写给老师的中国戏曲史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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元白 著

图书标签:

• 戏曲史
• 中国戏曲
• 戏曲
• 文化
• 教育
• 历史
• 艺术
• 戏曲理论
• 教材
• 老师

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534047046

版次：1

商品编码：11902471

包装：平装

开本：大32开

出版时间：2016-03-01

用纸：胶版纸

字数：126000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：教师、广大戏曲艺术爱好者

　　以凝练的文字、精美的图片、清晰的结构，展现中国戏曲艺术的演变历程与独特美感。

内容简介

　　本书在论述中国戏曲综合性、虚拟化（写意性）、程式性等主要特征的基础上，以历史发展为经，以戏曲名家、杰作及其艺术特色为纬，配以大量精美彩图和古代木刻版画，简明、生动、清晰地呈现出中国戏曲的独特美感。

作者简介

　　元白，中国戏曲学院教师。

内页插图

目录

第一章 中国戏曲的主要特征／001
综合性的四功五法／002
虚拟性的歌舞叙事／006
程式化的生旦净丑／012
第二章 中国戏曲的渊源／033
戏曲的萌芽／034
祭祀与优伶／034
百戏与乐舞／034
戏弄与杂剧、院本／038
变文与诸宫调／041
第三章 宋元南戏和北杂剧／047
南戏与北杂剧的形成／048
群星璀璨——元杂剧的主要作家与作品／051
梨园领袖——关汉卿／051
天下夺魁——王实甫《西厢记》／063
哀婉凄凉——马致远《汉宫秋》与白朴《梧桐雨》／069
悲壮浓烈——纪君祥《赵氏孤儿》／078
其他优秀剧作／084
南戏崛起／088
南戏绝唱——高明《琵琶记》／089
南戏四大名剧／096
第四章 明清传奇与昆曲时代／103
昆曲与传奇的结合／104
姹紫嫣红——明清传奇的主要作家与作品／110
至情至性——汤显祖《牡丹亭》／110
曲折清新——高濂《玉簪记》／115
英雄末路——李开先《宝剑记》／118
亡国之泪——李玉的《千钟禄》／120
双峰并峙——《长生殿》与《桃花扇》／122
一悔能教万孽清——洪昇《长生殿》／123
借离合之情，写兴亡之感——孔尚任《桃花扇》／128
折子戏的出现与昆曲的成长／131

第五章 国粹京剧与地方戏曲／135
弋腔与高腔／136
秦腔与梆子／138
京剧／143
京剧的形成与发展／143
“四大名旦”与“四大须生”／151
川剧／166
越剧／168
越剧的发展／168
越剧流派／172

精彩书摘

　　（《写给老师的中国戏曲史》p6-11）

　　虚拟性的歌舞叙事

　　戏剧的一般特征是由演员扮演人物，由人物的对话和动作来构成一定的故事情节。中国戏曲也不例外，但对话具有音乐性，动作具有舞蹈性。所谓“有声必歌，无动不舞”。

　　音乐性的对话，在戏曲里叫做“唱”“念”（说），舞蹈性的动作，就是戏曲中的“做”“打”。中国戏曲是“唱念做打”的综合体，它用说、唱、舞等多种手段扮演角色，表现故事情节。中国戏曲的对话是音乐性的，动作是舞蹈性的，而歌和舞的本身，就决定了它的外在形式要远离生活，变异生活，使之具有节奏、韵律、整饬、和谐之美。为了把普通的语言、日常的动作、平淡的感情强化、美化、艺术化，戏曲艺术家长期揣摩说白、歌咏、舞蹈（身段）、武打的表现技巧和功能。久而久之，他们创造、总结、积累了一系列具有夸饰性、表现性、规范性和固定性的表现手法，也就是后文要重点介绍的“程式”。

　　中国戏曲艺术连一颦一笑都要远离自然，这和戏曲的大众娱乐性、商业性，以及戏班物质经济条件薄弱等实际因素有关。在中国古代，戏曲常在广场、寺庙、草台或院坝演出，而在乡镇，又多是剧场与市场的合一。在嘈杂与喧嚣的环境中，艺人们不得不寻求突显自身的有效手段。这种寻求自我表现、自我夸张的出发点，使他们摸索出超越生活现实的方法，以此来表现生活，于是形成了这样的艺术规则：高亢悠扬的唱腔，配以敲击有力的锣鼓；镶金绣银的戏衣，衬着勾红抹绿的脸谱；火爆激烈的武打，伴着浪花翻滚的长髯。更为重要的是，舞蹈表演的程式规范化，音乐节奏的板式韵律化，舞台美术、人物化妆与造型的图案装饰化，连同剧本文学的诗词格律化，共同构成了中国戏曲和谐严谨、灵动活泼、意蕴醇厚的文化品格。

　　中国戏曲这种对虚拟性的认可，与西方戏剧一贯采用的错觉性舞台艺术处理原则大相径庭。在西方，人们走进剧场，自大幕拉开的那一刻起，戏剧家就要千方百计地运用一切可能的舞台手段，制造生活的幻觉，让观众忘记自己是在看戏。但中国的戏剧家不依靠舞台技术去创造现实生活的幻觉。传统的中国戏曲舞台是一个基本不用布景装置的舞台。舞台环境的确立，以人物的活动为依据，即先有人物的活动，才有一定的环境；没有人物的活动，舞台不过是一个抽象的空间。于是，中国戏曲舞台上的时空形态也不是固定的，时间要长就长，要短就短，长与短完全由内容的需要来决定，空间也是说变就变。中国戏曲这种极其超脱灵动的时空形态，需要依靠表演艺术来创造舞台上所需的一切。剧本中提示的空间和时间，随着演员的表演而产生，并取得观众的认可。比如，只要人物摇摇马鞭，说句“人行千里路，马过万重山”，中国观众立即就明白他走了千里路途，从一个地方来到了另一个地方。

　　中国戏曲的虚拟性给剧作家和演员以极大的艺术表现自由，拓宽了戏剧表现的领域。在有限的舞台上，演员运用高超的演技，可以把观众带入江流险峰、军营山寨、行舟坐轿、登楼探海等多种多样的生活联想中去，在观众的想象中共同完成艺术创造的任务。所以，在一个一无所有的舞台上，中国戏曲可以再现五彩缤纷的场景和千姿百态的人生。

　　然而，自由并非不受任何制约，真正的自由是限制中的自由。就戏曲来说，它受到艺术必须真实地反映生活这个基本规律的制约。因此，舞台的虚拟性必须和表演的真实感结合起来。比如，在“趟马”（即一套骑马的虚拟动作）中，“马”是虚的，但马鞭是实的。演员扬鞭、打马的动作必须准确严谨，符合生活的客观逻辑。所以，出色的演员往往能将虚拟与真实结合得天衣无缝，流畅自然。

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前言/序言

　　前言

　　中国戏曲是世界戏剧之林中的一朵奇葩，它以综合性、虚拟性、程式化等特点，赢得世人的赞叹。

　　在中国传统文化中，看戏是一种受众极广的艺术活动。它既能为贵族文人所欣赏，又能为平民百姓所领悟。因此，中国戏曲以一种异乎寻常的品貌形态，使观赏者既能获得怡情逸兴的享乐，又能从中汲取历史文化的积淀，接受人伦道德的教化。千百年来，中国戏曲逐渐成为中国人思想观念和人生感悟的载体，它以特殊的形态，保存了诸多中国传统文化与艺术的典型特征。

　　戏曲是一门综合的艺术，欣赏的角度多种多样。我们既可以欣赏其文学之美，也可以欣赏其唱腔之精、表演之妙，还可以欣赏其装扮之奇、舞美之佳。而且，中国戏曲剧种繁多，风格各异。或高亢激昂，或低回婉转；或淳朴俚俗，或精致高雅；有的善演家国兴亡，有的善演儿女情长，不一而足。总之，各善其妙，各尽其能，满足了不同地域、不同层次观众的欣赏需求。

　　在世界文化史上，中国戏曲与希腊悲剧、印度梵剧并称为世界三大古老戏剧。2001年，中国戏曲的杰出代表昆曲被联合国教科文组织评定为首批“人类口述和非物质文化遗产代表作”之一。此后，粤剧和京剧又分别于2009年和2010年入选“人类非物质文化遗产代表作名录”，为全人类所共同珍视。当然，中国戏曲仍然在成长、发展中，在继承传统的基础上与时俱进，开拓创新。

《戏曲之韵：中国传统舞台艺术的流变与精粹》 一、 引言：帷幕初启的千年回响 中国戏曲，作为中华民族优秀传统文化的重要载体，其历史源远流长，艺术形式丰富多彩，是世界舞台艺术宝库中一颗璀璨的明珠。它集文学、音乐、舞蹈、美术、武术等多种艺术门类于一身，以虚拟写意的手法和程式化的表演，构建了一个超越时空的舞台世界。本书旨在深入剖析中国戏曲从其远古萌芽到近现代繁荣发展的完整脉络，聚焦于不同历史阶段的艺术特点、流派纷呈以及对社会文化产生的深刻影响，力求勾勒出一幅全景式的中国戏曲发展图景。 二、 远古的胎动与雏形（先秦至隋唐） 戏曲的种子，早在先秦时期的各种祭祀活动、歌舞百戏中便已悄然埋下。先秦的“歌舞大曲”和“相和之乐”，已展现出初步的叙事和表演色彩。汉代的“角抵戏”和魏晋南北朝的“百戏”，则吸收了大量民间杂技和外来艺术，为戏曲的成熟提供了丰富的素材积累。 隋唐时期，随着宫廷燕乐的发展和民间曲艺的兴盛，戏曲艺术开始显现出清晰的轮廓。《隋唐五代俗讲》的流行，标志着说唱艺术的成熟。唐代“参军戏”的出现，以滑稽讽刺为主要特色，被公认为中国戏曲的直接先声。这一阶段的艺术，重在模仿、滑稽和叙事，尚处于从歌舞向戏剧转化的关键时期。 三、 元代的黄金时代：杂剧的辉煌 元代是构建中国戏曲成熟体系的决定性时期，以“元曲”为代表的杂剧艺术达到了空前的鼎盛。北方的蒙古族统治者接纳并推崇这种大众化的艺术形式，为其提供了广阔的舞台。 元杂剧的结构严谨，通常为四折一楔子，严格的“一人主唱”制度和固定的“曲牌”使用，形成了高度程式化的戏剧结构。关汉卿的《窦娥冤》的悲愤激昂，王实甫的《西厢记》的缠绵悱恻，马致远的《汉宫秋》的苍凉悲壮，共同构筑了元杂剧的艺术高峰。这些剧作不仅文学价值极高，更通过对社会现实的深刻揭示和对人物命运的细腻刻画，赢得了“高峰之作”的美誉。南戏在南宋发轫，虽然起步较晚，但其“曲牌自由”的特点，为后世南方的戏曲声腔体系打下了坚实的基础。 四、 明清的转型与声腔的勃兴 明清时期，随着商品经济的发展和市民阶层的壮大，戏曲的重心逐渐由北方的“说唱一体”转向南方的“声腔主导”。 （一） 南戏的成熟与昆曲的崛起： 明代，南戏在江浙一带继续发展，并逐渐规范化。与此同时，以张野 দিয়েছিল为代表的文人雅士，对南戏的声腔进行了雅化和提升，最终催生了集大成者——昆山腔（昆曲）。昆曲以其典雅细腻、拖腔婉转的声腔特色，配合精湛的舞蹈身段，成为明清两代最受文人推崇的“百戏之祖”。《牡丹亭》的浪漫主义色彩，《长生殿》的史诗性叙事，是昆曲艺术的巅峰体现。 （二） 花部乱弹的兴起与地方戏曲的争鸣： 晚明至清代中叶，随着市民文化对“雅”文化的反拨，以地方语音、通俗唱腔为基础的“花部”（如弋阳腔、乱弹等）开始兴起。这些地方声腔以其粗犷、热烈、贴近生活的特点，迅速在民间普及。徽班的“二黄”腔，在乾隆年间进京后，与昆曲的“西皮”腔相互融合、竞争、学习，最终促成了清代戏曲史上最伟大的变革——京剧的形成。 五、 近现代的演变与地域的争辉 清代中后期至民国时期，京剧艺术在徽汉合流的基础上，通过程长庚等艺术家的努力，最终定型。京剧以其“唱、念、做、打”的综合性要求，和严谨的行当划分（生、旦、净、丑），成为中国戏曲的代表剧种。梅兰芳、程砚秋、尚小云、荀慧生等“四大名旦”的出现，将旦角艺术推向了登峰造极的境界。 与此同时，中国广袤的地域孕育了数百种风格迥异的地方戏曲。川剧的“变脸吐火”绝技，粤剧的南派武功，豫剧的质朴高亢，越剧的细腻婉约，黄梅戏的清新自然，共同构成了百花齐放的局面。这些地方剧种或扎根于乡土，或吸收了民间曲艺的营养，展现了中国戏曲惊人的生命力和适应性。 六、 艺术特征：程式化与虚拟性的美学 中国戏曲的美学核心在于其高度的程式化和写意性。舞台上不追求布景的真实还原，而是通过象征性的道具（如一桌二椅象征万千场景）和程式化的动作来表达复杂的叙事和情感。水袖的翻飞、台步的走位、亮相的瞬间定格，无不蕴含着严格的技法和深刻的文化内涵。生、旦、净、丑的行当划分，是表演艺术家长期经验的总结，每一类角色都有其固定的化妆、服装和表演规范，这些规范本身就构成了戏曲独特的表演语言。 七、 结语：活态的传承与永恒的魅力 中国戏曲艺术的演变史，本质上是一部中华民族审美情趣和社会变迁的历史。从宫廷到民间，从文人雅士的案头到市井百姓的茶余饭后，戏曲始终是中国人精神生活不可或缺的一部分。它以其独特的艺术形式，承载了民族的记忆、道德的观念和审美的理想。深入理解其发展脉络和艺术精髓，是领略中华文化博大精深的关键路径。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角处理得非常新颖，它似乎不太着墨于我们通常在教科书里看到的那些宏大叙事，反而更像是一个老戏迷，拉着你坐在茶馆里，娓娓道来那些关于戏曲“变迁”中的人性与技艺的纠葛。我尤其对书中对“声腔”演变的论述印象深刻。作者没有采用那种生硬的音乐学术分析，而是用一种近乎诗意的语言，描述了不同声腔在特定历史时期如何与文人的情怀、市井的喧嚣相互作用，最终熔铸成我们今天听到的那些经典唱腔。那些关于昆曲在明清之际的盛极而衰，以及京剧如何在吸收融合中诞生的章节，读起来简直像是在听一场跨越数百年的音乐会。作者对细节的捕捉能力惊人，比如对某位著名演员的舞台习惯、对特定行当妆容的细微调整，这些小小的切口，却能折射出整个时代艺术观念的变迁。这本书的好处在于，它让你在享受戏曲艺术魅力的同时，也能够理解这些美是如何被塑造、又如何被时间洗礼的，它的温度很高，充满了对传统艺术的深情。

评分☆☆☆☆☆

初拿到这本书时，我有些担心它会是一本晦涩难懂的学术专著，但阅读后发现，作者的行文风格极为克制而富有张力。这种张力主要体现在对“地方戏”和“主流戏”之间关系的探讨上。作者没有简单地将地方戏视为主流戏的次要组成部分，而是深入挖掘了它们在生存环境、观众结构上的差异，以及它们如何相互影响、彼此滋养的过程。例如，书中对徽班进京前后，不同地方剧种的技艺如何在碰撞中相互学习、最终催生出京剧这一“集大成者”的分析，逻辑严密，论据翔实。这种处理方式使得整个中国戏曲史不再是单向度的发展，而是一个复杂、多中心、充满活力的生态系统。更值得称赞的是，作者在关键历史节点上，总能精准地抓住那些决定艺术走向的“转折点”，并对此进行深入的剖析，使得读者能够理解，每一次看似微小的艺术选择，背后都凝聚着无数艺人的心血和时代的烙印。读完后，我对戏曲的地域性、多元性有了全新的认识。

评分☆☆☆☆☆

这本“戏曲史”最让我惊喜的一点，是它并没有将戏曲视为一个孤立的艺术门类，而是将其置于广阔的中国文化和社会背景中去审视。作者在叙述中常常巧妙地引入当时的文学思潮、市民阶层的崛起、乃至宫廷审美的变迁，来解释戏曲如何适应、如何反抗、如何最终找到自己的表达方式。这种宏观视野使得整个历史叙述充满了“有机感”，我们能清晰地看到戏曲艺术是如何呼吸、如何生长的。例如，书中对清代中后期戏曲“传奇化”和“通俗化”的对比分析，就非常精彩地展现了精英文化与大众娱乐之间的微妙张力。作者的文字风格沉稳大气，很少使用华丽的辞藻，却能以极简的语言勾勒出复杂的人事关系和艺术脉络。对于一个希望全面、深入了解中国戏曲历史，却又不想被繁复的专业术语绕晕的普通读者来说，这本书无疑提供了一个极佳的路径，它构建了一个清晰、有层次感的知识框架，让人对中国传统舞台艺术的整体图景豁然开朗。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大感受是它的“可读性”与“专业性”达到了一个近乎完美的平衡点。作者在梳理庞杂的史料时，展现出极高的信息整合能力，但最妙的是，他总能找到一种优雅的方式将这些史料“讲”出来，而不是“堆”出来。它仿佛是一本行走的“博物馆导览手册”，只不过里面的展品是那些流动的、有生命的戏曲艺术。特别是关于戏曲文献的考证部分，作者的严谨态度令人钦佩，他对一些流传已久但存疑的说法进行了细致的辨析，澄清了许多历史上的模糊地带。我特别喜欢书中对“戏曲审美”的探讨，作者没有停留在对剧情的复述，而是深入剖析了不同历史时期观众的期待、对“虚实结合”的理解是如何随着时代进步而调整的。这种将艺术形式与其接受美学紧密结合的写法，极大地提升了阅读的深度，让人在欣赏戏曲的技巧之美的同时，也能领悟到其背后深邃的哲学意蕴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏把握得相当到位，像是一幅徐徐展开的、色彩斑斓的历史画卷。作者对于中国传统戏曲的起源和早期发展脉络梳理得极为清晰，从那些散落在文献中的零星记载，到逐渐成型的民间娱乐形式，每一步的演变都充满了故事性。尤其是对于早期戏曲形态，比如宋代的诸宫调、元杂剧的形成过程，作者没有陷入枯燥的学术堆砌，而是巧妙地穿插了一些当时的社会风俗和审美趣味，让读者仿佛能亲临那个时代的剧场。我特别欣赏作者在描述不同地域、不同流派兴衰时所展现出的那种深厚的历史洞察力，它不是简单地罗列时间线，而是探讨了社会变迁、政治环境对戏曲艺术本体的影响。阅读过程中，我能感受到作者对于每一位戏曲大师的敬意，那种对艺术精髓的深刻理解，使得那些陈旧的剧本和表演形式重新焕发出了鲜活的生命力。这本书的文字功底极其深厚，既有古典文学的韵味，又不失现代学术的严谨，读起来既有品味，又能获得扎实的知识积累，实属难得的佳作，让人读完后对中国戏曲的“根”有了更清晰、更立体的认识。