宋徽宗书秾芳诗(彩色放大本中国著名碑帖·第三辑)

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孙宝文 编
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出版社: 上海辞书出版社
ISBN:9787532634729
版次:1
商品编码:11268213
包装:平装
开本:8开
出版时间:2011-10-01
用纸:胶版纸

具体描述

产品特色

编辑推荐

"彩色放大本中国著名碑帖"肇始于2009年,开碑帖出版"彩色放大"之风,以"观传世翰墨之大雅,赏历代经典之精妙"的特色创立了书法艺术出版的新品牌。精编精印,再现国宝。近十年来,其深受书法爱好者之推崇和喜爱,屡居"开卷"书法类榜单之前列。至2018年,共出版10集200种,为国内书法出版之仅见。

所涉历代书家有王羲之、王献之、智永、欧阳询、陆柬之、褚遂良、李怀琳、孙过庭、贺知章、唐玄宗、张旭、颜真卿、怀素、柳公权、杜牧、高闲、杨凝式、李建中、蔡襄、黄庭坚、米芾、宋徽宗、宋高宗、吴琚、陆游、文天祥、赵秉文、张畴斋、冯子振、赵孟頫、溥光、康里子山、陆居仁、宋克、解缙、祝允明、文徵明、王阳明、陈道复、董其昌、张瑞图、傅山、王铎、邓石如、伊秉绶、吴让之、赵之谦、吴昌硕等;名碑如石鼓文、石门颂、乙瑛碑、礼器碑、华山庙碑、鲜于璜碑、史晨碑、夏承碑、西狭颂、熹平石经、曹全碑、张迁碑、爨宝子碑、龙门四品、石门铭、郑文公下碑、瘗鹤铭、张猛龙碑、张黑女墓志、孔子庙堂碑、孟法师碑、善才寺碑、兴福寺碑、李思训碑、多宝塔碑、颜勤礼碑、玄秘塔碑、神策军碑等。名碑名帖齐聚,蔚为大观,堪称"纸上书法博物馆"。

内容简介

《彩色放大本中国著名碑帖:宋徽宗书秾芳诗》为“中国著名碑帖彩色放大本”系列之一。在台北故宫博物院,珍藏一卷宋徽宗以瘦金体书写的五言律诗,名为“秾芳诗”。其诗文是:“秾芳依翠萼,焕烂一庭中。零露霑如醉,残霞照似融。丹青难下笔,造化独留功。舞蝶迷香径,翩翩逐晚风。”这卷大字瘦金书为绢地,二十行,每行两个字,共计四十字。其书风独具,瘦硬中寓腴润之致,其银钩铁画,豪气跃然,显现出书家精深的艺术功力。此作纵二十七点七厘米,横三百四十厘米,卷後有陈邦彦观款:“宣和书画超轶千古,此卷以画法作书,脱去笔墨畦迳,行间如幽兰丛竹,冷冷作风雨声,真神品也。”

作者简介

孙宝文,原吉林文史出版社副社长,长期致力于中国传统书法艺术的搜集、整理、研究,已出版的书法碑帖类图书包括《彩色放大本中国著名碑帖》系列、《馆藏国宝墨迹》系列、《历代拓本精华》系列等。

前言/序言


《中国古代绘画史:从史前到清末》 导言 本书旨在系统梳理和深入剖析中国绘画自远古萌芽至清末的漫长发展历程。中国绘画,作为中华文明的重要组成部分,不仅是艺术形式的演变,更是社会观念、哲学思想和审美情趣的集中体现。本书将以时间为轴线,以地域和流派为脉络,力求勾勒出一幅清晰、全面且富有洞察力的中国古代绘画全景图。 第一章:远古与先秦的曙光——岩画与帛画的滥觞 本章首先探讨中国绘画的最早源头——岩画。从旧石器时代的几何符号到新石器时代的动物和狩猎场景,岩画不仅是原始的视觉记录,也蕴含着早期人类的信仰与巫术思维。随后,我们将进入商周时期,简要介绍陶器上的彩绘纹饰及其与符号学的关系。重点分析春秋战国时期,随着社会剧变和思想解放,绘画开始从单纯的装饰性向叙事性和观念性过渡的初步尝试,如早期帛画和漆画的残存物所揭示的艺术萌芽。 第二章:汉代的浑厚与神异——画像石、画像砖与壁画的兴盛 汉代是中国早期成熟绘画风格的奠基时期。本章聚焦于汉墓中的画像石、画像砖和墓室壁画。这些图像材料极大地丰富了我们对汉代社会生活、神话信仰和政治理想的认知。我们将深入分析汉代绘画的“浑厚”之美,探讨其注重线条勾勒和气势营造的特点。特别是对“仙人乘驾”题材和“历史故事”题材的图像语言进行细致解读,阐明其如何服务于“事死如生”的丧葬观念和“褒扬功德”的政治诉求。同时,也将探讨这一时期“气韵生动”雏形在笔墨运用上的初步体现。 第三章:魏晋南北朝的转折与士人精神的崛起 魏晋南北朝是中国艺术史上一个关键的转折点。随着玄学清谈的盛行和佛教的传入,绘画不再仅仅是为政治或宗教服务的工具,而是成为士大夫表达个体精神、寄托生命哲思的媒介。本章将重点讨论顾恺之的“以形写神”理论及其在《洛神赋图》等作品中的实践,分析其对后世人物画的深远影响。同时,佛教造像艺术(如敦煌早期和云冈、龙门石窟的壁画与雕塑)的融入,为中国绘画注入了新的题材和技法,本章将探讨其如何被本土化和风格化。 第四章:隋唐的辉煌与盛世气象——庙堂艺术的集大成 隋唐时期是中国封建社会的鼎盛期,绘画艺术也达到了前所未有的高峰。本章分为两大部分: 1. 人物画的极致: 阎立本、吴道子等大师的风格探索。重点剖析吴道子“吴带当风”的线条特征,及其对佛教题材和山水题材的革新意义。探讨盛唐时期绘画中饱满、健康、气势磅礴的盛世气象是如何通过笔墨得以体现的。 2. 山水画的独立: 探讨李思训(金碧山水)和王维(水墨山水)的并峙与分野。分析王维如何以禅入画,开创了文人山水画的先河,标志着山水画从依附性题材向独立艺术门类的质的飞跃。 第五章:五代十国的繁荣与风格的地域化 五代十国时期,虽然政局动荡,但由于皇家和地方藩镇对艺术的扶持,绘画在特定领域取得了惊人的成就。本章将集中讨论南方画家(如南唐顾闳中、周文矩)的精微细腻与北方画家(如后梁荆浩、关仝)的雄伟壮阔之间的风格差异。特别分析荆浩、关仝在北方山水画中奠定“全景式”构图和“斧劈皴”等重要技法,为宋代山水画的成熟打下了坚实基础。 第六章:宋代的理性与写实——院体艺术的巅峰与文人画的深化 宋代是中国绘画的黄金时代,其特点是高度的写实精神、精湛的技法以及文人审美意识的全面确立。 1. 北宋院体: 重点分析郭熙的“高远、深远、平远”理论,解读范宽《溪山行旅图》中“雄伟峻峭”的风格,以及张择端《清明上河图》所代表的世俗生活题材的成熟。 2. 文人画的成熟: 深入剖析苏轼“论画以形似,见与儿童邻”的思想,及其对“意笔”的推崇。探讨米芾父子的“墨戏”对后世写意画的影响。 3. 两宋花鸟画的极致: 分析徽宗朝对写生和院体的极端追求,以及其对翎毛、草虫的精微刻画,展示了宋代在物象观察上的科学精神。 第七章:元代的遗民情结与笔墨趣味的自觉 元代,汉族知识分子在异族统治下面临“出仕”与“隐逸”的选择,这深刻地影响了绘画的转向。本章阐述了元代绘画的核心特征——“笔墨趣味”的自觉和“写意”的彻底确立。我们将系统介绍“元四家”(黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙)的山水画风格,分析他们如何将个人情感、诗词意境融入笔墨,形成高度个性化和符号化的艺术语言。同时,讨论赵孟頫对唐代笔墨的复古与创新,以及其对书法入画的强调。 第八章:明代的流派纷呈与艺术的世俗化倾向 明代绘画呈现出多元化和区域化的特点。本章将梳理明代绘画的主要流派: 1. 院体余绪与早期革新: 分析戴进、吴伟等人所代表的“浙派”的雄强笔墨。 2. 吴门画派的兴盛: 重点阐述沈周、文徵明、唐寅、仇英四家,如何继承元代文人画传统,同时又融入各自的审美情趣,形成了“吴门画派”的广阔影响。 3. 晚明个性解放: 讨论董其昌“南北宗论”的提出对后世画史观的影响,以及“松江派”的兴起。同时,探讨晚明市民阶层的崛起对陈淳、徐渭等对笔墨进行大胆实验的影响。 第九章:清代的规范、反叛与集大成 清代绘画在继承前代优点的基础上,又出现了新的冲突与融合。本章关注以下几个方面: 1. “四王”的集大成与规范化: 深入分析王时敏、王鉴、王翚、王原祁如何通过对前代经典的“临摹”与“集大成”,确立了正统山水画的标准,以及这种规范化对艺术创造力的潜在限制。 2. “四僧”的艺术叛逆: 重点剖析以石涛、八大山人(朱耷)为代表的“遗民画家”如何以奇崛的笔墨、怪诞的造型,表达对时局的不满和对传统程式的颠覆。石涛的“一画论”是理解其创新精神的关键。 3. “扬州八怪”的世俗趣味: 探讨以金农、郑燮为代表的画家如何吸收民间艺术的营养,以强烈的主观色彩和象征性笔墨,反抗“四王”的僵化,将文人画推向新的世俗化高潮。 结语:历史的回响与未来的展望 本书最后总结了中国古代绘画发展中的几次重要转型(如神性到人性、装饰到写意、笔墨到趣味),并简要探讨了清末西方绘画思潮对中国传统绘画体系带来的冲击,为进入近现代绘画史的探讨做好铺垫。本书力求通过对不同时代风格和观念的细致辨析,展现中国绘画深厚的文化底蕴和不竭的艺术生命力。

用户评价

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对于书法学习者而言,选择好的帖本至关重要,它直接关系到你对“法度”的理解是否到位。这本《秾芳诗》的彩色放大版,在这一点上展现了极高的专业性。我注意到,在处理那些大字和长篇幅的篇章时,版面布局的留白处理得当,使得原本密集的信息不会显得拥挤。更重要的是,它似乎在努力还原不同段落之间的气息连贯性。宋徽宗的书法,即便是看似独立的字,放在一起看,也会形成一种微妙的节奏感,这其中包含了书写时的呼吸停顿。通过高清的图像处理,那些墨色在纸张纤维上洇染开来的细微边缘,都得到了清晰的呈现,这对于临摹者判断笔意的“轻重缓急”非常有帮助。不像有些影印本,为了追求视觉上的对比度,会把线条处理得过于“死板”,失去了书法中那种流动的生命力。这份放大本则保留了这种“活泼”的质感,使得学习过程更具启发性。

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这本关于宋徽宗赵佶《秾芳诗》的彩色放大本拓本,着实让人眼前一亮。首先,就装帧而言,它给人的感觉是非常典雅和厚重的,封面设计上,那种淡雅的宋代审美情趣被很好地捕捉到了。一拿到手里,就能感受到纸张的质感,摸上去有种温润的感觉,这对于欣赏书法作品来说至关重要。很多时候,我们看书法作品,尤其是古代的墨迹,细节的呈现往往依赖于载体的质量。这本放大本在这方面做得非常出色,无论是线条的粗细变化,还是墨色的浓淡干湿,都得到了极其精准的还原。特别是对于徽宗这种独具“瘦金体”风格的书家,那些细如发丝的转折和撇捺,如果印制不清,很容易就失去了神韵。而这本拓本,无论是笔道的起收,还是那些看似随意却又处处精妙的提按,都清晰可见,让人仿佛能感受到当年他运笔时的气息。这种对原貌的尊重和高品质的再现,极大地提升了学习和鉴赏的体验,对于想要深入研究宋徽宗书法艺术特点的爱好者来说,无疑是一份珍贵的资料。

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我个人最欣赏的是,这本帖本在细节的呈现上,完全没有为了迎合大众的“快餐式”审美而妥协。它要求观者真正沉下心来,去体会徽宗这位皇帝书家在特定心境下的创作状态。放大到这个程度,你甚至能看到笔尖在纸面上刮擦留下的细微纤维痕迹,这在小尺寸的印刷品中是完全无法察觉的。这种对“物质性”的强调,使得学习和欣赏不再是抽象的符号解读,而变成了一种更接近“物证”的探寻。比如,在某些运笔突然加速的地方,墨迹会显得尤为纤细,几乎要断流,这正是瘦金体的精髓所在;而放大后,这些“危机时刻”被清晰地定格下来,便于我们分析他是如何控制行笔速度和墨量的。总而言之,这是一次从“看字”到“读心”的转变,是值得反复品味的佳作。

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抛开艺术鉴赏和学习不谈,单就作为一本“书”的收藏价值来看,这个版本的制作水准也达到了一个很高的层次。它不仅仅是技术层面的复制,更像是对原作的一种致敬。色彩的运用是关键,虽然是碑帖,但毕竟是墨迹本,墨色的层次感是其魅力所在。有时候,古代的纸张会因为年代久远而泛黄或略带霉斑,这些痕迹本身也是历史的一部分。这本拓本很巧妙地处理了这些背景色,既突出了黑色的书法主体,又没有完全抹杀纸张本身的年代感,这需要极高的印刷技术和审美把控能力。相比于那些只有单色印刷的普通帖本,这种彩色放大后的效果,能让人更直观地感受到宋代文人书房里的那种氛围,仿佛能闻到那股陈年的墨香。它让“古物”的魅力,通过现代工艺得以更立体地呈现。

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说实话,刚开始接触宋徽宗的书法,总觉得它带有一种独特的“文人病态美”,那种清瘦、挺拔,甚至有些刻意的精致感,让人在惊叹其功力的同时,又隐约觉得少了一些“烟火气”。然而,当我仔细摩挲这本《秾芳诗》的放大影印本时,这种感觉逐渐被一种更深层次的理解所取代。这套书法作品,并非只是单纯地炫技,它更像是徽宗内心世界的一种投射。诗词本身的内容,结合他那如兰花般清雅的书体,构成了一种完美的统一体。放大后的细节,让我更清楚地看到了“瘦金体”中那些极其微小的变化,比如在某些笔画收尾时,那种戛然而止的干脆利落,以及那些横撇的尖锐感,都带着一股傲岸的士大夫气息。这种放大处理,迫使观者必须放慢节奏,去体察每一个字的结构平衡,去感受通篇的气韵流动。它不再是远观时的惊鸿一瞥,而是一场近距离的、近乎解剖式的艺术对话。

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不错,挺好

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很好啊

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好书!酷爱国学历史书法,有好书就买,欣赏收藏兼之。赞一声京东的快递,速度!

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可以

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非常好,非常喜欢!

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在台北故宫博物院,珍藏一卷宋徽宗以瘦金体书写的五言律诗,名为“秾芳诗”。其诗文是:“秾芳依翠萼,焕烂一庭中。零露霑如醉,残霞照似融。丹青难下笔,造化独留功。舞蝶迷香径,翩翩逐晚风。”这卷大字瘦金书为绢地,二十行,每行两个字,共计四十字。其书风独具,瘦硬中寓腴润之致,其银钩铁画,豪气跃然,显现出书家精深的艺术功力。此作纵二十七点七厘米,横三百四十厘米,卷後有陈邦彦观款:“宣和书画超轶千古,此卷以画法作书,脱去笔墨畦迳,行间如幽兰丛竹,冷冷作风雨声,真神品也。”《彩色放大本中国著名碑帖:宋徽宗书秾芳诗》将原件放大印出,供广大读者鉴赏。

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