具体描述
内容简介
《人像摄影》采用理论与实践相结合的形式对人像摄影的方法和技巧进行了深入透彻的讲解，作者将自己多年的教学经验与外出采风拍摄实例相结合，对人像摄影的造型、背景与布光、测光与曝光、构图等都进行了详细的阐述，非常适合作为高等院校摄影相关课程的教材。前言/序言
用户评价
这本书的“景深的魔术”章节，让我对“虚化”有了全新的认识。我一直觉得景深就是通过调整光圈大小来实现的，但作者的讲解让我明白，景深不仅仅是一个技术参数，更是一种表达方式，它能够引导观众的视线，突出主体，并营造出特定的氛围。 作者深入浅出地讲解了景深与焦距、光圈、拍摄距离之间的关系，并提供了大量实例说明如何利用景深来突出人物的五官、表情，或者展现人物与环境的关系。我之前最头疼的就是背景太杂乱，导致人物不够突出。这本书让我明白了，通过控制景深，我能够巧妙地虚化背景，让人物在画面中脱颖而出，就像聚光灯打在了舞台中央。 他还提到了“浅景深”和“深景深”各自的特点和适用场景。浅景深能够有效地隔离主体与背景，营造出一种梦幻、浪漫的感觉，非常适合拍摄特写或者强调人物的情感。而深景深则能让画面中的景物都保持清晰，适合展现人物与周围环境的关系，或者营造一种广阔、史诗般的感觉。作者还鼓励我们去尝试不同的景深效果，并结合画面内容来选择最合适的景深设置。这让我开始重新思考我的拍摄习惯，不再是千篇一律的背景虚化，而是根据想要表达的情绪来“设计”景深。
评分这本书的“色彩的交响曲”部分，简直是让我大开眼界。我之前拍人像，总觉得颜色够鲜艳就行，没有深入思考过色彩对人物情绪和画面氛围的影响。作者在这部分花了大量篇幅去讲解色彩的心理学，以及如何运用色彩来增强画面的表现力。 他详细分析了不同色彩所代表的象征意义，比如，红色代表热情和活力，蓝色代表冷静和忧郁，绿色代表生机和希望。他不仅仅是教你如何去选择衣服的颜色，更是引导你如何去观察和利用环境中的色彩，以及如何通过后期来调整色彩，以达到更理想的表达效果。我印象最深刻的是他关于“对比色”和“邻近色”的运用。他用了很多例子说明，如何运用强烈的对比色来突出人物的个性，或者如何运用柔和的邻近色来营造一种和谐、统一的氛围。 他还提到了“色彩的情绪”的概念，比如，暖色调会让画面显得温馨、热情，而冷色调则会让画面显得冷静、疏离。这让我开始重新审视我的照片，为什么有些照片看起来总是不够吸引人，原来是因为我在色彩的运用上存在问题。作者还鼓励我们去大胆尝试撞色，以及利用色彩来制造视觉焦点。这让我在拍摄时有了更多的想象空间，不再只是简单地记录，而是开始用色彩来“作画”。
评分这本书让我第一次真正理解了“人像摄影”的“人”字的分量。之前我总是把焦点放在“摄影”上，纠结于镜头、光圈、快门。但这本书让我意识到，最重要、最核心的，是“人”。作者花了很大的篇幅去探讨如何“认识”你的拍摄对象，如何去发现他们内在的美，而不仅仅是外在的形象。 他鼓励我们要有同理心，要去理解他们的故事，他们的情感，并尝试将这些融入到照片中。他还提到了“情感的连接”，认为只有与拍摄对象建立了良好的情感连接，才能拍出真正有灵魂的照片。这让我开始反思自己之前的拍摄方式，总是过于功利，只想快点拍完，而忽略了与拍摄对象之间的互动和交流。 作者还分享了一些关于“拍摄不同人群”的经验，比如，如何拍摄儿童的纯真，如何拍摄老年人的沧桑，如何拍摄情侣的甜蜜。这些经验都非常宝贵，让我明白，不同的人需要不同的拍摄方式和沟通技巧。这本书让我不再仅仅是一个“拍照者”，而是开始思考如何成为一个“故事的讲述者”，用镜头去记录和传递人性的美好。
评分让我感到特别惊喜的是，这本书对于“引导模特”的技巧进行了非常细致的讲解。我之前总觉得让模特摆姿势是一件很困难的事情，要么他们不知道怎么摆，要么就是摆出来的姿势很不自然。作者在这部分提供了很多实用的方法，让我觉得不再是“导演”一个不情愿的演员，而是和模特一起“合作”创作。 他强调了沟通的重要性，要提前和模特沟通拍摄的意图和想要达到的效果，让他们了解拍摄的主题和风格。他还提到了“非语言的引导”，比如，通过你的表情、动作来示范，或者用一些口头禅来鼓励和赞美他们。我尤其喜欢他提出的“讲故事”的方法，与其直接说“把手放在这里”，不如说“想象你正在写一封信”，这样模特就更容易进入角色，摆出更自然的姿势。 作者还分享了一些关于如何让模特放松的技巧，比如，播放他们喜欢的音乐，或者和他们聊一些轻松的话题。他还提到了如何“捕捉瞬间”的美，有时候，最自然的表情和姿势，并不是刻意摆出来的，而是在一些不经意的瞬间捕捉到的。这让我意识到，作为摄影师，不仅要有技术，更要有洞察力，要善于发现和捕捉人物最真实、最动人的瞬间。
评分这本书我拿到手的时候，就觉得它的封面设计相当有意思，不是那种千篇一律的模特摆拍，而是用了一种非常写意的手法，好像是将镜头捕捉到的瞬间情绪凝固在了纸面上。我平时就喜欢拍点照片，但总觉得自己的作品总少了点什么，尤其是拍人像的时候，总觉得人物的灵魂被框住了，没有那种灵动感。翻开这本书，我首先被它的排版吸引了，不是那种密密麻麻的文字，而是大量的留白，让每一张图片都有呼吸的空间，同时也让读者在阅读的时候不容易疲劳。 在第一章，我印象最深刻的是关于“捕捉情绪”的探讨。作者没有直接教你怎么摆姿势，而是花了很多篇幅去分析不同情绪的细微之处，比如一个人在开心时的嘴角上扬，眉梢眼角会传递出怎样的信号，或者是在沉思时，眼神会落在哪里，肩膀会呈现出怎样的状态。他举了很多例子，对比了同一位模特在不同情绪下的照片，那种差别真是太明显了。我之前拍朋友，总是让他们看着镜头笑，结果照片出来都显得很僵硬。看了这一章，我才意识到，很多时候，自然的流露比刻意的摆拍更有力量。作者还提到了如何通过引导来激发模特的真实情感，比如聊一些轻松愉快的话题，或者营造一个让他们感到舒适放松的环境。这点对我来说太有用了，我终于知道为什么我拍出来的照片总是“照骗”了，原来是我没有真正地去“读懂”我的拍摄对象。
评分这本书的“构图的语言”部分，简直是为我这样对构图一窍不通的初学者量身定做的。我一直以为构图就是把人放在画面中间，或者按照三分法来划分。但这本书让我看到了构图的无限可能性。作者不是简单地罗列各种构图法则，而是深入浅出地讲解了每一种构图方式所能传达的情感和意境。 他提到了“黄金分割”和“三分法”的由来和应用，但更重要的是，他强调了这些规则并非死的条条框框，而是需要根据拍摄内容和想要表达的情绪来灵活运用。我最喜欢他讲解的“对角线构图”，他说对角线能够带来动感和活力，让画面不再沉闷。他还用了很多实际的照片例子来说明，比如，一个模特的身体线条形成一条优美的对角线，能够极大地增强画面的视觉冲击力。他还讲解了“对称构图”和“留白”的运用，让我明白，有时候，画面中“没有”的东西，比“有”的东西更能引人遐想。 特别是关于“打破常规”的章节，作者鼓励我们不要被传统的构图法则所束缚，要有勇气去尝试新的视角和构图方式。他鼓励我们在拍摄时去观察生活中的线条、形状和比例，并将它们运用到人像摄影中。这让我在拍摄时有了更多的灵感，不再仅仅是“拍一个人”，而是开始思考如何用画面来讲故事。我之前总是觉得自己的照片看起来很普通，看了这一章，我才明白，原来构图才是让照片“活”起来的关键。
评分这本书对“后期处理”的态度，让我觉得非常赞同。作者并不是强调后期能够“拯救”一张烂片，而是将其视为一种“完善”和“升华”的工具，用来更好地表达摄影师的意图。我之前对后期处理有些抵触，总觉得是“造假”。但这本书让我明白，后期处理是为了让照片更接近我们最初的设想，而不是为了迎合大众的审美。 他讲解了一些基础的后期技巧，比如，调整曝光、对比度、白平衡，以及如何利用局部调整来突出人物的特点。但更重要的是，他强调了“适度”的原则，不要过度修饰，以免破坏照片的自然感。他还提到了“风格化”的概念，鼓励我们根据自己的喜好和拍摄的主题，来形成自己独特的后期风格。 我印象最深刻的是关于“情绪的渲染”的后期处理。他用了很多例子说明，如何通过调整色彩饱和度、色调，甚至是一些微小的细节，来增强照片的情绪感染力。比如，将一张偏黄的照片稍微调成冷色调，就能营造出一种怀旧、忧伤的氛围。这让我明白了，后期处理并不仅仅是技术活，更是一种情感的表达，它能够让照片说话。
评分这本书在“摄影师的自我修养”这一部分，可以说是我读过的所有摄影书籍中最具启发性的。它没有停留在技术层面，而是从更深层次探讨了作为一名摄影师，应该具备什么样的心态和追求。作者认为，摄影不仅仅是一种技能，更是一种对生活的热爱和对美的追求。 他鼓励我们要保持好奇心，不断地去探索和学习，不要满足于现状。他还提到了“耐心”的重要性，好的作品往往需要时间的沉淀和反复的尝试。我尤其喜欢他关于“批判性思维”的论述，鼓励我们要敢于质疑，敢于挑战，不要盲目跟风。 作者还强调了“责任感”，作为摄影师，我们有责任去记录真实，去传递正能量，去用我们的作品影响和启发他人。这让我觉得，摄影的意义远不止于记录，更是一种社会责任。这本书让我对摄影有了更深的敬畏之心，也更加坚定了自己继续学习和探索下去的决心。它让我明白，成为一名优秀的摄影师，不仅需要精湛的技术，更需要一颗充满热情和责任的心。
评分这本书最让我惊艳的地方，在于它对“眼神的交流”的深刻剖析。我一直觉得，人像摄影的核心在于“神”，而“神”往往就体现在眼睛里。但之前我只是凭感觉去拍，没有一个系统的方法。这本书提供了一套非常实用的方法论。作者首先分析了“眼神”这个词背后所包含的丰富含义，它不仅仅是看到，更是“感知”、“思考”、“情绪”的载体。他详细讲解了如何引导模特的眼神，让他们的目光不再是空洞地看向镜头，而是能够传递出内心的故事。 他举了一个很有趣的例子，说如果你让模特看向远方，他可能在回忆一段往事，或者在憧憬未来，而这种看向远方的眼神，本身就带有一种故事性。他还讲到如何利用眼神的焦点来影响画面的情绪，比如，当模特的眼神聚焦在画面外的某个点时，会给人一种探索和好奇的感觉；而当眼神看向镜头时，则会产生一种直接的交流感。他还提到了“眼神的深邃感”的营造，不仅仅是瞳孔的清晰度，更是眼神中那种流露出的情感和思想。作者还分析了不同眼神所传递的不同情绪，比如，略带忧郁的眼神，充满自信的眼神，或者是带着一丝神秘的眼神，这些都可以在照片中得到很好的体现。这对我来说，简直是打开了新世界的大门，我终于知道为什么有些照片能够让人久久不能忘怀，原来是因为它们捕捉到了人物最真实的“灵魂”在眼睛里。
评分这本书给我的感觉，就像是和一位经验丰富的摄影师在咖啡馆里聊天，他把多年的心得体会，毫无保留地分享给你。我尤其喜欢他关于“光影的叙事性”这一章节。我一直以为光线只是用来照亮被摄对象的，但作者的讲解让我看到了光影的另外一层意义。他不是简单地告诉你顺光、侧光、逆光怎么用，而是深入分析了不同光线如何塑造人物的轮廓，如何营造出不同的氛围。比如，他用了很多篇幅讲解侧逆光，那种从人物侧后方打来的光线，能够勾勒出人物的发丝轮廓，让人物仿佛被一层柔和的光晕包裹，显得特别梦幻。我还记得他用一个例子，对比了同一张脸在不同光线下的呈现，一个柔和的光线让人物显得温婉，而一个硬朗的光线则让人物显得更加有力量感。这让我明白，光线不仅仅是技术，更是一种艺术表达，它能够直接影响观众的情绪。 作者还分享了一些关于阴影的运用，我之前总是尽量避开阴影，觉得它们会让画面显得杂乱。但这本书让我意识到，巧妙的阴影可以增加画面的深度和神秘感，甚至可以用来引导观众的视线，聚焦在人物的某个特定部位。他提到了“以影塑形”，这个概念对我来说是颠覆性的。之前我总想着把人物拍得清晰明亮，但这本书让我开始思考，如何在留白和阴影中寻找人物的灵魂。他举了很多经典人像摄影作品的例子，分析了这些作品中光影的运用是如何达到极致的艺术效果的，这让我受益匪浅。
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