正版图书中国传统人物装饰设计原理-中国传统艺术设计丛书 9787102047133 人民 pdf epub mobi txt 电子书下载 2025

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郑军著

图书标签:

中国传统艺术
人物装饰
设计原理
艺术设计
中国文化
装饰设计
绘画
传统纹样
人民美术出版社
9787102047133

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店铺：悟元图书专营店

出版社：人民美术出版社

ISBN：9787102047133

商品编码：30069505587

包装：平装

出版时间：2010-01-01

具体描述

基本信息

书名：中国传统人物装饰设计原理-中国传统艺术设计丛书

定价：21.00元

作者：郑军

出版社：人民美术出版社

出版日期：2010-01-01

ISBN：9787102047133

字数：

页码：198

版次：1

装帧：平装

开本：32开

商品重量：0.259kg

编辑推荐

内容提要

中国的人物装饰设计历史悠久，并以其独特的文化内涵和艺术风格闻名于世界。首先是史前的人面岩画，这些数千年来终日在阳光之下，绘于岩表之上的岩画，是人类头一等级的艺术品。另外，1973年在青海大通县孙家寨发现的新石器时代的舞蹈纹彩陶盆中的纹样，也是我国发现的早期装饰人物之一。
　　盆口内壁绘有三组舞蹈纹饰带，每组5人手牵手呈集体舞蹈状。战国时期，由于金属冶炼技术的出现，带来了青铜艺术装饰纹样的创新，《宴乐铜壶》和《水陆攻战图》中就有很突出的装饰人物画。这些纹饰将采桑、狩猎、争战和舞乐等有机地组织在几段饰带里，以合理的穿插取得了极强的装饰效果。秦汉时期的画像石、画像砖及瓦当，原本是建筑材料，由于上面饰有大量的表现民间市井、收割、耕种、制盐、出巡、宴乐等方面的形象，也对后世的人物创作产生了巨大影响。

前言
章绪论
节装饰设计研究的现状
第二节装饰设计研究的目的

第二章装饰设计的起源
节从象形文字谈起
第二节装饰的功能
第三节装饰设计的起源与图腾崇拜
第四节装饰设计的起源与巫术
第五节装饰设计的起源与自然崇拜
第六节装饰设计的起源与生殖崇拜

第三章人物装饰设计法则
节人物装饰设计的目的
第二节人物装饰设计的美感因素
第三节人物装饰设计的构图法则
第四节人物装饰设计的方法
第五节人物装饰设计的具象与抽象表现
第六节人物装饰设计的气韵与意境

第四章人物装饰设计的发展演变
节原始社会的人物装饰
第二节商周时期的人物装饰
第三节春秋战国时期的人物装饰
第四节秦汉时期的人物装饰
第五节魏晋南北朝时期的人物装饰
第六节隋唐时期的人物装饰
第七节五代及宋代的人物装饰
第八节辽金元时期的人物装饰
第九节明清时期的人物装饰
附：主要参考书目

作者介绍

文摘

四、木雕人物
战国时期的俑以木俑为多，湖南长沙、湘乡，河南信阳，湖北江陵等地多有出土。这些木俑包括男女侍从、武士、文吏、伎乐及镇墓兽等，有全身像和半身像，有坐有站。在艺术处理上，以面部刻画为主，躯体姿态极为简练。服饰衣纹以彩绘表现为主，口、眉、眼等重要部位利用绘画的手段涂染勾描。另外，作为随葬明器的雕塑品也很多，如河南信阳出土的彩漆木雕双凤双虎鼓架、湖北江陵出土的彩漆木雕鸟兽座屏等，都是雕绘技艺精巧之作。
五、帛画人物
属于晚周战国时期的帛画，现已发现的有三件：一是楚帛书，二是人物龙凤帛画，三是人物御龙帛画。三图先后出土于湖南长沙，当时地属楚国，所以也被称为楚墓帛画。
《人物龙凤图》帛画，高31.2厘米，宽。23.2厘米，现藏湖南省博物馆。该画画一女子立于新月形物上，女子发髻后垂，双手作合掌状，身着长袍，博袖长裾，上饰云气纹。女子左上方画有一龙一凤：龙无角，作直上状；凤有冠，作探爪攫拿状。龙与凤，有显而易见的争斗状，似有祈求善而美的凤战胜恶而丑的龙，保护墓主在冥府平安生活之意。中国古代时期，凤象征善，龙（夔）象征恶，龙凤相斗，就是善恶之争。
该帛画以白描为主，个别部分也有平涂的。它是现实主义的表现手法，虽有原始绘画追求形象的完整，所画各物互不相遮及不甚讲究比例的特点，但比铜器上的刻纹和漆器上的彩绘有显著进步。

序言

好的，这是一本关于中国传统艺术设计领域，但内容与您提供的书名《正版图书中国传统人物装饰设计原理-中国传统艺术设计丛书 9787102047133 人民》完全不同的图书简介。 --- 《丝绸之路的色彩密码：古代纺织品染色与纹样研究》作者：王素芳出版社：华夏文史出版社 ISBN： 9787508088912 页数： 480页开本： 16开 --- 内容简介本书深入剖析了自先秦至明清时期，中国古代纺织品在染色技术、天然染料应用以及装饰纹样演变中所蕴含的文化密码与技术精髓。重点聚焦于丝绸、麻布、棉布等主要载体在不同历史阶段的色彩体系构建，及其与社会制度、宗教信仰、地域文化之间的复杂关联。第一部分：源起与技术革新——天然染料的智慧本书的开篇追溯了中国古代纺织染色技术的萌芽阶段，详述了早期利用矿物、植物和昆虫提取色彩的方法。 1. 早期矿物色料的运用与局限：探讨了朱砂（汞）、铅白（铅化合物）等矿物在早期丝织品（如马王堆汉墓出土文物）中的应用情况，分析了其固色难度与保存现状。着重对比了天然矿物色料与后世草木染色的技术差异。 2. 核心植物染料体系的建立：详细介绍了中国传统染色技术中的“四大金刚”——靛蓝（蓼蓝/板蓝根）、茜草（茜根）、栀子（栀子果）和五倍子/苏木。靛青的深度解析：不仅仅停留在“蓝”的层面，而是深入探讨了“蓝草发酵制靛”的复杂微生物过程，记录了不同地区（如江南、中原）在发酵时间、碱性调节（草木灰/石灰水）上的细微差别，如何影响最终的色相（从深蓝、藏青到孔雀蓝）。红色谱系的构建：详细对比了茜草（提供稳定的朱红、铁锈红）和苏木（提供紫红、酒红）在丝绸与麻布上的亲和性差异，以及如何通过媒染剂（如明矾、铁盐）来调控色相的冷暖倾向，并介绍了历史上对“绛”色（高贵之色）的严格界定。黄色与紫色的精妙控制：介绍了槐花、柘树（黄栌）在获取稳定黄色中的作用，以及紫草根在实现罕见、高成本的紫色染料中的地位，尤其是唐宋时期对紫色织物的等级限制。 3. 媒染剂与固色原理：阐述了媒染技术在古代染色中的核心地位。系统梳理了酸性、碱性、金属盐（明矾、铁矾、胆矾）对纤维素和蛋白质纤维的化学影响，并首次将古代文献中记载的“煮练”“浸渍”等工序，置于现代化学固色的原理框架下进行解读。第二部分：纹样符号的语义学——装饰图案的演变与功能本部分将古代纺织品上的装饰纹样视为一种非语言的书写系统，探讨其从自然意象到抽象符号的演化过程，并结合社会阶层、礼制要求进行解读。 1. 早期纹样的图腾性与象征意义：分析了商周时期青铜器纹饰向丝织品转移的现象，重点研究了“饕餮纹”“雷纹”在早期服饰织造中的简化与抽象化过程。探讨了这些纹样如何作为“巫术性”的保护符号存在。 2. 汉唐时期外来影响与本土融合：详尽考察了汉代“联珠纹”、唐代“宝相花”、以及受西域风格影响的“忍冬纹”的传入、本土化改造与程式化过程。 “联珠纹”的结构分析：研究了唐代陵墓壁画和出土丝绸中的联珠纹，其内部填充的动物（狮子、对兽）与几何图案的布局规律，揭示了“团圆”与“秩序”的审美取向。色彩与纹样的对应关系：考察了唐代“六彩”制度下，特定图案（如云气纹、水波纹）与织物品种（如绫、罗、绢）之间的固定搭配模式。 3. 宋代文人化与自然主义的回归：探讨了宋代审美取向如何影响纺织设计。重点分析了宋锦、缂丝中对花鸟、折枝花卉、写实山水图案的偏爱，强调了“雅致”与“含蓄”的特征，对比了宋代图案的精细度与唐代的华丽感之间的根本差异。 4. 明清的等级制度与工艺集大成：梳理了明清两代皇家织造局（如南京织造）对纹样设计的垄断与规范。龙凤纹的定制化：详细区分了皇帝、皇后的龙纹（五爪、升龙、行龙）与诸王命妇的纹饰规范，及其在不同部位（衣襟、下摆、袖口）的排列方式。 “岁朝吉庆”纹样群：研究了清代服饰中大量出现的寓意吉祥的纹样组合（如蝙蝠、寿桃、牡丹等），分析其在特定节日（如新年、婚庆）中的使用频率和色彩禁忌。第三部分：地域性与跨文化交流本部分将视角投向非中原地区的纺织传统，特别关注了西南少数民族的扎染、蜡染技术，以及丝绸之路沿线的技术交流。 1. 西南地区的植物染色遗产：记录了西南少数民族（如苗族、彝族）在天然植物染色中对红土（富含铁分）作为媒染剂的独特应用，以及他们独特的“螺蛳壳染黑”工艺，展示了与中原官府体系截然不同的染色哲学。 2. 丝绸之路上的色彩密码互译：通过对敦煌壁画、新疆出土纺织品的分析，研究了拜占庭风格的几何图案、印度系的佩斯利花纹如何被中原工匠吸收和转化，尤其关注了胡椒、番红花等异域香料在染料贸易中的间接影响。结语：本书最后总结了中国古代纺织艺术在色彩、纹样、工艺上的高度集成性，指出其不仅是物质文明的体现，更是承载了中国古代哲学思想、等级秩序和审美理想的活态史料。本书配有大量高清文物图版、染色配方图表与纹样结构分析图，是研究中国古代服饰史、工艺美术史及染整技术的专业参考读物。

用户评价

评分☆☆☆☆☆

从实用性角度来看，这本书的检索系统做得相当出色。虽然内容宏大，但通过清晰的目录结构和专业的索引，我总能迅速定位到我需要的特定时期或特定器物上的装饰风格。例如，当我需要快速对比明清两代官员补子上龙纹的细微差别时，翻阅起来毫无滞涩感。它不像有些学术著作那样，将所有信息压缩在一个巨大的文本块中，而是巧妙地运用图表和对比矩阵来梳理复杂的知识点。这种结构化的呈现方式，极大地提高了学习效率和知识吸收率。对于需要参考大量古代形象资料的设计师或研究者而言，它不仅仅是一本读物，更是一个组织良好、随时待命的专业数据库，极大地节省了我在浩瀚的历史资料中搜寻碎片信息的时间。

评分☆☆☆☆☆

这本书的印刷质量和图文排版，简直是为专业学习者量身定制的范本。色彩的还原度非常高，无论是唐代的绚烂金彩，还是宋代的素雅淡墨，在铜版纸上都表现得淋漓尽致，丝毫没有出现失真或偏色的情况。更值得称赞的是它对图注和图例的编排。通常涉及复杂结构或多层装饰的图像，作者都会使用清晰的指示线和放大局部图进行标记，使得那些原本容易混淆的细节（比如特定发髻的结构层次、官服上特定纹样的寓意）能够被清晰地辨识和记忆。这种精细到像素级的处理，对于需要进行临摹或二次创作的读者来说，简直是如虎添翼。我不得不承认，很多时候，我只是在欣赏那些高清的图版，就已经获得了极大的审美愉悦，这充分体现了“设计”作为一门视觉艺术的魅力。

评分☆☆☆☆☆

我带着一种探索古老智慧的心态翻开了这本书，结果发现它远不止于对传统元素符号的简单罗列和归档。它更像是一本方法论的指南，教导我们如何将那些看似遥远的古典元素，重新激活并融入到现代设计语境中。书中对“神似重于形似”的探讨，给了我极大的启发。它引导我们去理解装饰背后的精神内涵——人与自然的关系、等级制度的表达、以及理想化的人格塑造。这种深层次的解读，帮助我跳出了单纯模仿线条和色彩的浅层误区。当我尝试进行自己的设计构思时，我不再是简单地复制一个飞天造型，而是会思考：在当代语境下，如何用现代的材料和手法去传达那种“超然物外”的东方神韵？这种从“术”到“道”的跨越，是这本书最宝贵的财富。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书的内容结构感到非常惊喜，它没有采用那种平铺直叙、枯燥乏味的理论堆砌方式。作者显然是花了大量心思去梳理和构建一个逻辑自洽的知识体系。开篇并非直接抛出晦涩难懂的术语，而是从宏观的历史背景和哲学思想入手，像剥洋葱一样，层层递进地揭示了中国传统人物装饰背后的文化密码。我发现，书中对于“气韵生动”等抽象概念的阐释，往往会辅以大量的古代壁画、雕塑或服饰的局部特写进行对比分析，这种“以物证理”的手法极其有效，极大地降低了理解门槛。特别是关于不同朝代人物造型的演变轨迹，它不仅展示了“是什么”，更深入探讨了“为什么会这样变”，将艺术与当时的社会思潮、审美变迁紧密地联系起来，读起来酣畅淋漓，仿佛与一位渊博的学者面对面探讨，收获远超预期。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是视觉上的享受，那种沉甸甸的质感，翻开书页时散发出的油墨香气，立刻就将我带入了一种庄重而又充满敬意的学习氛围中。封面那种留白的处理，以及字体排版的考究，就已经预示了内页内容的深度与广度。我尤其欣赏它在细节上的坚持，比如章节之间的过渡页，采用了与主题高度契合的传统纹样作为底纹，既不喧宾夺主，又巧妙地起到了划分区域的作用。这不仅仅是一本工具书或理论教材，更像是一件精心制作的工艺品。每次翻阅，都能感受到设计者对“传统”二字所抱持的敬畏之心。那种对细节的执着，让人不禁联想到古代匠人一丝不苟的工匠精神，从侧面烘托出此书所蕴含知识的宝贵性。它让我意识到，好的设计，首先必须在物理形态上就先声夺人，以其自身的品质来赢得读者的尊重，为接下来的知识吸收铺设了一条平坦而优雅的道路。