歌（Motet）的范式发展，以及世俗音乐体裁的繁荣。法国香颂（Chanson）和意大利牧歌（Madrigal）的兴起，标志着音乐开始更直接地追求文本的情感表达，音乐家们尝试用音高和节奏来描绘诗歌中的具体意象，如呼吸、悲伤或欢笑。 此外，对早期键盘乐器和鲁特琴音乐的介绍，以及众赞歌（Chorale）在宗教改革中的核心作用，特别是马丁·路德音乐思想的阐释，将构成对这一时期音乐社会影响的全面考察。 第三部分：巴洛克时期的宏大叙事（约1600年 – 1750年） 巴洛克音乐是西方音乐史中“情感的戏剧化”阶段。本部分将从歌剧的诞生开始，探讨佛罗伦萨卡梅拉塔（Florentine Camerata）如何尝试复兴古希腊戏剧的理念，催生出“以歌唱表达情感”的新的音乐形式。蒙特威尔第（Monteverdi）的作品将作为这一转折点的关键案例进行分析。 我们将详细阐述巴洛克音乐语汇的构建：数字低音（Basso Continuo）的实践、大调/小调调性体系的最终确立、以及“情感理论”（Doctrine of Affections）如何指导音乐的结构和装饰。 本章的核心内容将围绕以下体裁的成熟展开：协奏曲（Concerto）的“竞奏”精神（以维瓦尔第为例）；赋格（Fugue）的逻辑严密性（以巴赫的对位艺术为代表）；以及清唱剧（Oratorio）和受难曲（Passion）中戏剧性叙事手法的运用。最后，我们将以巴赫和亨德尔的晚期作品作为巴洛克时代的辉煌句点。 第四部分：古典主义的清晰与平衡（约1750年 – 1820年） 古典主义是音乐从复杂精致转向清晰、自然和平衡的时代。本部分将分析启蒙运动哲学如何影响了音乐的美学倾向。我们将重点研究奏鸣曲式（Sonata Form）的规范化和标准化过程，理解其呈示部、发展部和再现部如何在结构上实现了动态的张力与解决。 海顿、莫扎特和贝多芬是本部分的中心人物。我们将通过分析海顿的交响曲和四重奏，理解奏鸣曲式在器乐套曲中的核心地位；通过莫扎特的歌剧和协奏曲，探讨旋律的完美比例与人性化情感的融合；而贝多芬则被视为古典主义的集大成者和向浪漫主义过渡的桥梁。我们将考察其晚期作品中，如何通过扩展规模、深化情感冲突和打破既有形式，为下一代音乐家指明了方向。 第五部分：浪漫主义的激情与个性解放（约1820年 – 1900年） 浪漫主义音乐的核心在于个体情感的无限扩张和想象力的自由驰骋。本部分将探讨这一时期音乐家如何将个人生活、文学叙事和民族精神融入创作。 我们将深入分析艺术歌曲（Lied）在舒伯特手中如何与诗歌达到“天人合一”的境界，以及舒曼对内心世界的深刻挖掘。管弦乐队的规模空前扩大，交响诗（Symphonic Poem）作为一种全新的叙事性器乐体裁出现，代表着对传统交响曲的挑战。 本章还将关注钢琴音乐的黄金时代，肖邦和李斯特如何挖掘钢琴的音色潜力，创造出技术与表现力并重的作品。同时，民族乐派的兴起，如德沃夏克和斯美塔那，将展示音乐如何成为确认国家文化身份的有力工具。 本书的论述旨在展现，每一部音乐作品都是其时代精神的产物，是技术革新、社会思潮与个人天才交汇的独特结晶。通过对这些历史阶段的细致梳理，读者将能构建起一个连贯、立体的欧洲音乐历史图景。

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这本书的装帧和印刷质量，虽然是那个时代的产物，但其耐用度令人称奇。我手上的这本，经历了几代人的翻阅和使用，边缘已经磨损，但内页的字迹依然清晰可辨，这说明它在材料选择上就考虑到了教材的长期使用价值。它不是那种“一次性”或“快餐式”的读物，而是旨在成为陪伴学习者多年的工具书。每当翻到那些被反复勾画、标记的页码，我总能想象到昔日那些充满朝气的师范生们，是如何在这里认真地学习、标记、思考。这种“被使用”的痕迹，反而为这本教材增添了无形的价值——它承载了太多人的汗水和对未来教育事业的憧憬。它不仅仅是一本教材，更像是一代音乐教育工作者的“精神资产”的载体。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲实在是太有时代特色了，充满了那个时期对“美”的独特诠释。我尤其欣赏其中对声乐作品的处理，那些经典的合唱曲目，旋律线条流畅自然，和声进行既符合古典规范又不失亲切感。很多歌曲的主题都紧扣着积极向上的精神面貌，旋律朗朗上口，即便是没有经过专业训练的人也能很快哼唱下来，这对于普及音乐教育来说至关重要。我尝试着跟着书上的提示，用钢琴伴奏试奏了几段，发现它的伴奏部分处理得非常巧妙，既能支撑起主旋律，又不会显得过于复杂冗余，非常适合师范生在有限的排练时间内快速掌握歌曲精髓。这套教材在技术要求上把握得非常好，它不会一开始就设置难以逾越的障碍，而是循序渐进，确保每一位未来的教师都能有能力将这些基础知识和曲目，以最恰当的方式传授给他们的学生。

评分☆☆☆☆☆

让我印象深刻的是它对传统音乐元素的尊重与融合。在这本教材里，我看到了对民族音乐资源非常谨慎和精妙的运用。它不像后来的教材那样，简单地将民歌“西化”或“标准化”，而是保留了许多原汁原味的韵味和特有的调式色彩。例如，在处理一些带有五声音阶特征的旋律时，编者并没有急于用严格的西方调性体系去“修正”它，而是巧妙地利用和声的色彩变化来烘托这种异域风情，这对于培养学生的文化包容性和对本土音乐的珍视是极其重要的。这种处理方式，体现了那个时代教育工作者对中华优秀传统文化的深刻理解和高度的文化自觉。阅读这些曲目，仿佛是进行了一次音乐史的回溯，感受到了不同音乐语汇之间的碰撞与和谐。

评分☆☆☆☆☆

作为一本面向师范院校的教材，这本书在“教学法”层面的思考是其最大的亮点之一，尽管它并没有直接冠以“教学法”的名头。它不是一本单纯的曲集，更像是一部“如何教授音乐”的范本。比如，在讲解某个复调练习时，教材会非常细致地标注出不同声部的进入时机和力度对比要求，这实际上是在潜移默化地教会使用者如何去指导一个合唱团或小组合作。它的理论插图和范例分析，都是从教学实践出发的，比如如何分解一个复杂的节奏型以便于初学者理解，如何通过对比两个不同调性的乐句来帮助学生分辨色彩差异。这种“示范性”的编排，使得使用者在学习音乐技能的同时，也在同步构建自己的音乐教学框架。翻阅起来，总能感觉到编者深知未来教育者的不易，力求将所有知识点都做到“即学即用”。

评分☆☆☆☆☆

这本厚重的乐谱集，拿到手里就有一种扎实的年代感。封面设计朴实无华，黑白分明的字体透着那个时代特有的严谨和对教育的敬畏。我记得小时候学琴，总觉得这些教材是神圣不可侵犯的知识宝库。翻开内页，纸张微微泛黄，油墨的清香混合着旧书特有的味道扑面而来，瞬间把我拉回了那个需要刻苦练习的琴房。教材的编排逻辑非常清晰，从基础的音阶练习到和弦的分解，再到简单的复调练习，每一步都像是精心铺设的阶梯，引导着初学者稳扎稳打地向上攀登。尤其是一些早期民间乐曲的改编，那种质朴而真挚的情感，透过简单的五线谱也能清晰地感受到，比起现在很多追求花哨技巧的教程，这种注重“根基”的教学方式，更能培养一个音乐学习者真正的乐感和对音乐本体的理解。这套书不仅仅是教你如何演奏，更是在塑造你对音乐的审美观和职业素养。