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Eric Taylor 著

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出版社： Associated Board of th...

ISBN：9781860969454

商品编码：1200421895

包装：平装

外文名称：Music Theory in Practi...

出版时间：2008-05-22

页数：48

图书基本信息

Music Theory in Practice, Grade 4
作者： Eric Taylor
ISBN13： 9781860969454
类型： 平装(简装书)
出版日期： 2008-05-22
出版社： Associated Board of the Royal Schools of Music
页数： 48
重量（克）： 182
尺寸： 228 x 4 x 305 mm

商品简介

Fully revised, this workbook remains the best way to prepare for ABRSM's Grade 4 Theory of Music Exam. Features a clear explanation of music notation, many worked examples and practice exercises, definitions of important words and concepts, specimen exam questions and helpful tips for students.

音乐理论实践：进阶精研 (Grade 4) 一窥音乐世界的深层结构与精妙运作 《音乐理论实践：进阶精研 (Grade 4)》是一本专为有志于深入理解和掌握西方音乐传统核心原理的学习者精心编纂的教材。本书旨在超越基础的音符识别与节奏标记，引导读者进入一个更广阔、更复杂的音乐分析与创作领域，为未来的高级学习或专业实践打下坚实的基础。 本书内容的设计，完全侧重于那些在初级阶段被简要提及，但在高阶学习中占据核心地位的理论知识点。我们摒弃了对初级知识的重复叙述，直接聚焦于需要系统性梳理和深入实践的复杂概念。 --- 第一部分：和声的结构与功能深化 本部分将严格限定在对四部和声进行精细化处理的层面，彻底超越三和弦的简单排列。 第一章：导化与二次属和弦的运用 本章深入探讨了导和弦（Secondary Dominants）在调性功能进行中的关键作用。我们将详细分析 V/ii, V/iii, V/IV, V/V, V/vi, 以及 V/vii° 如何有效地临时性地导向功能不同的和弦，从而丰富调性色彩并增强和声的驱动力。 功能分析的精确性： 学习如何辨识和准确标注这些导和弦，并理解它们对主调和声背景的“临时转调”效应。 实际应用： 侧重于巴洛克晚期至浪漫主义初期作品中，这些和弦的写作模式与听觉效果的分析。 第二章：七和弦的复杂形态与解决 在 Grade 4 的层级，我们不再满足于属七和弦（V7）的基础知识。本章将重点解析更具张力的七和弦及其变体： 减七和弦（Diminished Seventh Chords）： 探讨其高度对称性、多功能性（能够解决到多个不同的和弦），以及其在转调进行中的桥梁作用。详细分析其在戏剧性写作中的应用。 九和弦的引入（Ninth Chords）： 专注于属九和弦（V9）的结构、音高选择，以及解决方式。着重讨论无三音或无五音的结构对听感的影响。 非功能性七和弦的初步接触： 探讨如 II7（超级主和弦的七和弦形态）的功能性分析，及其与 V7 的关系。 第三章：和声连接的进阶技巧 本章聚焦于如何使和声进行听起来流畅、逻辑严密，并富有艺术性，而非仅仅是符合规则的堆砌。 非功能性连接（Chromatic Mediants）： 深入研究以三度关系连接的和弦，例如 C 大调到 E 大调或 A 小调的和弦连接。分析李斯特和瓦格纳等作曲家如何利用这种色彩丰富的连接手法。 和弦外音的精细处理： 细致区分和弦外音（Non-Chord Tones）的类型——经过音、邻音、倚留音、预付音、自由音——并明确规定它们在不同节拍位置上的使用规范和解决路径。 不协和音程的解决规范： 特别强调如何处理九度、四度以及七度和弦内的不协和音程，确保解决时符合对位法的严格要求。 --- 第二部分：对位法与织体构建 本部分将要求学习者从“和弦的垂直组合”转向“旋律的水平交织”，这是理解复调音乐的关键。 第四章：两部对位法回顾与深化 虽然对位法的基础可能在前期涉及，但 Grade 4 强调的是对规则的灵活应用和对位织体的实际建构能力。 第一、第二、第三种对位法在“即时写作”中的运用： 重点训练将不同“种”（Note-against-note, Suspensions, Florid counterpoint）的对位规则，有机地融入到实际的旋律线条中，而不是孤立地练习。 第五章：巴赫风格的模仿与实践 本章将巴赫的赋格曲（Fugue）作为核心分析对象，引导学生构建简单的两声部或三声部对位织体。 呈示部结构分析： 学习主唱题（Subject）的构建特征（如清晰的轮廓和节奏动力），以及应答（Answer）的真实与移位差异。 连接段的写作： 如何利用对位技巧（如素材的展开、倒影、模似）来连接不同的呈示段落。 织体厚度的控制： 在三声部写作中，如何保持清晰的旋律线条，并控制低音声部的进行，避免拥挤。 --- 第三部分：调式、音阶与转调的广度 本部分扩展了调性系统的边界，介绍了调式和更复杂的转调技巧，为理解19世纪末和20世纪初的音乐做准备。 第六章：调式音阶与色彩 本章系统地介绍了欧洲古典音乐中“非大调/小调”的音阶系统，并分析其在民族音乐、民间音乐以及浪漫主义音乐中的色彩运用。 教会调式（Modes）： 深入研究伊奥尼亚、多利亚、弗里吉亚、利迪亚、混合利底亚、爱奥利亚和洛克里亚调式。重点在于分析每一调式的特征音程（如Dorian的六音，Lydian的增四音）如何影响其和声功能和听感。 音阶变体： 探讨如五声音阶（Pentatonic）和全音阶（Whole-Tone Scale）在德彪西等作曲家作品中的结构与功能。 第七章：远关系转调技术 告别半音阶和属七和弦在邻近调之间的转调，本章专注于实现大幅度调性跳跃的方法。 皮特曼转调法（Pivot Chord Modulation）： 深入分析如何找到一个在原调和目标调中都具有明确功能的和弦，实现平滑过渡。 不协和连接转调： 运用如增三和弦（Augmented Triads）或减七和弦作为中介，实现听感上更为突然但逻辑上可解释的转调。 同主音转调（Parallel Key Modulation）： 专注于大调与平行小调之间的快速转换，例如 C 大调到 c 小调的直接连接。 --- 第四部分：曲式分析与演奏标记 本部分侧重于将理论知识应用于实际的音乐作品结构理解，并规范演奏记号的准确性。 第八章：小型曲式的深入剖析 本章的重点在于识别和分析常见的、结构相对清晰的古典时期小型曲式，并理解其内部的“乐句逻辑”。 复合三部曲式（Compound Ternary Form）： 深入分析 ABA 结构中 A 段和 B 段内部的结构（如A1 – A2 – B – A1/Coda），并关注连接处的和声处理。 回旋曲式（Rondo Form）： 重点分析 ABACA 结构中，各段落（特别是插部 Episodes）的调性关系和主题材料的展开方式。 第九章：演奏法与表情术语的精确解读 理解了“写了什么”，更要理解“如何演奏”。本章细致梳理了标准演奏记号的含义。 节奏的细微差别： 区分“附点”与“延长音符号”在不同情境下的精确时值差异。 力度与表情记号的层次性： 详细解释如 sfz, fp, sostenuto 等复杂力度记号在不同乐器和声部中的实际应用，以及它们对音乐语汇的贡献。 --- 本书特点总结： 本书的结构严格遵循了对音乐理论知识的层层递进要求，假设读者已完全掌握基础的调性规则和基础和声（如三和弦的构成与基本功能）。因此，全书的篇幅和深度完全集中于二次属和弦、减七和弦的复杂应用、对位法的结构性写作、调式色彩的辨识，以及远关系转调这些 Grade 4 级别的核心能力培养上。所有示例和练习均来自对古典与浪漫主义时期成熟音乐作品的提炼，确保理论与实践的无缝对接。学习者将通过大量的分析练习，掌握在复杂调性环境中构建、分析和演奏音乐的能力。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧简直让人眼前一亮，那种沉稳又不失活泼的设计感，拿在手里就感觉自己已经踏入了音乐学习的殿堂。特别是纸张的选择，触感细腻，墨色清晰，即便是长时间的阅读也不会让人感到眼睛疲劳。封面设计简约而不失格调，色彩搭配上选择了那种低饱和度的复古色系，既有学术的严谨性，又增添了一丝艺术的灵动。我尤其欣赏它在章节之间的过渡处理，图文并茂的布局方式，让原本可能枯燥的理论知识变得生动有趣。比如，有些比较抽象的概念，作者并没有仅仅用文字去解释，而是配上了精心绘制的示意图或者历史小插曲，这种“润物细无声”的教学手法，极大地降低了初学者的入门门槛。翻开内页，你会发现，它不仅仅是一本教科书，更像是一位耐心的导师在为你娓娓道来。每页的留白恰到好处，呼吸感很强，这在很多同类教材中是很少见的。整体而言，从视觉到触觉的体验都达到了非常高的水准，这对于激发学习兴趣，保持阅读的愉悦感来说，无疑是一个巨大的加分项。我完全可以想象，这本书如果摆在书架上，本身就是一件赏心悦目的艺术品，更不用说它内部承载的知识价值了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附加资源和配套支持系统堪称典范，完美地弥补了纸质书在互动性上的固有缺陷。我发现它在提供在线音频示例和互动练习模块方面做得非常出色。通常一本乐理书，你只能在脑海中“想象”出某个和弦进行听起来是什么感觉，但这本书的配套资源提供了高质量、不同乐器配置的录音样本，让你能够亲耳听到复杂对位或特定配器下的音响效果，这对于培养精准的听觉辨识能力是无可替代的。而且，这些音频资源似乎是根据书中的具体例子精确对应设置的，你不需要费劲去搜索或猜测，直接扫码或访问链接就能找到对应的音频，这种无缝对接的设计体现了出版方对学习体验的极致追求。此外，在线练习系统的反馈机制也做得非常人性化，它不会简单地告诉你“错了”，而是会指出错误的大致方向，引导你去回顾书中相应的章节进行修正，真正实现了“学、练、测、纠”的闭环学习过程。对于自学者而言，这种即时、精准且具有引导性的反馈，其价值不亚于一位在身边的专业老师。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构组织逻辑清晰到令人惊叹，仿佛有一条无形的金线串联起了所有知识点。它不是简单地按照传统乐理的章节顺序堆砌内容，而是构建了一个递进式的学习路径图。初始部分着重于打下坚实的基础，像是盖房子的地基，稳固且不可动摇；随后则开始引入更复杂、更具创造性的内容，比如对非功能性和声的初步探讨，或者对特定时代作曲技法的侧重分析，这就像是房子的内部装修和功能布局。更让我欣赏的一点是，它在每个单元末尾都设置了一个“理论回顾与应用桥梁”的小节。这个环节不是简单的总结，而更像是一个“知识迁移站”，它会把本单元学到的知识，用更高级、更综合的视角重新审视一遍，并预告这些知识点在下一阶段将如何被深化和运用。这种结构上的前后呼应和层层递进的设计，极大地减少了知识遗忘的风险，因为每一个新的知识点都建立在一个已被巩固的旧知识平台之上，学习过程变得异常流畅和自然，几乎没有“卡壳”的感觉。

评分☆☆☆☆☆

作为一本理论教材，它在知识的广度和深度上的平衡把握得极其精妙，尤其值得称赞的是它对“实践”二字的重视程度。很多教材只是停留在定义和规则的罗列，但这本书似乎始终提醒着读者——音乐是用来听和演奏的，而不是仅仅用来分析的。书中提供的练习题设计得非常巧妙，它们不仅仅是简单的填空或判断，而是巧妙地引导你将理论知识转化为听觉感知和指尖的动作。比如，在讲解特定转位和弦的听辨时，它会要求你不仅要识别和弦，还要尝试用不同的乐器组合去模拟这些和弦在不同乐队配器中的听感差异，这瞬间将抽象的乐理知识提升到了配器法的层面。此外，作者对于历史上不同流派音乐的理论特征的梳理也非常到位，它没有固执地抱守一种单一的理论体系，而是展现了一种兼容并包的态度，让你明白“真理”在不同的音乐语境下可能有着不同的面貌。这种开放性的理论视角，对于培养一个全面发展的音乐学习者来说，是至关重要的，它教会我们尊重历史的多样性，并在理解规则的同时，也敢于质疑和创新。

评分☆☆☆☆☆

这本书的行文风格简直可以用“深入浅出，如沐春风”来形容。作者在处理那些听起来就让人头皮发麻的专业术语时，展现了非凡的功力和耐心。他们似乎深知不同学习背景读者的困惑点在哪里，因此在每一个关键概念提出时，都会立刻跟上一段极其生活化的类比解释，让人瞬间豁然开朗。我记得有一段关于调式转换的描述，如果放在其他教材里，可能就是一堆复杂的音程和功能和弦分析，但在这里，作者竟然用“旅行中的导航系统”来比喻和声的进行方向，那种画面感和逻辑上的清晰度，让我这个在和声学上摸爬滚打了好几年的老手，都感到醍醐灌顶。再者，作者在叙事上保持了一种非常平稳的语速和节奏感，没有那种高高在上的说教口吻，而是像一个经验丰富的前辈在分享自己的心得体会，充满了人文关怀。他们巧妙地将枯燥的规则融入到对伟大作曲家作品的片段赏析之中，让你在不知不觉中学到了规则的实际应用，而不是单纯地记忆规则本身。这种以应用为导向的叙述方式，极大地增强了知识的粘性和实用性，让人感觉每学到的一个小知识点，都能立刻在实际的音乐实践中找到用武之地。