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孙逊，胡卓惠，谢佳亮编著 著

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540476021

商品编码：10599248954

出版时间：2016-06-01

作  者:孙逊,胡卓惠,谢佳亮 编著 著作 定  价:42 出 版 社:湖南文艺出版社 出版日期:2016年06月01日 页  数:400 装  帧:平装 ISBN:9787540476021 ●暂无

内容简介

暂无

弦音之境：古典吉他演奏技法精解 面向严肃学习者与资深爱好者的深度教程 本书并非市面上常见的基础入门读物，而是为那些已经掌握了基础指法、渴望在古典吉他演奏领域迈向专业水准的音乐人量身打造的深度指南。《弦音之境：古典吉他演奏技法精解》专注于解析古典吉他发声的物理原理、精细的触弦控制，以及复杂乐曲在技术与音乐性上的平衡处理。 全书共分为七个核心章节，每一章都以严谨的学术态度和丰富的实践案例，探讨古典吉他艺术表现力的各个维度。 --- 第一章：触弦的物理学与精确控制 本章深入探讨右手拨弦的动力学。我们不仅仅讨论“如何拨弦”，而是解析“为什么要这样拨弦”。 1.1 拨片与指甲的接触点分析： 详细对比指甲（天然或合成）在不同角度、不同速度下与尼龙弦的接触、分离过程，对音色（Timbre）的塑性影响。引入声学测量数据，展示不同触弦角度对泛音频谱（Harmonic Spectrum）的影响，解释“温暖”、“明亮”、“金属感”等主观听感背后的物理成因。 1.2 “按弦”的微妙艺术： 右手发声后，左手手指的运动并非单纯的“按下”。本章重点分析左手按弦的“落指轨迹”和“垂直力度分配”。讲解如何通过控制食指、中指、无名指在品位前的精确落点（距离品丝的微小差异），以最低有效力度获得最清晰、无杂音的音高，避免“闷音”或“过度按压”造成的能量损耗。 1.3 动态控制的精微梯度： 从 pppp 到 fffff 的完整动态范围，需要的是指尖与弦的接触时间和力量的线性、非线性变化。我们将建立一套基于时间序列的动态控制模型，指导练习者如何通过视听反馈，将脑中的动态概念转化为手指精确的执行指令。 --- 第二章：高级连奏（Legato）与弓弦技巧的模拟 古典吉他虽然没有弓弦乐器的持续性，但通过特定的连奏技巧，可以极大地增强旋律线的流畅感。 2.1 击弦（Hammer-on）的深度解析： 击弦的成功与否，关键在于手指下落的加速度和与指板的“摩擦系数”。本章细致分析了如何在不同弦上，以相同的力量要求实现一致的音量和音色。重点剖析了双击弦（Double Hammer-on）在快速音阶中的应用极限与纠错策略。 2.2 勾弦（Pull-off）的残响管理： 勾弦时常导致前一个音的残响过早中断。本章教授“引导式勾弦法”，即左手在执行勾弦的同时，右手需进行微小的、几乎不可察觉的拨弦预备动作，以维持音色的连贯性。 2.3 模拟琶音中的连续性： 在快速琶音中，如何让不同手指发出的音符在时间轴上平滑过渡，如同流水般倾泻而出，而不是颗粒分明。这涉及到左右手协调的“时间窗口优化”。 --- 第三章：复调织体与声部独立性 巴赫的赋格、维拉-洛博斯的练习曲，都要求演奏者同时处理两条甚至三条独立的旋律线。 3.1 声部优先级的建立： 如何在多声部中，赋予最高声部以清晰的轮廓，同时为中低声部提供必要的支撑。这不是简单地把高音弹响、把低音弹弱，而是通过拨弦手指的“质感差异”来实现。 3.2 织体平衡的动态调整： 讲解“织体透视法”，即演奏者在乐谱阅读时，必须同时在脑中“看到”并“听到”所有声部。书中提供了针对巴赫《恰空》中复杂和声进行的声部分离练习序列，要求练习者仅用三个手指，弹奏出四条清晰的旋律线。 3.3 左手对位技术的应用： 在快速的对位段落中，左手换把、按弦的动作必须服务于声部的清晰划分。探讨如何利用左手手指的“提前准备”来确保高音旋律的准确性，即使中音区正在进行复杂的指法转换。 --- 第四章：左手技术的极限拓展与无声转换 本章专注于突破传统左手技巧的限制，实现更宽泛的音域覆盖和更平滑的音色过渡。 4.1 拇指的革命性应用： 传统教学中，拇指多用于低音弦的支撑。本书系统性地介绍了拇指在某些特定曲目中用于高把位的按弦（Thumb Position）技术，并详细分析了这对手型稳定性和音准的挑战。我们探讨了如何仅用拇指实现颤音（Tremolo）的替代方案。 4.2 换把的“盲操作”与声学锚定： 如何在不看指板的情况下，准确完成大幅度换把。这依赖于对手臂肌肉记忆的精确校准，以及对换把前后音程关系的听觉预判。书中设计了一系列“黑暗练习”，以隔离视觉依赖。 4.3 横按的音准调校： 横按（Barre）是古典吉他的难点，其音准极易出现偏差。本章从指腹与品丝的接触面积、横按力量的均匀分布入手，提供一套科学的横按力度校准流程，确保每一个音都达到绝对的中心音准。 --- 第五章：颤音（Tremolo）的深度解构与个性化定制 颤音是古典吉他最具标志性的技巧之一，但其效率和持续性受制于个体差异。 5.1 经典的 p-a-m-i 模式解析： 不仅仅是重复这个指法，而是探讨了手指间张力（Tension）的平衡。如果 a 指力量过大，会导致 m 指缺乏能量。本章使用高精度节拍器分析每个手指发音的时差，并提供针对性的指间张力释放训练。 5.2 脉冲与张力循环训练： 介绍一种基于“主动放松”的颤音练习法，它避免了过度紧张导致的僵硬。通过模拟自然的心跳或呼吸节奏，将颤音转化为一种有机的、循环的能量释放过程，从而实现更长久、更均匀的颤音效果。 5.3 变奏颤音的运用： 在塔雷加的《泪》（Lágrima）中，颤音与旋律的交织需要不同的速度和音量。我们分析了如何动态改变拨弦的频率和力度，使颤音成为旋律的背景，而非干扰。 --- 第六章：乐句塑造与情感表达的结构化分析 技术最终服务于音乐。本章将焦点从手指转向了乐句（Phrasing）的构建。 6.1 呼吸点与乐句的建筑学： 学习如何像指挥家一样“呼吸”。确定乐句的起点、高潮点和结束点。分析特定作曲家（如索尔、阿尔贝尼兹）的乐句结构惯例，理解他们如何利用停顿（Silence）来增强音乐的张力。 6.2 揉弦（Vibrato）的音色光谱： 古典吉他的揉弦与小提琴的揉弦机制不同。本章详细区分了横向（弦平行方向）和纵向（品位垂直方向）揉弦对音高稳定性的影响。如何根据音乐的风格（浪漫主义的宽广 vs. 巴洛克的克制）选择揉弦的幅度与频率。 6.3 演奏版本的解读与选择： 面对同一首作品的不同版本（如Segovia改编版与原版），如何做出演奏决策。本章提供了一套批判性分析框架，评估不同改编对原作意图的保留程度和技术可行性。 --- 第七章：舞台准备与演奏心理调适 专业演奏不仅要求技术完美，更要求心理的稳定性和对现场环境的适应性。 7.1 消除舞台焦虑的认知重构： 探讨演奏者在高度关注下的皮质醇水平变化，并介绍基于“流程聚焦”而非“结果导向”的赛前练习方法。 7.2 乐器与环境的耦合： 湿度、温度对尼龙弦和木材的影响是不可忽视的。本章提供了一套现场环境快速适应指南，包括调音的微调策略，以应对气候变化导致的音准漂移。 7.3 应急预案与技术失误的“回收”： 即使是最熟练的演奏者也会失误。本章着重训练在关键节点发生技术错误（如漏音、错音）后，如何用最快的速度和最不引人注意的方式回到正确的轨道，保持整体表演的连贯性与音乐性。 --- 《弦音之境》旨在成为演奏者工具箱中最坚固、最精密的一把工具。它不提供速成的捷径，但保证为每一位愿意投入时间和精力的学习者，提供一条通往古典吉他艺术巅峰的清晰、深入的路径。读者需备有一把优质的古典吉他，以及对音乐无限的求知欲。

评分☆☆☆☆☆

我之前尝试过好几本自学吉他的书籍，它们要么是过于学术化，充满了晦涩难懂的专业术语，让人望而生畏；要么就是内容过于浅薄，学了两页发现只能弹最简单的“小白和弦”，完全无法满足我想弹唱复杂歌曲的愿望。然而，这本书的视角明显不同，它似乎更关注“弹唱”这个行为本身的需求，而不是单纯的乐器演奏技巧。它花了大量的篇幅去探讨“人声与吉他的平衡”这一关键点，这一点在其他教材中是极少被强调的。书中有一个章节专门分析了如何根据歌曲的情绪来调整扫弦的力度和节奏型，比如，在表现抒情慢歌时，作者建议使用分解和弦配合轻柔的拨片击弦，同时提醒声线要贴近麦克风以增强亲密感；而在进行布鲁斯摇滚的演绎时，则强调了对根音的精确锁定和扫弦节奏的律动性。这种深入到表演层面的指导，让我意识到弹唱不仅仅是把两件乐器凑在一起的声音，它是一种音乐表达的艺术，这对我打开了全新的思路。

评分☆☆☆☆☆

我花了很长时间来评估这本书的“长久价值”，而不仅仅是初期的上手难度。很多教材在学会几个基础和弦后就失去了用武之地，但这本书的深度在于它对音乐理论的“实用化转化”做得非常到位。它并非只是罗列和弦图，而是用大量的篇幅去解释“为什么”需要使用某些延伸和弦（如Maj7或Sus4），以及它们在不同调性转换中起到的色彩作用。书中有一张关于“情绪和弦色彩速查表”的附录，它将复杂的和声学概念转化为直观的情感描述，比如“Diminished Chord – 带来悬念和不安”；“Major 7th – 营造梦幻和松弛感”。这让我在即兴伴奏时，不再是盲目地套用和弦，而是能够根据自己想表达的情绪，有意识地去选择和声色彩，这从根本上提升了我的音乐表现力和创造力，让吉他从一个单纯的伴奏工具，逐渐蜕变成我表达心声的媒介。

评分☆☆☆☆☆

这本书的作者在挑选曲目案例时展现出了极高的品味和对流行音乐脉络的深刻理解。它不像某些教材那样，只堆砌一些老掉牙或者已经被过度使用的“练习曲”，而是选取了跨越了近三十年、涵盖了民谣、流行摇滚以及一些当代独立音乐的代表性作品片段进行示范。我尤其欣赏它对特定风格的解构。比如，它选取了一首九十年代末期非常流行的英伦摇滚歌曲作为分解和弦的范例，它没有直接给出最简单的分解指法，而是先展示了原版歌曲中吉他手如何通过巧妙的切音（Muting）技巧来制造出那种特有的“颗粒感”，接着才将这种技巧简化到适合吉他弹唱的程度。这种“模仿大师，再自我简化”的学习路径，让我感觉自己不仅仅是在学“弹”，更是在学“听”和“理解”这些经典作品背后的音乐语言，培养了我对不同音乐风格的辨识能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实操性简直超乎预期，它不是那种只停留在理论层面“告诉你该怎么做”的教材，而是手把手地“带你去做”的实践指南。最让我惊喜的是它附带的伴奏音轨资源，这些资源的设计非常巧妙。它们提供了不同速度和不同伴奏风格的版本——比如一个慢速、只有鼓和贝斯的“骨架版”，供初学者练习节奏感；还有一个完整乐队配置的“正式版”，用于检验自己的弹奏是否能融入整体。我下载了配套的App，发现里面的互动性也很强，它似乎能根据我弹奏的音高给出实时反馈，虽然我还没完全掌握，但这种科技感的融入确实提升了学习的趣味性。比如，在练习特定的转调和弦进行时，书上会明确指出：“请切换到App中的慢速版本，注意在第15拍的休止符后，你的大拇指需要迅速回到根音位置。”这种多媒体的辅助，让枯燥的练习过程变得像是在和一个虚拟的乐队伙伴一起排练，效率自然大大提高。

评分☆☆☆☆☆

这本《吉他弹唱》的装帧设计相当有心思，封面采用了一种略带磨砂质感的深蓝色调，中央的白色线条勾勒出的吉他轮廓，简洁却又不失艺术感。我尤其欣赏它在排版上的用心，内页的纸张厚度适中，即使用力按压也不会留下很深的痕迹，这对于经常翻阅乐谱的人来说非常友好。从目录上看，内容的组织逻辑清晰，初学者需要的乐理基础知识被巧妙地穿插在了和弦指法教学的前面，避免了枯燥的理论堆砌，而是直接结合实际应用来讲解。例如，它对C大调的讲解不是孤立的，而是立刻通过一首经典的民谣片段来演示这些音符如何组合成悦耳的和声，这种“学以致用”的教学方式，极大地激发了我继续深入学习的动力。书中的字体选择也非常考究，和弦标记和六线谱的线条都非常清晰锐利，即使在光线不佳的环境下阅读，也不会感到吃力。总的来说，这本书在物理形态上就体现了一种对音乐学习者的尊重和关怀，让人光是捧在手里就觉得心情愉悦，期待接下来的学习体验。

评分☆☆☆☆☆

给孩子买的，还不错哦！值得购买，

评分☆☆☆☆☆

很不行

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真心好

评分☆☆☆☆☆

瞎编一通，不会编可以不编啊！

评分☆☆☆☆☆

给孩子买的，还不错哦！值得购买，

评分☆☆☆☆☆

挺不错的一本书。

评分☆☆☆☆☆

瞎编一通，不会编可以不编啊！

评分☆☆☆☆☆

还可以

评分☆☆☆☆☆

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