色彩静物（分类训练）（第2季） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵春笑 著，李家友 编

图书标签:

• 色彩
• 静物
• 绘画
• 素描
• 艺术
• 训练
• 入门
• 技法
• 写实
• 观察力

出版社： 重庆出版集团 ， 重庆出版社

ISBN：9787229042240

版次：1

商品编码：10797063

包装：平装

丛书名： 敲门砖系列美术丛书

开本：8开

出版时间：2011-07-01

用纸：铜版纸

页数：39

正文语种：中文

内容简介

《色彩静物（分类训练）（第2季）》图文并茂教你掌握实用绘画技法.不再懵懂、辨析常见误区教你认清问题本质，不再纠结、技巧点拨让你获得阶段性的提升，不再徘徊、精选名师习作带你找到新的方向，不再迷茫、不知道的、该知道韵、想知道的……尽在《敲门砖系列美术丛书第2季》。

作者简介

赵春笑，1981出生于河南上蔡，于2003年创办笑笑美术兵团，是国家正规注册的办学单位，是以中央美术学院、清华美院、国美等9大美院及北服、北影、中戏等全国美术类高等院校本科招生为培养方向的美术培训基地。
个人简历代表作品：
1996年国画作品《幽溪暗香》入围全国展，在中国美术馆展出并被收藏。
2003年以优异的成绩考入中央美术学院，同年12月创办了“笑笑美术兵团”。
2004年作品《笼子里的人》获全国首届动画大赛“最佳美术设计奖提名”。
2007年中央美木学院毕业，毕业作品《燃烧的树》入围亚洲青年动漫大赛。
2009年作品《笼子里的人》入围全国第11届美展，并在中国美术馆展出。

内页插图

目录

常见水果类
1 青苹果
2 盘子上的水果
3 梨
4 香蕉
5 葡萄
6 其他常见水果

蔬菜瓜果蔬
1 白菜
2 辣椒
3 其他常见蔬菜

副食食品类
1 鱼
2 鲜肉
3 鸡蛋

速食食品类
1 蛋糕块
2 方便面
3 袋装食品

透明物品类
1 透明塑料瓶
2 有色塑料瓶
3 高脚杯
4 玻璃杯
5 装无色液体
6 装有色液体
7 有色玻璃瓶
8 其他玻璃制品

金属器具类
1 不锈钢水杯
2 铜制火锅
3 不锈钢火锅
4 其他常见金属器具
5 不锈钢水壶
6 铁、铝制品

陶瓷器物类
1 砂锅
2 深色陶瓶
3 不同造型的陶瓷器
4 放倒的陶瓶
5 带花纹的陶瓷器
6 浅色瓷器
7 陶瓷碗盘

学习教具类
1 水桶
2 布包
3 书本

各种花卉类
鲜花

前言/序言

《浮光掠影：静谧光影中的东方意韵》 一、 序章：穿越时光的凝视 历史的长河中，静物画以其独特的叙事方式，捕捉了流逝的瞬间，沉淀了岁月的痕迹。它不仅仅是对物体的描摹，更是对生命、时间、以及人类情感的细腻抒发。从古埃及壁画中象征性的器皿摆设，到荷兰黄金时代对物质富足的精妙呈现，再到法国学院派对古典美的极致追求，静物画始终在与观者进行着无声的对话。 在中国，这门艺术的根脉则与文人画的意境、哲学思想的沉淀以及民俗生活的烟火气紧密相连。《浮光掠影：静物光影中的东方意韵》并非一本描摹西方写实技法的教科书，也不是对某种具体艺术流派的梳理。它是一次沉浸式的东方静物美学探索，一次对那些常常被忽视的日常之物的温柔注视，一次对中国传统文化中“意”与“境”在静物表现上的深刻解读。本书将带领读者穿越时空，从历史的尘埃中，从生活的细微处，拂去浮光掠影，触摸东方静物特有的静谧与韵味。 二、 篇章一：形色之外的“气”——东方静物的精神内核 西方静物画往往侧重于物体的写实性、材质的质感以及光影的戏剧性，追求的是视觉上的逼真与震撼。而东方静物，尤其是中国传统绘画中的静物意象，则更注重“气韵生动”。这里的“气”，并非指物理意义上的空气，而是指一种生命力、一种精神状态，一种贯穿物象的内在力量。 “骨法用笔”与“传神写照”的延伸： 中国画讲究“六法”，其中“骨法用笔”强调线条的力量与精神，“传神写照”则要求捕捉物体的神韵。在静物表现中，这意味着画家不仅要画出物体的形态，更要通过线条、墨色、晕染，赋予这些静止的物件以生命。本书将探讨如何通过笔墨的力度、速度、转折，以及水墨的浓淡、干湿变化，来表现陶瓷的温润、金属的冷峻、纸张的脆弱、花瓣的柔软，让观者能感受到物体的“内在生命”。 “应物象形”与“得意忘形”的辩证： 顾恺之提出的“应物象形”，强调描摹事物的形态，这是绘画的基础。然而，东方艺术的追求不止于此。当描摹达到一定境界，便能“得意忘形”。在静物创作中，这表现为画家在精准捕捉物体外形的同时，更要提炼其本质特征，并融入自己的情感与理解，使其超越单纯的形似，达到神似的境界。例如，一幅描绘竹子的画，可能不仅仅是竹子的形态，更是文人傲骨的象征；一碗饭，可能不仅仅是食物，更是丰衣足食的满足感和对勤劳的敬意。 “空”与“白”的哲学： 中国画的留白艺术，是东方美学的重要体现。在静物画中，空白并非“无”，而是“有”，是观者想象力的延伸，是为物象留下的呼吸空间，是创造意境的关键。本书将深入分析留白在东方静物画中的作用，如何通过巧妙的构图和留白，营造出宁静、致远、超然的氛围，让观者在静默中品味画作的深意。 三、 篇章二：器物的诉说——器皿中的时光印记 器皿，是人类文明的载体，是生活最直接的见证。在中国，陶瓷、青铜器、玉器、漆器等，不仅仅是实用工具，更是承载着深厚的历史、文化、审美价值的艺术品。它们在静物画中的出现，往往蕴含着丰富的叙事。 陶瓷的温润与岁月的痕迹： 从新石器时代的陶器，到宋代的汝窑、官窑、哥窑，再到明清的青花、彩瓷，中国陶瓷史就是一部视觉史。本书将重点探讨如何描绘陶瓷的温润质感，釉面的光泽与层次，以及由于岁月沉淀而产生的包浆、裂纹、土沁等痕迹。这些细节的捕捉，不仅仅是技巧的展示，更是对时间流逝和器物生命历程的致敬。例如，描绘一件带有自然开片的汝窑瓷器，需要理解其胎质、釉料的特性，以及烧制过程中温度、时间对釉面形成的独特影响。 青铜器的古朴与历史的厚重： 青铜器是中国古代文明的标志，其器型、纹饰往往承载着神秘的宗教情感和王权的气势。在静物画中，描绘青铜器需要表现其古朴的质感、斑驳的锈迹、以及凝重的历史感。本书将研究如何通过笔触的粗犷、墨色的变化、以及对锈蚀纹理的细致刻画，来呈现青铜器的沧桑与威严。 玉器的温润与精神的寄托： 玉在中国文化中具有特殊的地位，象征着君子的高尚品德。玉器的描绘，重在表现其温润如水的质感、内敛的光泽、以及通透的生命力。本书将探讨如何捕捉玉器在不同光线下呈现的微妙色彩变化，以及如何通过细腻的线条勾勒其晶莹剔透的质感。 文房四宝的雅趣与书卷的气息： 笔、墨、纸、砚，这四件文房用具，是中国文人生活中不可或缺的伴侣。它们不仅仅是书写工具，更是文人雅士情趣的载体。本书将带领读者领略如何描绘毛笔的锋毫、墨的浓淡、纸的肌理、砚的磨损，以及它们共同营造出的书卷气息和清雅意境。 四、 篇章三：花鸟的灵动——生命之花的刹那绽放 在中国传统绘画中，花鸟题材占据着极其重要的地位。它们以其鲜活的生命力、丰富的象征意义以及多变的形态，为静物画注入了灵动与生机。 “不似之似”的写意花卉： 与西方追求的精确描摹不同，中国写意花鸟画强调“不似之似”。即在造型上，不拘泥于一花一叶的细节，而是抓住花卉的整体神韵和生命特征。本书将深入探讨如何通过寥寥数笔，勾勒出花朵的盛放、含苞、或是凋零的姿态，如何用墨色的晕染来表现花瓣的柔软与通透，如何用笔触的疾徐来传达枝叶的生长之势。 吉祥寓意与象征符号： 许多花卉在中国传统文化中都承载着丰富的吉祥寓意。例如，牡丹象征富贵，梅花象征坚韧，兰花象征高洁，菊花象征隐逸。本书将分析这些花卉在静物画中的象征意义，以及画家如何通过这些花卉的组合与描绘，来传达特定的情感或寓意。 虫鸣鸟语的意境营造： 鸟类、昆虫等小生命的加入，为静物画增添了无限的生机与活力。一只停驻在枝头的飞鸟，可能正在悠闲地梳理羽毛；一只在花间飞舞的蝴蝶，可能正沐浴着阳光。本书将探讨如何捕捉这些生命的瞬间，如何通过对羽毛纹理、昆虫翅膀的细腻刻画，以及它们与花卉、枝叶之间的互动，来营造出生动有趣的画面。 果实与蔬菜的田园情趣： 除了花鸟，各种时令的果实和蔬菜，也是东方静物画中常见的题材。它们往往充满了田园的朴实气息和丰收的喜悦。本书将研究如何描绘水果的饱满、光泽，蔬菜的鲜嫩、多汁，以及它们共同构成的“瓜果满园”的景象，传递出一种知足常乐的生活态度。 五、 篇章四：光影的呼吸——东方静物中的“意境”之美 光影，是绘画的灵魂。而在东方静物画中，光影的运用则更加含蓄、内敛，服务于整体意境的营造，而非单纯的写实表现。 “以意造境”的光影哲学： 东方静物画中的光，并非西方绘画中那种戏剧性的明暗对比，而是更倾向于一种“柔光”。这种光，可能来自于窗外的斜阳，可能来自于灯笼的微光，也可能是一种“内发光”，即通过墨色和笔触的运用，让物体本身散发出一种柔和的光晕。本书将探讨如何通过墨色的浓淡、干湿变化，以及笔触的提按、顿挫，来表现物体的受光面和背光面，营造出一种含蓄而富有诗意的光感。 “虚实相生”的光影空间： 东方绘画讲究虚实相生，在光影的处理上，更是如此。背光的部分，往往不是完全的黑暗，而是保留着一定的“虚”的空间，让观者可以感知到物体的存在，并且可以引导观者的视线，产生深度感和空间感。本书将分析如何利用色彩、墨色、线条的虚实结合，来表现光影下的空间层次，让画面既有实体的厚重，又不失空灵的意趣。 “意到笔不到”的光影妙用： 在某些写意作品中，画家可能并不需要“画”出每一束光线。而是通过对物体轮廓、边缘的处理，以及背景的虚化，让观者“意会”到光的存在。这种“意到笔不到”的光影处理，赋予了画面更多的想象空间，让观者在品味静物的形态之余，更能感受到一种超脱于形体的“意境”。 六、 尾声：生活美学的回响 《浮光掠影：静物光影中的东方意韵》并非旨在教授某种特定的绘画技法，而是希望通过对东方静物美学的深入探讨，唤醒读者对日常之物的观察力，提升对生活细节的审美感知。这些被描绘的器皿、花卉、果实，它们不仅仅是画布上的图像，更是我们生活中的一部分，是承载着情感、记忆与文化的载体。 当我们拿起画笔，去描绘案头的茶壶，去描绘窗外的梅花，去描绘餐桌上的果盘，我们不仅仅是在创作一幅画，更是在与生活进行一次温柔的对话，是在用自己的眼睛去发现美，用自己的双手去创造美。本书希望成为一把钥匙，帮助您开启那扇通往东方静物美学的大门，去感受那份静谧中的力量，那份平凡中的诗意，那份穿越时光的东方意韵。它鼓励您在日复一日的生活中，停下脚步，去凝视那些曾经被忽视的角落，去品味那些被遗忘的美好，让艺术的灵感，在生活的点滴之中，悄然绽放。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在平面设计领域工作的从业者，我深知色彩的重要性。然而，在日常工作中，我常常会遇到瓶颈，不知道如何才能在保证功能性的前提下，进一步提升设计的艺术感。而《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书，恰好解决了我的燃眉之急。《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书，我拿到手的时候，就觉得它与众不同。首先，它的装帧设计就非常考究，一看就知道是经过精心打磨的作品。当我翻开之后，更是被书中内容的深度和广度所震撼。作者在讲解色彩理论时，并没有流于表面，而是深入到色彩的本质，以及色彩如何与人类的情感、心理产生联系。他不仅仅是教你如何搭配颜色，更是让你理解色彩的语言，以及如何运用这种语言去打动人、去沟通。我印象深刻的是，书中关于“色彩的节奏感”的论述，作者将色彩的运用比喻成音乐中的旋律和节奏，通过不同色彩的排列组合，形成视觉上的起伏和变化，从而达到引人入胜的效果。这让我意识到，在设计中，色彩不仅仅是颜料的堆砌，更是一种动态的、富有生命力的元素。这本书让我觉得，我在色彩运用上的思考，已经上升到了一个新的维度。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，自己对色彩的理解，仅仅停留在“好看”或者“不好看”的层面，直到我读了《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书。这本书让我从一个非常宏观的角度，去理解色彩的意义和力量。作者在书中，并没有拘泥于某个具体的艺术门类，而是将色彩的运用，提升到了一个哲学和文化的高度。他探讨了不同文化背景下，色彩所承载的象征意义，例如，在中国传统文化中，红色代表吉祥和喜庆，而在西方文化中，红色则常常与爱情和危险联系在一起。他还分析了历史事件和科技发展，是如何影响人们对色彩的认知和使用方式的。我尤其喜欢书中关于“色彩的感知”的章节，作者详细讲解了人类的视觉系统是如何感知色彩的，以及为什么我们对某些色彩会产生特定的情感反应。他通过引用一些科学研究成果，让我了解到，色彩的感知并非是主观的，而是受到生理和心理的双重影响。这种跨学科的视角，让我觉得这本书的深度和广度都令人惊叹。它不仅仅是一本关于绘画的书，更是一本关于人类感知、文化演变和视觉艺术的百科全书。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的绘画爱好者角度来说，《色彩静物（分类训练）（第2季）》简直是一本宝藏。我一直觉得自己对色彩的把握不够精准，有时候即使花了很长时间去调色，最终出来的效果也总是不尽如人意。这本书的出现，就像是为我量身打造的“色彩指导手册”。作者在书中提供了大量实用的色彩搭配方案，而且这些方案并非是简单的“公式”，而是基于对不同色彩之间关系的深刻理解。他详细讲解了如何运用互补色来增强画面的视觉冲击力，如何运用邻近色来营造和谐统一的氛围，以及如何巧妙地运用中性色（黑、白、灰）来平衡画面的色彩关系。最让我惊喜的是，书中还提供了许多关于“负空间”色彩运用的技巧，这一点在很多其他的色彩教程中都很少提及。作者认为，留白或者运用与主体对象形成强烈对比的背景色，同样是色彩构成的重要组成部分。他通过对一些经典静物作品的分析，展示了如何利用这些“留白”来突出主体，引导观者视线，并为画面增添呼吸感。我特别喜欢书中关于“色彩统一性”的章节，作者强调了在一个作品中，即使运用了多种色彩，也应该有一个主导色或者一个色彩倾向，这样才能让画面看起来不至于杂乱无章，而是具有整体的和谐美。这种精细的指导，让我觉得自己在色彩运用上的瓶颈，终于有了一个突破口。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对艺术史有着浓厚兴趣的读者，而《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书，恰好填补了我在这方面的知识空白。它不仅仅是一本关于绘画技法的书，更像是一部浓缩的色彩艺术史。作者并没有生硬地罗列历史事件，而是将不同历史时期、不同艺术流派的色彩运用特点，巧妙地融入到静物画的分析之中。例如，他会详细分析文艺复兴时期艺术家是如何运用丰富而细腻的色彩来表现宗教题材的庄严与神圣，也会探讨印象派画家如何打破传统的色彩观念，用明亮的色彩和笔触来捕捉瞬间的光影变化。他甚至还涉及到了现代主义和抽象表现主义中，色彩作为独立元素，如何超越具象的描绘，直接表达情感和观念。通过阅读这本书，我仿佛穿越了时空，亲身经历了色彩在艺术史上的演变过程。我印象深刻的是，书中对梵高《向日葵》系列作品的色彩分析，作者详细解读了梵高是如何通过大胆而热烈的黄色，来表达他对生命的热爱和内心的激荡。这种将色彩分析与艺术家个人情感、时代背景相结合的解读方式，让我觉得无比生动和深刻。这本书让我明白，每一种色彩的运用，都承载着当时的社会文化、艺术思潮，以及艺术家的个人情感。

评分☆☆☆☆☆

《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书，对我来说，就像是开启了一扇通往色彩缤纷世界的大门。我一直都对那些能够用色彩来创造出美妙画面的艺术家们充满敬意，但自己总是摸不着门道。这本书的出现，为我提供了一个系统性的学习路径。作者在书中，非常注重“分类训练”的概念，将色彩的运用，按照不同的主题、不同的表现手法，进行了清晰的划分。例如，书中有一个章节专门讲如何用色彩来表现“透明感”，另一个章节则探讨如何用色彩来营造“厚重感”。这些细致的分类，让我能够针对性地去学习和练习。我尤其喜欢书中关于“色彩的相互关系”的讲解。作者通过大量的图示和案例，详细阐述了色彩在画面中的相互影响，例如，一个亮色的物体放在一个暗色的背景上，会显得更加突出；而一个冷色的物体放在一个暖色的背景上，则会显得更加冷静。这种对色彩之间微妙关系的深刻理解，让我觉得自己的色彩运用能力得到了极大的提升。这本书不仅仅是教授技法，更是培养一种对色彩的敏锐感知力。

评分☆☆☆☆☆

我对摄影有着非常浓厚的兴趣，而《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书，对我而言，简直就是一本“视觉的圣经”。虽然书名叫做“色彩静物”，但书中关于色彩理论的讲解，对于摄影师来说，同样具有极高的参考价值。我一直觉得，摄影不仅仅是记录，更是通过色彩来构建情绪和故事。作者在书中关于色彩的情绪表达，光影与色彩的关系，以及如何通过色彩来引导观众情绪的论述，让我受益匪浅。他详细讲解了如何利用冷暖色调来营造不同的画面氛围，例如，蓝色和绿色系通常会带来冷静、宁静的感觉，而红色和黄色系则更能激发热情和活力。书中还提到了色彩的饱和度和明度对画面情绪的影响，以及如何通过调整这些参数来达到预期的视觉效果。我尤其喜欢作者关于“色彩与构图”的结合分析，他指出，色彩的分布和对比，同样是构图的重要组成部分，可以帮助摄影师更好地引导观者的视线，突出画面的主体。他还举例分析了一些经典的摄影作品，例如，如何利用人物服装的色彩来与背景形成对比，如何利用环境的光线来渲染特定的氛围。这本书让我意识到，即使是拍摄静物，通过对色彩的精妙运用，也能够赋予画面强大的生命力和感染力。

评分☆☆☆☆☆

收到《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书的时候，我充满了期待，而读完之后，我只能说，它完美地超出了我的想象。我一直觉得，艺术的魅力在于它能够超越语言的限制，直接触及人的内心。而色彩，无疑是艺术中最直接、最能触动人心的元素之一。这本书在这方面做得非常出色。作者以极其细腻的笔触，剖析了色彩是如何构建画面情绪的。他不仅仅告诉你“用什么颜色”，更重要的是告诉你“为什么用这个颜色”，以及“这个颜色会带来什么样的感受”。他通过对大量经典静物作品的深入分析，让我看到了色彩在烘托氛围、塑造人物情感、乃至叙述故事方面的强大力量。我印象特别深刻的是，书中有一段对一幅描绘水果的静物画的解读，作者详细分析了不同水果表皮的色彩变化，以及这些色彩是如何暗示水果的新鲜程度、成熟度，甚至是产地的气候环境。这种对细节的极致追求，让我看到了作者对色彩的深刻洞察和独特理解。这本书让我觉得，每一次的色彩选择，都是一次有意识的表达，都是一次与观者心灵的对话。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对设计领域充满好奇的读者，《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书，为我打开了一个全新的视角。我一直觉得，色彩在设计中扮演着至关重要的角色，但却常常感到无从下手，不知道如何才能做出既美观又富有表现力的色彩搭配。这本书的“分类训练”模式，为我提供了非常系统性的指导。作者将色彩的运用，按照不同的设计场景和目的进行了划分，例如，如何为产品包装设计出吸引人的色彩，如何为网页设计出用户友好的色彩方案，以及如何为品牌形象设计出具有辨识度的色彩体系。他详细讲解了不同色彩组合所能传达的心理暗示和商业含义，例如，蓝色常常代表专业和信任，绿色象征环保和健康，而黄色则能唤起愉悦和活力。书中还提供了大量的色彩搭配范例，这些范例都非常有针对性，能够帮助我快速理解不同色彩组合的应用场景。我印象最深刻的是，作者在讲解如何为品牌设计色彩时，强调了色彩的“一致性”和“延展性”，这意味着品牌色彩需要在不同的媒介和产品上保持统一，并且能够根据不同的需求进行灵活运用。这本书让我意识到，色彩设计不仅仅是美学的追求，更是信息传达和品牌建设的重要工具。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书的出现，彻底颠覆了我之前对“静物画”的刻板印象。我之前总觉得静物画就是摆弄一些花花草草、水果罐头，然后画出来，很写实，但缺乏灵魂。然而，这本书让我看到了静物画的无限可能性。作者在书中不仅仅停留在基础的技法层面，而是将重点放在了“分类训练”上，这四个字简直是点睛之笔。他将色彩的运用，根据不同的主题、不同的情绪、不同的光照条件，进行了非常有条理的划分。例如，有一个章节专门讲如何运用色彩来表现“寂静与孤独”，另一个章节则探讨如何用色彩来渲染“欢愉与生机”。这些分类让我豁然开朗，原来同一个物体，在不同的色彩语境下，可以传递出完全不同的信息和情感。书中还穿插了一些关于色彩心理学的研究成果，让我了解到某些颜色是如何直接影响我们的潜意识，引发特定的感受。我印象最深刻的是，作者通过分析一幅描绘秋日落叶的画作，详细阐述了如何通过暖色调的运用，例如橙色、红色、黄色，来营造出温暖、怀旧、甚至一丝淡淡的忧伤的氛围，而同时又不失生命的张力。他还提到了如何利用色彩的冷暖对比，来增强画面的层次感和空间感。这本书真的让我觉得，色彩不仅仅是颜料的堆砌，而是一种强大的叙事工具，一种能够触及人内心深处的情感语言。

评分☆☆☆☆☆

《色彩静物（分类训练）（第2季）》这本书，我拿到手已经有一段时间了，这段时间里，我几乎把所有零碎的时间都花在了翻阅它上面。说实话，最初吸引我的是这个名字，它带有一种神秘感和艺术气息，仿佛能带领我进入一个全新的视觉世界。当我真正开始阅读时，我发现它远超我的预期。作者在色彩理论的阐述上，简直是教科书级别的严谨，但又不会让你觉得枯燥乏味。他并没有直接告诉你“这里应该用什么颜色”，而是深入浅出地讲解了色彩是如何影响我们的情绪、如何与光影互动、如何构建空间感、以及如何运用色彩来引导观者的视线。书中的每一个章节都像是一次精心设计的探索之旅，从基础的色相、饱和度、明度，到复杂的色彩搭配法则，再到如何运用色彩来表现不同的材质和肌理，每一个概念都配有大量的案例分析，而且这些案例都不是凭空捏造的，而是从名家画作、摄影作品，甚至生活中的场景中提炼出来的，非常具有说服力。我尤其喜欢作者在讲解色彩对比时，引用了物理学中关于光波的知识，让我从科学的角度理解了色彩的本质，这让我对色彩的认知上升到了一个新的高度。而且，书中对于不同风格的静物画，例如古典油画、印象派作品、现代抽象画等，在色彩运用上的特点也做了细致的解读，让我能够更清晰地分辨和欣赏不同时期、不同流派的艺术作品。这本书不只是教你“怎么画”，更是教你“怎么看”，怎么去理解色彩背后蕴含的语言。

评分☆☆☆☆☆

不错的教学图，初学者可以看看

评分☆☆☆☆☆

2003年以优异的成绩考入中央美术学院，同年12月创办了“笑笑美术兵团”。

评分☆☆☆☆☆

哈哈哈哈哈哈哈哈哈哈

评分☆☆☆☆☆

很好的一本色彩书！！！！

评分☆☆☆☆☆

hhhhhhhhhhh

评分☆☆☆☆☆

很好的一本色彩书！！！！

评分☆☆☆☆☆

个人简历代表作品：

评分☆☆☆☆☆

2007年中央美木学院毕业，毕业作品《燃烧的树》入围亚洲青年动漫大赛。

评分☆☆☆☆☆

1996年国画作品《幽溪暗香》入围全国展，在中国美术馆展出并被收藏。