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[美] V.M.希利尔 著，李倩 译

图书标签:

• 艺术史
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• 历史
• 文化
• 西方艺术
• 艺术理论
• 希利尔
• 绘画
• 雕塑
• 建筑

出版社： 石油工业出版社

ISBN：9787502188696

版次：1

商品编码：10925688

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-02-01

用纸：胶版纸

页数：251

字数：228000

正文语种：中文

编辑推荐

数十堂妙趣横生的艺术课，百张创意十足的美绘插图 更生动流畅的课堂内容，更全面丰富的知识讲解

内容简介

作者化繁为简，将艺术知识和艺术鉴赏变成孩子们熟悉的生活片段，以平实的方式，揭示出了伟大艺术最平易近人的一面。旨在为孩子们注入持续一生的对于真、善、美的热爱。

作者简介

希利尔（V.M.Hillyer），美国儿童教育家，卡尔沃特学校首任校长，小学函授教育体系的创建者，有丰富的中小学教育经验。其创建的卡尔沃特课程甚至得到了美国外交部的鼎力推荐。 他是一位“天生的好老师”，懂得如何与孩子对话，知道怎样把枯燥的知识变得像棒棒糖、洋娃娃、机器人一样讨取孩子的欢心。他倾心创作的世界史、地理史、艺术史三本读物，至今仍是卡尔沃特学校的经典教材，数十年来从未褪色，持续影响着数千万小读者的成长。他描绘出了枯燥知识的另一张面孔，让学者、家长和孩子相信，原来历史也可以如此精彩。

目录

绘画篇
第一章 世界上最早的图画
第二章 意义奇特的古埃及壁画
第三章 两河流域的绘画新技巧
第四章 古希腊的伟大画家
第五章 天才徒弟
第六章 钟情于圣经故事的画家
第七章 “古希腊风”卷土重来
第八章 著名的意大利画家
第九章 英年早逝的天才拉斐尔
第十章 会画画的雕塑家
第十一章 奇才达·芬奇
第十二章 画家辈出的威尼斯水城
第十三章 裁缝的安德烈和光影魔术师
第十四章 画家的 第二故都
第十五章 别致的荷兰肖像画
第十六章 德国肖像画高手
第十七章 被遗忘在时光里的画家
第十八章 三位伟大的西班牙画家
第十九章 风景画和广告牌
第二十章 古典主义画派的诞生
第二十一章 不再沉寂的英国画家
第二十二章 三个英国人
第二十三章 充满艺术细胞的穷画家
第二十四章 印象派画家的新技巧
第二十五章 经历离奇的后印象派画家
第二十六章 整天奇思妙想的画派
第二十七章 现代画派的大人物
建筑篇
第一章 最老的房子
第二章 千年不朽的神庙
第三章 朴实无华的宫殿
第四章 完美的帕特农神庙
第五章 有性别的建筑
第六章 花样百出的柱子
第七章 精明的古罗马工程师
第八章 城墙外的圣保罗大教堂
第九章 气势磅礴的拜占庭风格
第十章 迟来的修道院
第十一章 遍布欧洲的罗马式建筑
第十二章 古堡寻踪
第十三章 神秘感十足的哥特式建筑
第十四章 法国的哥特式教堂
第十五章 法国、英国千秋各异的教堂
第十六章 一起环游欧洲
第十七章 佛罗伦萨大教堂的遗留难题
第十八章 意大利文艺复兴式建筑
第十九章 典雅英伦范
第二十章 法国塞纳河畔的名胜
第二十一章 挣脱束缚的巴洛克风
第二十二章 最华丽的纪念碑
第二十三章 在美国大行其道的“殖民式”风格
第二十四章 诞生于荒地的美国首都
第二十五章 架在大地上的彩虹--桥梁
第二十六章 平地崛起的摩天大厦
第二十七章 注重功能主义的新式建筑
雕塑篇
第一章 从有雕像开始
第二章 巨人和小矮人并存的国度
第三章 亚述人的雕塑艺术
第四章 久负盛名的古希腊大理石雕像
第五章 不一样的雕像，一样的“站姿”
第六章 伟大的古希腊雕塑家
第七章 长着希腊鼻的神像
第八章 “受难”的雕塑
第九章 袖珍雕塑
第十章 日常雕塑
第十一章 半身像和浮雕
第十二章 雕塑的栖身之地
第十三章 天堂之门的由来
第十四章 爆发“春倦症”的欧洲
第十五章 意大利骑士雕像
第十六章 无人不知的全能型雕刻家
第十七章 金匠巧手
第十八章 低谷期的雕刻家们
第十九章 雕塑界的慈善家们
第二十章 喜欢雕刻动物的雕刻家
第二十一章 自由照耀世界
第二十二章 正在思考的雕像
第二十三章 继往开来的非写实派

精彩书摘

第十九章 风景画和广告牌
很多人开始绘画都是想把自己看到的美丽瞬间永远定格，毕竟，美丽常常很短暂，就像我们最爱的玩具，不可能永远光鲜。但是，纵观绘画史，有一个现象令人费解：从原始人开始在洞穴里画动物到17世纪中期，从来没有一位欧洲人画过真正的风景画。
难道他们都没发现自然风光的美丽吗？
就连生活在意大利这个美丽国家的画家们，眼前似乎也被一片叶子遮蔽着，他们对闻名遐迩的自然风光熟视无睹，从没有想过邀请山峰、海洋、草原到自己的画中做客。即使作品中偶尔出现了一两处风景，也是作为人物背景而存在的。其中佛兰德斯的凡?艾克兄弟的《根特祭坛画》或许勉强算得上对风景有所描画，不过，任何人都能看出画家在这幅画中表现的主题更多是情节而非自然风光。
最早把意大利美景带入绘画作品的是两位法国画家。其中一位叫尼古拉斯?普桑，他对古希腊和古罗马的故事非常感兴趣，在他的画里，总是前部分是希腊人，后半部分是美丽的自然风光。他的代表作品是《阿卡迪亚牧人》，阿卡迪亚是古希腊的一个乡村，这里的村民善良简单，靠放牧为生。画中的人围在一座大理石墓碑旁议论纷纷，其中一个牧羊人正指着墓碑上的刻字，字的意思是“我也曾住在阿卡迪亚”。
另一位法国画家叫克劳德?洛兰，来自法国的洛兰地区。据说，克劳德?洛兰曾经是位糕点师。偶尔，他的主人会让他帮忙清理画笔，就是在这个过程中，他爱上了画画。后来，主人教授了他一些基本的绘画知识，他又经过长期的潜心研究，终于成了著名的画家。
在克劳德·洛兰的画作中，从来不缺乏人物，但是这些人物在画中是为自然风景做陪衬的，自然风景才是主角。鉴于他的努力和尝试，人们将克劳德?洛兰奉为“自然风景画之父”，又因为洛兰最喜欢画海景，也有人称他为“海景画家”。
春夏秋冬又转动了大约一百个轮回，法国又出现了一位叫华托的画家。华托命运悲苦，不幸的遭遇像他的影子一样不离不弃地纠缠了他一生。早年，华托经济拮据，为了温饱每天都要辛苦工作很长时间，等他的画作终于得到赏识、生活衣食无忧时，疾病又缠上了他。最终，他因病去世。
与他悲惨的一生形成巨大反差的是，华托的绘画中没有一丝悲伤的痕迹。在他的作品中很少有贫困的人，大多是衣着华丽、优雅高贵的青年男女，无忧无虑地享受着生活。华托还为一家帽子店画过一个广告招牌，那幅画被画在木板上，竖在帽子店的门口。
……

前言/序言

沉浸式文化探索：一部跨越时空的艺术史画卷 图书名称： 尚无定论，但内容聚焦于“现代设计思潮的演变与当代艺术的哲学根基” 书籍定位： 本书旨在为艺术爱好者、设计专业学生以及对文化思潮变迁抱有浓厚兴趣的读者，提供一个深度剖析二十世纪以来，尤其是战后至当代的视觉文化、设计哲学与艺术实践之间复杂互动的专业视角。它不是一部传统的、以编年体为主的艺术史，而是一部以“议题”和“方法论”为核心驱动力的思想史。 --- 第一部分：现代性的断裂与重塑——从功能主义到后现代的结构解构 本书的开篇，将聚焦于二战后欧洲和北美社会结构剧变对设计和艺术产生的深刻影响。我们不再简单追溯艺术流派的更迭，而是探讨这些流派背后的社会功能、政治意图与技术伦理。 第一章：包豪斯遗产的“异化”与再审视 本章深入探讨了包豪斯理念如何在战后被美国和国际资本主义语境所“吸收”和“驯化”的过程。我们分析了米斯·凡德罗的“少即是多”如何演变为一种冰冷的、可复制的极简美学（Minimalism as Corporate Aesthetic），以及这种美学对城市景观和日常物品生产链的渗透。重点研究了赫伯特·拜尔（Herbert Bayer）的版式设计在企业识别系统（CIS）中的应用，并对比了其与欧洲本土工艺复兴运动（如北欧设计）在精神内核上的差异。我们提出，这种“现代主义的纯粹性”在商业化浪潮中，是否反而失去了其最初的社会解放潜力？ 第二章：视觉符号的“解码”——从形式主义到结构主义的转向 本部分将艺术分析的焦点从纯粹的视觉元素（如色彩、线条）转向符号系统本身。我们将引入罗兰·巴特的图像学分析框架，剖析战后广告、宣传画以及早期波普艺术（Pop Art）中，“图像的意义是如何被制造和流通的”。重点剖析了沃霍尔（Warhol）的丝网印刷对“原创性”概念的颠覆，以及它如何预示了大众媒介时代信息过载的文化景观。这一章旨在揭示，当代艺术实践很大程度上是对既有符号系统进行“挪用、解构与再语境化”的过程。 第三章：批判性设计与反美学运动（The Anti-Aesthetic Turn） 随着消费主义的盛行，一部分设计师和艺术家开始自觉地反抗“美观”和“效率”的至上原则。本章详细考察了反形式主义设计（如粗野主义建筑的残余影响）、概念艺术（Conceptual Art）如何利用“文本”而非“物质”来完成艺术行为，以及激浪派（Fluxus）对日常物品的随机介入。我们将深入分析永井一正（Tadanori Yokoo）等人在亚洲语境下对西方现代主义的质疑，及其对视觉叙事中“非理性”和“戏仿”的运用。 --- 第二部分：技术、身体与赛博格文化——新媒介的哲学冲击 本书的后半部分，将目光投向了信息技术革命和生物技术对人类本体论的挑战，探讨这些“新技术”如何重塑了我们的感知经验和创作媒介。 第四章：屏幕时代的感官拓扑学：从立体主义到虚拟现实 本章探讨了图像从二维平面走向三维沉浸式的技术演变路径。我们不以技术发展为线索，而是以“观看主体”的变化为核心。分析了早期电影蒙太奇（如爱森斯坦）对时间感知的重构，如何为后来的交互式艺术和虚拟现实（VR/AR）技术提供了理论预设。重点研究了动态图形（Motion Graphics）如何从纯粹的技术辅助，发展成为一种独立的叙事语言，以及它在音乐视频和界面设计（UI/UX）中的哲学含义——“信息流动的速度是否定义了意义的深度？” 第五章：身份的流动性与后人类的景观构建 在身份政治日益凸显的背景下，艺术和设计如何处理“身体的边界”、“性别”与“族裔”的建构性？本章考察了以辛迪·舍曼（Cindy Sherman）为代表的摄影实践，以及后殖民语境下的艺术创作，如何质疑既定的凝视（The Gaze）。更进一步，本章探讨了赛博格理论（Cyborg Theory）在当代艺术中的体现，例如生物艺术（BioArt）和数据可视化艺术如何挑战自然与人工、有机与机械的二元对立。 第六章：在地性、物质回归与可持续性的伦理设计 面对全球化和数字化的泛滥，近年来出现一股强烈的“物质回归”和“在地化”的思潮。本章分析了新兴的手工艺复兴运动（Craft Revival），但侧重于其背后的伦理考量——如何平衡传统技艺的保护与当代功能需求的适应。我们关注那些致力于材料科学与社会责任相结合的设计实践，例如使用回收材料进行高概念创作（Upcycling High Concept Art），以及设计如何重新介入到城市生态和社区营造中，探讨“慢设计”与“快速文化”的张力。 --- 结语：未来图景的未完成进行时 本书的结论并非提供一个终极答案，而是强调艺术史本身是一个持续不断的、充满矛盾的对话过程。我们总结了二十世纪以来艺术与设计在社会批判、媒介实验和身份建构方面取得的成就与遗留的伦理困境，并展望了在人工智能和深度伪造技术日益渗透的未来，人类的创造力将如何定义“真实”与“价值”的新边界。 --- 目标读者群体画像： 本书适合已经掌握基础艺术史知识，渴望进行深层次、跨学科思维训练的读者。它要求读者具备一定的理论阅读能力，并对社会学、哲学、技术发展史等领域有所涉猎，以期从更宏大的文化背景中理解视觉艺术和设计的演变轨迹。它适合作为高等设计学院研究生课程的参考读物，也是严肃艺术评论人士的案头必备。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排颇具匠心，它没有遵循传统的时间线索，而是以“主题”和“概念”为核心进行展开。比如，某一章节专门探讨“人体的再发现”如何贯穿古典主义和文艺复兴，另一章则聚焦于“抽象的诞生”及其与哲学思辨的关联。这种跳跃式的叙事反而形成了一种强大的内在逻辑张力，让人在不同历史时期之间进行横向对比，从而更清晰地看到人类审美观念的迭代轨迹。我特别欣赏作者在处理东西方艺术差异时的平衡感，他并未将西方艺术置于绝对的中心，而是用同样的学术热情去审视东方美学的独特韵味和哲学深度，比如对留白艺术的精妙解读，那种“计白当黑”的东方智慧，被阐释得令人心折。这种全球视野的拉伸，使得整本书的格局一下子打开了，不再局限于欧洲中世纪的某个角落，而是拥有了更广阔的对话空间。对于渴望全面了解艺术发展脉络的读者来说，这种主题驱动的架构远比编年史来得更具启发性。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，这本书的学术深度是相当可观的，但令人惊喜的是，它成功地避免了学术著作常有的沉闷感。作者在引用经典理论或引入复杂艺术史术语时，总会适时地插入一些轶事和“八卦”，比如某个艺术家与赞助人之间的恩怨情仇，或者某个流派诞生前夕的激烈争论。这些细节的调剂，如同在严肃的交响乐中穿插了活泼的民间乐段，极大地增强了阅读的趣味性和可读性。尤其是在谈到现代艺术的诸多流派时，作者的分析既保持了批判性，又充满了对艺术家们大胆创新的理解与尊重。他没有预设立场去评判“美”与“丑”，而是引导读者去探究艺术家们为何做出那样的选择，这种尊重个体创造力的态度，让这本书充满了人文关怀。总而言之，它是一部既能满足深度学习需求，又不会让普通爱好者望而却步的典范之作，读完后感觉自己的艺术素养得到了切实且愉悦的提升。

评分☆☆☆☆☆

这部作品，坦率地说，与其说是一本艺术史读物，不如说是一场穿越时空的视觉盛宴。作者的叙事手法极其高明，他没有采用那种枯燥的年代罗列，而是像一位经验丰富的导游，牵着读者的手，在古希腊的雕塑群中驻足，又倏忽间置身于文艺复兴的宏伟教堂内部。我印象最深的是他对光影处理的细腻描述，仿佛能透过文字感受到提香画作中那层层叠叠的温暖光晕，以及卡拉瓦乔作品中那戏剧性的、仿佛舞台聚光灯下的强烈对比。他对于材料的理解也达到了令人惊叹的程度，比如描述哥特式建筑的飞扶壁时，那种力与美的平衡，以及工匠们如何用石头模拟出蕾丝般的轻盈感，都让人对那个时代工匠的智慧肃然起敬。这本书最大的价值在于，它成功地架设了一座桥梁，将那些遥远、高深莫测的艺术概念，转化为了人人可以触摸和感受的生动故事。读完后，再去博物馆面对那些熟悉的杰作，会发现眼中多了一层新的滤镜，不再是单纯的“好看”，而是理解了其背后的文化张力与时代精神。这种由内而外的理解深化，是任何一本单纯陈列作品集的书本无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

阅读过程中，我最大的感受是作者对“时代精神”的捕捉能力。他不是孤立地看待艺术作品，而是将每一件艺术品都视为特定历史时期社会、政治、宗教思潮的结晶。例如，当他解析洛可可风格的轻佻与享乐主义时，背景必然会引出路易十五时代的宫廷生活糜烂与社会矛盾的暗流涌动；而当他转向浪漫主义的狂放不羁时，字里行间又充满了对启蒙理性主义的反思和对个体情感价值的重新肯定。这种将艺术置于社会肌理中去解读的方法，让艺术史不再是孤芳自赏的象牙塔学问，而成为了理解人类文明变迁的一面透镜。作者的笔触极为老辣，他擅长用精准的词汇描绘复杂的历史背景，使得读者在欣赏一幅画作的同时，也能清晰地感受到背后涌动的历史暗流。这本书让人明白，艺术的演变，本质上是人类精神世界的迁徙史。

评分☆☆☆☆☆

我向来对那种故作高深的学院派论述感到头疼，但这本书的行文风格简直是艺术批评界的一股清流。它采用了大量类比和跨界融合的表达方式，比如在讲解巴洛克时期的动态和夸张时，作者竟然巧妙地联想到了现代电影中的快速剪辑和情绪爆发点，一下子就把那种宏大叙事拉到了我们日常经验的轨道上来。这种叙事策略极大地降低了阅读门槛，让那些原本需要专业背景才能理解的“风格演变”变得如同听一场精彩的脱口秀。特别是作者在分析印象派如何从传统束缚中解放出来的那几章，他的语言充满了对革命精神的赞颂，那种对既有秩序的挑战和对瞬间捕捉的执着，被描绘得淋漓尽致。我甚至能感受到他本人在研究这些流派时所经历的那种兴奋和顿悟。这本书的魅力就在于它是有温度的，它拒绝冷冰冰的知识灌输，而是致力于点燃读者心中对美学探索的好奇心。它不是教科书，它更像是一位学识渊博的朋友，带着你一起去发掘隐藏在画框和雕塑背后的秘密。

评分☆☆☆☆☆

很好，值得买，这个系列都不错。

评分☆☆☆☆☆

    一、在学习上，比起第一学年有了很大的进步，各次测验的成绩也明显比以前有所提高。上个学年由于是刚来到崭新的大学校园，对这里的情况很不熟经过上个学期的适应，这个学期基本上都可以习惯了这个学习时间制度，保证每堂课都认真听好听足。还有在阅读课外书的数量上有了大大的增多。在做作业上，我每次都是自己的作业就自己做，不抄袭不作弊。在课余时间，我还充分利用学校的图书馆资源，抓紧时间阅读各方面的书本知识，以求提高自己的知识面，拓宽自己思考问题的角度，从而多方面的考虑问题，避免片面看问题，养成不好的思考习惯。在学习上，我认为还有一样东西是非常重要的，那就是学习态度！我以前对学习的态度不是很端正，常常都是“得过且过”，不过现在好多了，我开始养成一种谦虚、勤问的学习态度。因为我知道学习上的东西来不了弄虚作假，是不懂就不懂，绝不能不懂装懂！要想在学问上有所成就，古今中外所有的成功例子都证明了只要保持这两种学习态度才行。所以，我一有问题就问同学和老师，直到弄懂为止。 

评分☆☆☆☆☆

“天生的好老师”希利尔的倾心力作

评分☆☆☆☆☆

“后来我听他们叙旧，这才知道华大侠的父亲生前和尚帮主乃是知交，

评分☆☆☆☆☆

活动时看到这本艺术史有货，立马下手，终于把希利尔的三本书收齐了

评分☆☆☆☆☆

奇这贼子的毒手了。”武士敦道：“柳女侠，你在路上有事要办，我是丐帮

评分☆☆☆☆☆

到货也很快，喜欢。。。

评分☆☆☆☆☆

希利尔经典系列，很喜欢的图书，值得收藏。

评分☆☆☆☆☆

很好 不错 推荐购买