波斯和伊斯兰美术 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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罗世平，齐东方 著

图书标签:

• 波斯美术
• 伊斯兰美术
• 艺术史
• 美术史
• 装饰艺术
• 伊斯兰文化
• 波斯文化
• 手工艺
• 绘画
• 书法

出版社： 中国人民大学出版社

ISBN：9787300119373

版次：1

商品编码：10075844

包装：平装

丛书名： 世界美术通史

开本：16开

出版时间：2010-06-01

用纸：铜版纸

页数：288

字数：143000

正文语种：中文

内容简介

　　西亚中部、中亚这块土地上，曾先后居住过众多的民族，又是连通欧亚大陆的交通要道，诞生于此的波斯艺术明显表现出各民族文化相互交流和融合的多样化特征，具有特殊的魅力和生命力。其后，吸取了东西方不同艺术传统而形成的伊斯兰艺术亦具有在美学上的独特价值，是人类艺术宝库中的一朵奇葩。《波斯和伊斯兰美术》一部分波斯美术由齐东方撰稿，第二部分伊斯兰美术由罗世平撰稿。

作者简介

　　罗世平，文学博士，现为中央美术学院中国美术史教授、中国美术家协会会员。曾主持和参与国内外多项学术合作项目，任中美合作研究项目“汉唐之间：文化交流与互动”中方美术史主持人，《中国美术百科全书-雕塑卷》主编，《中国大百科全书》第二版美术学科“中国美术分支”主编，《中国美术分类全集·寺观壁画-唐宋卷》主编，《中国美术分类全集-墓室壁画·隋唐卷》主编。学术著作有《中国宗教美术史》（合著）、《四川唐宋佛教造像的图像学研究》、《古代壁画墓》等多种。
　　齐东方，1956年出生于辽宁省昌图县。1984年北京大学考古系毕业，获硕士学位，1992年获博士学位。现任北京大学考古文博学院教授，博士生导师。主要从事汉唐时期的考古、历史、文物、美术的教学与研究，出版学术专著《唐代金银器研究》等四部，发表各种论著百余篇，主要包括吐谷浑余部历史的研究、三国至隋唐时期墓葬制度的研究、中国古代金银器研究、古代马具的研究、古代玻璃器研究、丝绸之路考古研究。获研究优秀成果奖等多项奖励。参加和主持过在新疆、青海、日本山形等地的考古调查和发掘。

内页插图

精彩书评

　　他在创造中增加他所欲增加的。
　　——《古兰经》

目录

第一部 波斯美术
第一章 总论

第二章 伊朗高原的早期美术
第1节 彩绘陶器之美
第2节 埃兰王国的美术
第3节 洛雷斯坦青铜器
第4节 马尔利克文化
第5节 吉威耶遗宝

第三章 阿契美尼德王朝美术
第1节 建筑
第2节 雕刻

第四章 帕提亚美术
第1节 建筑
第2节 雕刻
第3节 工艺

第五章 萨珊王朝美术
第1节 建筑
第2节 雕刻
第3节 工艺

第六章 中亚地区的美术
第1节 早期人类和彩陶文化
第2节 草原地区的动物艺术
第3节 巴克特利亚美术

第七章 贵霜帝国和口厌哒的美术

第八章 粟特美术
第二部 伊斯兰美术
第一章 总论

第二章 初传期的伊斯兰美术
第1节 清真寺的起源
第2节 早期的清真寺

第三章 倭马亚王朝的美术
第1节 倭马亚王朝的建筑典范
第2节 绘画
第5节 书法

第四章 阿拔斯王朝的美术
第1节 阿拔斯王朝的建筑风格
第2节 西班牙与北非小王朝的美术
第5节 东方的伊斯兰建筑
第4节 雕塑与绘画
第5节 书法
第6节 工艺美术

第五章 奥斯曼帝国时期的美术
第1节 土耳其的宗教建筑
第2节 埃及马穆鲁克王朝的建筑艺术
第5节 印度莫卧儿王朝的穆斯林建筑
第4节 宫殿建筑
第5节 萨法维王朝的细密画
第6节 书法
图版目录

精彩书摘

　　最初的农耕文化的本质特征之一，就是与土地相依存，靠种植农作物过上定居生活，繁衍子孙。人的生存离不开土地，那些看起来极为平常的泥土，给人类文明带来了曙光。伊朗高原最早的美术作品，便是那些用泥土制作的陶器。人们醉心于美化陶器的表面，把对生活中具体形象的感知变为复杂抽象的概念和表现形式，精心地装饰在器物上。于是，以几何与动物为主线的纹样，始终贯穿着几千年的彩陶艺术，表现出没有争斗、赞美自然的温顺情感，牧歌式的气氛反映了农耕文化的和谐。尽管我们还不能进一步解释彩陶上的纹样的深层内涵，但可以肯定不仅是对美的追求，也是当时人们信仰和意识的反映。
　　彩陶艺术，确立了伊朗美术工艺的基础。虽然在以美索不达米哑为中心的两河流域也发现了彩陶，但缺乏可与苏萨、希阿尔克相提并论的动物意匠纹样，这也正是伊朗高原彩绘陶器的独特意义。

前言/序言

西方艺术史纲要：从史前洞穴到现代抽象 图书简介 本书旨在为广大艺术爱好者、学生及研究者提供一部全面而深入的西方艺术史通览。它并非对既有宏大叙事的简单重复，而是力求以清晰的脉络和精妙的分析，勾勒出西方艺术自史前起源直至二十世纪末的演变轨迹。我们相信，艺术史的学习不应止于对“名作”的罗列和“风格”的标签化，而应着重于理解艺术在特定历史、社会、哲学语境下的生成逻辑、功能转变及其技术革新。 本书的结构遵循时间顺序，共划分为十二个主要部分，每一部分都聚焦于一个关键的艺术发展阶段，并辅以深入的案例分析。 --- 第一部分：艺术的黎明——史前与古代近东（约公元前 40000 年 – 公元前 500 年） 本章追溯人类最早的创造性表达。我们将从法国和西班牙的拉斯科（Lascaux）和阿尔塔米拉（Altamira）洞穴壁画入手，探讨这些早期图像的巫术、象征意义及其对动物形态的原始捕捉能力。随后，视角转向美索不达米亚文明，重点剖析苏美尔、阿卡德、巴比伦和亚述的城市规划、神庙（如金字形神塔）的建筑特征，以及浮雕艺术（如《乌尔军旗》和《汉谟拉比法典》石碑）所承载的王权神授与战争叙事。我们还将比较埃及文明对永恒性的追求，分析金字塔的几何学基础、神庙的轴线布局，以及壁画和雕塑中严格的“正面律”如何服务于宗教和来世信仰体系。 第二部分：光辉的摇篮——古希腊艺术的理想与形式（约公元前 800 年 – 公元前 146 年） 本部分深入探究古希腊文明对西方美学思想的奠基性贡献。从早期的几何风格陶器，到进入古典时期的“黄金比例”的追求，我们详细分析了建筑三柱式（多立克、爱奥尼亚、科林斯）的结构美学。在雕塑方面，我们沿着阿尔凯伊斯（Archaic）的“僵硬”造型，步入波留克列特斯（Polykleitos）确立的“定型”（Canon）体系，探究《掷铁饼者》中对理想人体动态的数学化表达。接着，探讨希腊化时期艺术如何转向对戏剧性、情感张力和异域风情的关注，从完美的理想主义走向更富人性的表达，如《萨莫色雷斯的胜利女神》。 第三部分：实用与宏伟——古罗马的工程与肖像（约公元前 500 年 – 公元 476 年） 罗马艺术是对希腊的继承与“实用化”的革新。本章重点关注罗马人在工程技术上的突破，特别是对拱券、穹顶和混凝土的应用，分析万神殿（Pantheon）的结构逻辑及其对后世建筑的深远影响。在雕塑和绘画方面，罗马人继承了希腊的理想化手法，但更侧重于写实的肖像传统（如共和国时期的“老态肖像”）和历史叙事（如图拉真纪功柱上的螺旋式叙事）。我们也考察了庞贝和赫库兰尼姆的壁画，以了解罗马世俗生活的色彩运用和装饰趣味。 第四部分：信仰的转型——早期基督教与拜占庭艺术（约 200 年 – 1453 年） 随着基督教的兴起，艺术的重心从描绘现世的完美身体转向探索神圣的彼岸世界。本部分首先考察早期基督教在地下墓穴（Catacombs）中使用的象征性符号。随后，我们将目光投向东罗马帝国，重点分析拜占庭艺术的特征：对平面化、程式化的坚持，对黄金背景的偏爱，以及圣像（Icons）在宗教仪式中的核心地位。君士坦丁堡的圣索菲亚大教堂（Hagia Sophia）将作为建筑艺术的典范，展示中央穹顶结构与光线在神圣空间营造中的作用。 第五部分：信仰的堡垒——中世纪的罗马式与哥特式（约 1000 年 – 1400 年） 中世纪的艺术被教会完全主导。本章首先分析罗马式艺术（Romanesque）的特点：厚重的墙体、半圆形拱券和对朝圣路线的支持，这些在法国克吕尼修道院和西班牙圣地亚哥-德孔波斯特拉大教堂中体现得淋漓尽致。随后，哥特式艺术（Gothic）的兴起标志着对光线和垂直性的追求：肋拱、飞扶壁和尖拱的创新如何使得建筑可以建得更高、更轻盈，并用巨大的彩色玻璃窗取代了厚重的墙壁，将教堂内部变成一个“天堂的缩影”。同时，我们也考察了手抄本插画和雕塑在传达教义和塑造“情感化”圣像方面的作用。 第六部分：文艺复兴的觉醒——早期与盛期文艺复兴（约 1400 年 – 1520 年） 文艺复兴是西方艺术史上的一个关键转折点，标志着“人”和“理性”的回归。本章详细探讨了对古典主义的重新发现，特别是透视法（线性透视）的发明，及其在马萨乔（Masaccio）和皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）作品中的应用。佛罗伦萨作为中心，我们分析了多那太罗（Donatello）对古典裸体雕塑的复兴，以及波提切利（Botticelli）对古典神话和人文主义哲学的结合。盛期文艺复兴的核心部分，将集中分析达芬奇对科学观察与艺术融合的实践，米开朗基罗对人体雕塑力量的极致表达，以及拉斐尔在和谐构图上的典范成就。 第七部分：古典的瓦解与情感的张力——风格主义与巴洛克（约 1520 年 – 1750 年） 在盛期文艺复兴的完美达到顶峰后，艺术开始转向更复杂、更具戏剧性的表达。风格主义（Mannerism）表现出对拉斐尔式和谐的故意扭曲，体现在狭长的人体比例和不稳定的构图上。随后，巴洛克（Baroque）艺术作为反宗教改革的视觉武器，追求强烈的运动感、戏剧性的光影对比（明暗对照法，Chiaroscuro）和直接的情感冲击。卡拉瓦乔（Caravaggio）的现实主义、贝尔尼尼（Bernini）在雕塑中捕捉瞬间的动态，以及鲁本斯（Rubens）丰沛的色彩和生命力，都将是本章的重点。 第八部分：理性与感性——古典主义与洛可可（约 1600 年 – 1789 年） 本部分探讨两种看似对立但又相互影响的风格。洛可可（Rococo）以法国贵族沙龙为中心，强调轻盈、亲密、愉悦的主题，使用柔和的色彩和复杂的曲线装饰。与之相对的是新古典主义（Neoclassicism），它在启蒙运动的影响下，重新回归古希腊和罗马的秩序、清晰和道德崇高感，这在雅克-路易·大卫（Jacques-Louis David）的政治历史画中体现得最为明显。 第九部分：浪漫的呐喊——浪漫主义的激情与主观性（约 1780 年 – 1850 年） 浪漫主义是对启蒙理性秩序的反叛。它赞美个体的情感、直觉、对自然伟力的敬畏以及对异域、历史和哥特式废墟的迷恋。本章将分析英国风景画家特纳（Turner）对光线和气氛的捕捉，德拉克洛瓦（Delacroix）对色彩和激情的运用，以及戈雅（Goya）作品中对战争和人类非理性黑暗面的深刻揭示。建筑上，浪漫主义催生了对历史风格的复兴，特别是哥特复兴式建筑。 第十部分：眼见为实——现实主义与印象派的革命（约 1840 年 – 1900 年） 工业革命和摄影技术的出现彻底改变了艺术的创作动机。现实主义（Realism）拒绝神话和英雄题材，转而描绘当代普通人的生活和劳动，以库尔贝（Courbet）为代表。印象派（Impressionism）则将焦点从“描绘什么”转向“如何观看”——即光线和色彩在特定瞬间的即时效果。莫奈（Monet）对光影的系列研究，以及塞尚（Cézanne）对物体结构稳定性的早期探索，为下一世纪的现代艺术铺平了道路。 第十一部分：形式的解构——后印象派与现代艺术的开端（约 1880 年 – 1914 年） 后印象派艺术家们试图超越印象派对瞬间光影的痴迷，重新引入结构、象征和情感深度。梵高（Van Gogh）通过强烈的笔触表达内在的精神状态；高更（Gauguin）探索了异域的象征意义；而塞尚则系统地将自然分解为基本的几何体，他的工作直接启发了立体主义。象征主义（Symbolism）也在此阶段兴盛，强调非物质世界和潜意识的表达。 第十二部分：爆炸与重组——现代艺术的早期浪潮（约 1905 年 – 1945 年） 二十世纪初是西方艺术史上最为剧烈的变革期。本章将聚焦于主要的“主义”运动：野兽派（Fauvism）对色彩的纯粹解放；立体主义（Cubism）如何通过多视角重组客观现实；表现主义（Expressionism）对德国社会焦虑的尖锐反映；以及抽象艺术（Abstract Art）的诞生，从康定斯基（Kandinsky）的抒情抽象到蒙德里安（Mondrian）的几何抽象，标志着对再现传统的彻底决裂。最后，我们将简要涉及达达主义（Dada）对传统价值的嘲弄，以及超现实主义（Surrealism）对潜意识领域的发掘。 --- 本书的叙事主线在于揭示艺术如何不断地回应其所处的社会、技术和哲学环境，强调欧洲艺术在继承古典传统的同时，如何通过持续的“叛逆”与“重构”，最终走向了对现实和形式的根本性质疑。我们力求在宏观的风格演变中，捕捉那些决定历史走向的关键人物、关键作品及其背后的思想张力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张质量给我留下了极深的印象。在这个数字化阅读日益普及的时代，拥有一本实体书的物理体验变得尤为珍贵。这本书的用纸非常考究，那种略带纹理的哑光纸张，不仅完美地展现了图片中丰富细腻的色彩层次，而且在翻阅时，指尖能感受到一种扎实的质感。装订也十分牢固，即使反复翻阅查找细节，书脊也未出现任何松动。更重要的是，它在版式设计上充分考虑到了阅读的舒适度，页边距的处理恰到好处，既留出了足够的注释空间，又没有让主体文字显得拥挤。这不仅仅是一本知识的载体，更像是一件精心制作的工艺品，让人愿意花时间静下心来，慢慢品味每一个章节，这在很大程度上提升了学习和欣赏艺术的沉浸感。

评分☆☆☆☆☆

我通常对历史类书籍的叙事节奏比较挑剔，但这本书的行文风格却出奇地流畅自然，它没有那种生硬的断代史的切割感。作者像是带着一个经验丰富的向导，引领我们穿梭于不同的时空节点，而非机械地罗列时间线。最让我惊喜的是，它对于“风格”的探讨并非孤立的，而是紧密地与当时的社会、宗教和商业贸易联系起来。比如，书中对陶瓷烧制技术如何随着丝绸之路的兴衰而传播和演变进行了深入剖析，这种跨学科的视角极大地拓宽了我的认知。我特别欣赏作者那种娓娓道来的语气，将复杂的历史背景和艺术风格的流变，用非常生活化且富有洞察力的语言表达出来，读起来毫不费力，却又处处是深意。它成功地将宏大的历史叙事，融入到对一件件具体器物和建筑构件的微观考察之中，读完后，脑海里构建起的是一张立体而富有生命力的文化网络图。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我原本对某些特定的艺术门类了解有限，比如早期的金属工艺或者细密画的象征意义。然而，这本书的介绍方式非常友好，它没有预设读者拥有任何专业知识。作者非常擅长“解码”那些看似晦涩难懂的符号系统。例如，它对“千花图案”（Arabesque）的结构逻辑进行了细致入微的拆解，解释了为什么这种无限重复的模式在精神层面具有如此重要的意义。文字的逻辑性极强，每论证一个观点，都会立刻辅以具体的实例或清晰的图示来支撑，确保读者不会在复杂的宗教寓意或装饰母题中迷失方向。这种清晰、有条理的论述结构，使得即便是初学者也能迅速抓住核心概念，并对这些艺术的“为什么”产生深刻的理解，而不是仅仅停留在“看起来很漂亮”的肤浅层面。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直是一场视觉盛宴，那种深沉的钴蓝色背景上，配以精细到令人窒息的几何图案和书法纹饰，一下子就把人拉进了一个遥远而神秘的世界。我本以为这会是一本枯燥的学术著作，没想到它在图文排版上花了大心思。每一页都像精心策展的画廊，那些来自中亚、北非乃至西班牙的建筑细节图，色彩的运用简直出神入化。特别是关于马赛克和细密花纹的特写，光影的捕捉非常到位，让人能感受到匠人们千百年前指尖的温度。阅读体验极佳，它不像传统艺术史书籍那样堆砌理论，而是通过大量高质量的图像资料，引导读者去“看”而不是“读”这些艺术品。我尤其喜欢其中对光线如何与建筑材料互动的部分，那种描述的细腻程度，仿佛我正站在阿尔罕布拉宫的庭院里，感受着正午阳光穿过镂空花窗洒下的斑驳光影。这本书在呈现美学细节上，无疑是顶级的享受，让人对手工技艺的敬畏油然而生。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的一个特别之处在于其对“功能性”与“装饰性”之间辩证关系的探讨。很多艺术史著作容易将艺术品的神圣化，使其脱离日常生活的土壤，但此书却非常细致地还原了这些精美物品在当时社会中的实际用途。比如，对日常使用的陶器、灯具乃至纺织品的描述，都深入挖掘了其造型和图案背后的实用考量以及社会阶层的体现。这种“由物及人”的叙事方式，让那些宏大的宫廷艺术和宗教建筑，不再是遥不可及的精英文化，而是与当时人们的衣食住行息息相关的一部分。通过这种接地气的解读，我对于那个时代的审美取向和生活方式有了更具体、更立体的感知，感受到了艺术在历史长河中那种鲜活的生命力。

评分☆☆☆☆☆

质量还好吧，值得一读呢

评分☆☆☆☆☆

编辑本段

评分☆☆☆☆☆

15世纪下半叶，波斯的赫拉特是一个重大的书籍艺术中心，并形成赫拉特画派，其代表人物毕扎德，是波斯艺术发展史上的大师，在15世纪末创立了独特的艺术风格，将中国和拜占庭艺术的某种因素巧妙地同化于本民族艺术土壤中 ，构图上重视各种几何图形之间的平衡和谐关系，色彩上讲究统一色调，既丰富又典雅，颇有韵律，善用伊斯蓝教艺术中书法和植物纹样，增强画面效果。

评分☆☆☆☆☆

手工艺

评分☆☆☆☆☆

设拉子是波斯南部继承保守民族传统的地方，形成的设拉子画派具有浓厚的古波斯风格，人物排成一线，互不重叠，底色衬托红或黄色，云彩、树木等几何图案化，追求平面装饰效果。代表作是4部带插图的《列王纪》。15 世纪中叶波斯细密画基本分为具民族风格、以装饰效果为主的设拉子画派和吸取东方艺术因素、受到拜占庭和威尼斯影响的大不里士画派。

评分☆☆☆☆☆

正版书，发货快，还不错

评分☆☆☆☆☆

再仔细想想，这标题好像也有点勉强的。算了，看在铜版的插图印刷还算漂亮，随便看看吧。

评分☆☆☆☆☆

15世纪下半叶，波斯的赫拉特是一个重大的书籍艺术中心，并形成赫拉特画派，其代表人物毕扎德，是波斯艺术发展史上的大师，在15世纪末创立了独特的艺术风格，将中国和拜占庭艺术的某种因素巧妙地同化于本民族艺术土壤中 ，构图上重视各种几何图形之间的平衡和谐关系，色彩上讲究统一色调，既丰富又典雅，颇有韵律，善用伊斯蓝教艺术中书法和植物纹样，增强画面效果。

评分☆☆☆☆☆

图书仓库灰尘太大了！