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[英] 简·卡伦德 著

图书标签:

• 图案设计
• 设计素材
• 矢量图案
• 创意设计
• 装饰图案
• 背景图案
• 插画
• 纹样
• 图案素材
• 艺术设计

出版社： 中国画报出版社

ISBN：9787514614213

版次：1

商品编码：12039517

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-02-01

用纸：铜版纸

产品特色

编辑推荐

　　★无论是专业的设计师还是普通的手工爱好者，都值得拥有这本实用的图纹设计工具书
　　★从简至繁，循序渐进，简·卡伦德将教授读者如何从简单的元素设计和发展自己图案，并由此展开更多的延伸和衍变
　　★全书包含2000种图案设计方案，设计不同风格、不同材料及不同主题，为激发灵感提供丰富的素材

内容简介

　　图纹设计常见于平面设计，时装设计，纺织品设计及其他工艺美术中。这是一本由由浅入深，用2000种图纹方案来教授你如何自己创作图纹的书籍。
　　若要想创造一组图案，简单的方法便是从“重复”入手。随后还可以旋转，镜像对立，并按照某个焦点拼凑多种组合。简·卡伦德将在书中展现一个简单的元素可以通过不同的技巧、媒介、材料衍生出无数种图案。而这种搭配组合的过程往往也是激发灵感的过程。无论是专业的设计师还是普通的手工爱好者，都值得拥有这本实用的工具书。

作者简介

　　简·卡伦德（Jane Callender），是一名来自英国的纺织品设计师，同时也是著名的扎染艺术家。她在制作扎染艺术品的过程中对图纹设计产生兴趣，并发展了一套图纹设计理论。在简·卡伦德超过25年的教学生涯中，她的织品课程已经遍布全球，其作品也被许多私人收藏家收藏。

内页插图

目录

前言
砖饰、嵌饰和网格
移动方块
移动三角形
矩形和三角形
圆形
前卫的几何设计
树叶
鸭子
隐藏重复构成
拼贴
绣球花
生命树
绞染
来自非洲
圆点和色渍
蝴蝶
斑点的重复构成
铁线莲
园艺纹样
后记
参考书目

前言/序言

　　图案具有音乐般的感染力，或如微风转瞬即逝，或如花岗岩坚固不移；图案能给观者传达明快或暗淡的感觉。因此，图案世界一直令我着迷。这些年来，图案研究已经演变成我的一门渐趋完善的学科，并且一直在我的缝纫与绞染工作中发挥着重要作用。
　　在日常生活中我们可以发现，许多物体的表面上都排列着精心设计的图案。即使是光滑的白色床单，也是由细小的图案组成的，那就是通过平纹梭织技法组织起来的大片经纱和纬纱。当布料堆叠在篮筐里的时候，这些布料才更易于辨识一些，因为它们是物体本身的结构形成的。对图案设计师来说，过去没有现在这样多的技术、媒介和材料可供选择，也没有丰富的素材来激发灵感。通过目前的编织、转印和印刷技术，我们可以用无数种不同的方式来创构图案，并将之大量应用于物体表面上，使图案研究进入黄金时代。
　　创造图案，是一个不断重复同一主题，或以系统为单位进行设计的过程。图案样板师会使用几何网格以确保图案位置的条理性，从而保证图案的流动性不被打断，形成一种不受干扰的顺畅节奏。这种位置布局的规律性被称为“重复构成”；将一款图案“投入重复构成”有很多种方式。也可以理解为，二维平面上的图案
　　就是可以无限延展的，并且也只有人造的图案具有无限延展性。因为自然界中存在的图案虽然具有无穷美感，却受限于物体本身的形态和形状不能无限延展。例如为了贴合鱼的身体，自然界的鱼鳞的形状大小不等，虽然完美地适应了鱼身，但是并不能形成无限延展不闭合的图案。
　　正方形和三角形是构成图案网格的常见图形，它们通过组合能给我们提供很多种新的选择。网格的比例和曲线有多种选择，可以作为模块的网格，便于把设计好的母题图形填进模块网格中。使用模块网格时看似有着诸多的限制，实际上恰恰是模块网格让图案制作者得以从诸多劳动中解脱出来。下一步主要是考虑图案最终要放置在何种表面上了。例如，何种
　　大小的瓷砖？何种宽度的布料？是为时尚还是为装饰？图案设计必须“适应目的”，换句话说，以满足其用途作为绝对标准。图案的规模、颜色、母题的设计和布局都能适应用途。买家在选择中意的设计时往往倾向于选择“重复构成”模式和多种色彩的图案。
　　本书的目的是图案示范，但不仅仅是提供了一些可供拷贝的图案，而是为了展示图案设计的细节流程。书中采用了易于遵循、循序渐进的范图和指导步骤图，帮助读者从零开始建立自己的图案模块网络；并用小贴士来展示在实际操作中如何把一个图案制成可重复构成的模式。不同主题在重复构成时会出现许多选择，每个选择都侧重于这一重复构成母题的主要特点。一个设计的开发过程首先是被勾画出来，然后不停地修改。其过程展示了复杂的图案是如何由简单图案发展而来的。
　　书中具体的标题，如砖体重复构成、交替重构等，过了初入门的一至四章以后便不再使用。这些变化将跟随图案的名称出现。因此，在名为“鸭”的图形的重构格式中，随着图案的不断展开，重构模式、配色路径和尺度大小都会呈现出来。有人会认为以“鸭”为母题的图形变化只会带来单一重构的鸭图案而已，然而，经过稍加调整和修改，一个二十世纪四十年代风格的柔和几何图案便跃然纸上。
　　本书重在阐述线和形的延续方式，而非讲解构成元素或如何设计出好的构成元素。为避免受已有风格的影响，所有图案都是在电脑上创建的。我希望读者能从自身角度对线和状的填充进行解读。因为在一位刺绣工匠或一位瓷砖印制刻版师的眼中，一条线可能就是一根丝线或一根标记线；一块图形，可能就是一块皮革嵌花，或是颜料通过丝网而透印的一个图形。特定的图案也可以让人想到某种织物的纹理或雕花玻璃。书中还有一章讲述扎染，是一种与母题重构设计图案截然不同的技艺，但其中核心的先行设计环节同样遵循图案设计的一般原则，尽管扎染设计步骤也可以从其他角度去解读。
　　这本书就像一本词典，任何领域的设计师都可以利用这种模式语言来按照自己的需求绘制图案，并应用于想使用的媒介上。我希望本书能够成为有志于从事设计和图案创作的学生的实用教材，激励那些想要对任何平面进行装饰的人大胆创新，并能成为他们的参考书，使读者得以感受我这份对图案构成及其内在规律的探索之心，以及描绘出心中风景的那种渴望之情。

艺术的边界：当代视觉语言的探索与重构 书名： 艺术的边界：当代视觉语言的探索与重构 作者： [此处留空，或填入一个富有想象力的笔名，例如：艾萨克·维恩] 出版社： [此处留空，或填入一个偏向学术或实验性的出版社名称，例如：未名空间出版社] --- 内容提要 《艺术的边界：当代视觉语言的探索与重构》并非一本关于既有“图案”或“范式”的汇编手册，它是一次深入当代艺术实践核心，对视觉表达的生成逻辑、解构过程与未来可能性进行系统性审视的学术专著。本书聚焦于21世纪以来，在全球化、数字技术迭代与社会思潮剧变背景下，视觉艺术如何突破传统界限，挑战既有美学规范，并构建出全新的意义场域。 本书的核心论点在于：当今的视觉艺术语言已不再满足于表面的“风格模仿”或“元素组合”，而是转向对“过程”、“关系”和“非物质性”的捕捉与呈现。 它摒视对既定美学符号的简单梳理，转而探讨那些晦涩、边缘、甚至看似“反设计”的创作方法论。 全书共分为五个主要部分，层层递进，从宏观的理论溯源到微观的实践分析，为读者提供一套批判性的工具，以理解和参与当下的视觉文化对话。 --- 第一部分：解构“美学舒适区”——从符号学到后结构主义视阈 本部分首先审视了传统设计美学赖以生存的基石——对称性、可识别性与功能性。作者认为，在信息爆炸的时代，这些曾经是效率象征的元素，如今已成为视觉疲劳的催化剂。 符号的崩塌与冗余： 探讨当代艺术家如何系统性地“去语境化”经典视觉符号。例如，当一个商业标志被置于纯粹的艺术语境中时，其原有的信息承载力如何消解，并转化为一种对“过度信息”的批判。 “噪音”作为信息载体： 深入分析如本雅明的“灵光”消逝后，艺术家如何利用数字故障（Glitch）、人为的失真（Artifacts）以及随机性（Chance Operations）来生成具有原始冲击力的视觉事件。这些“不完美”的表象，恰恰构成了对完美主义的有力反驳。 对“风格”的警惕： 明确区分“风格”与“方法论”。本书认为，追逐“2000种图案”本质上是对风格的复古或集合，而当代艺术的驱动力在于发展出不可被快速命名的、动态变化的研究方法。 --- 第二部分：时间性与物质性——动态的视觉生成 本章将焦点从静态的“图像”转向动态的“过程”，探讨时间维度和物理媒介在视觉生成中的核心作用。 生成艺术的非线性叙事： 分析算法、生成式对抗网络（GANs）等技术如何介入创作，但强调重点不在于“算法本身有多酷炫”，而在于艺术家如何控制或“驯化”这些非人类能动性，以揭示潜在的结构性偏见。 物质的惰性与抵抗： 探讨使用非传统材料（如工业废料、生物材料或光线本身）进行创作的意义。这不再是关于材料的“肌理”美感，而是关于材料在物理定律下展现出的“抵抗性”与“自洽性”。比如，探讨染料在特定化学反应中不可逆转的色彩漂移，如何成为一种对既定预期的颠覆。 慢速美学（Slow Aesthetics）： 对抗即时满足的文化。分析那些需要长时间观看、甚至需要时间才能“完成”的作品（如光影的缓慢演变、缓慢腐蚀的金属表面），这些作品迫使观众放慢认知速度，进入更深层次的内省。 --- 第三部分：空间、身体与感知错位 当代视觉艺术的边界已不再局限于二维平面。本部分关注视觉如何与观众的身体、环境以及空间体验进行交互。 从屏幕到场域： 讨论沉浸式装置艺术和虚拟现实（VR/AR）中，视觉元素的构建逻辑。这与传统平面设计中的“构图”截然不同，它关乎视角的重构、尺度的颠覆，以及对“观看者即被观看者”这一悖论的探讨。 触觉的视觉化： 探究艺术家如何通过光影、频率和运动，在视觉层面模拟或暗示触觉体验。例如，如何用极简的线条和色彩对比，在观众的视觉皮层上激发出一种“皮肤的颤栗感”。 认知负荷与感知阈值： 详细剖析那些故意设计得让人感到不适或困惑的视觉布局。这些布局旨在测试观众的认知耐受极限，迫使他们超越习惯性的识别机制，从而发现新的感官通路。 --- 第四部分：语境的武器化——图像的政治学转向 视觉语言是权力的载体。本章将研究当代艺术家如何将视觉元素“武器化”，用以解构社会结构中的权力关系。 后殖民语境下的图像挪用： 分析艺术家如何系统性地回收和重组被西方主流文化定型的“异域”图像，将其置于批判性的对话框架中，揭示其背后的权力叙事。 数据的可视化伦理： 探讨“数据可视化”的陷阱。当数据被赋予视觉形式时，其客观性往往被掩盖。本书展示了如何通过故意扭曲数据图表的几何关系或色彩编码，来暴露隐藏在信息之下的意识形态偏见。 “无名”与“去中心化”的视觉表达： 研究那些拒绝个人署名、倾向于集体创作或匿名发布的视觉实践，探讨这种做法如何挑战艺术市场的中心化权威，并促进一种更具公共性的视觉对话。 --- 第五部分：未来的形态——视觉语言的“未完成态” 在结语部分，作者展望了视觉表达的下一阶段，认为未来的艺术将更多地停留在“未完成”和“可塑性”的状态。 互动性与持续的生成： 讨论那些需要观众持续输入或参与才能保持其存在的作品。视觉不再是一个终点，而是一个持续的“反馈回路”。 跨感官的映射与转换： 探讨声音、气味、文本等非视觉信息如何被系统性地映射为新的视觉结构，模糊艺术媒介之间的界限。 --- 读者对象 本书适合艺术史学者、视觉文化研究者、前沿的设计师、跨学科领域的策展人，以及任何对“图像为何如此”而非“图像是什么”抱有深刻好奇心的严肃读者。它不是提供答案的指南，而是激发更复杂提问的工具箱。 本书的目标是：引导读者超越对既有“图案”的依赖，进入到对视觉表达本质的深刻追问之中。

评分☆☆☆☆☆

这本《图案设计2000种》简直是为我这种刚踏入设计行业的新手量身定做的宝典！我原本对“图案设计”这个概念还停留在比较模糊的阶段，总觉得它离我的实际工作有点遥远。然而，当我翻开这本书，那种扑面而来的视觉冲击和知识的广度立刻让我意识到自己捡到宝了。书中的排版极其清晰，每一页都像是一个精心策展的迷你展览，光是欣赏那些排列组合、色彩搭配的范例，我就能耗费掉大半天的时间。我尤其欣赏它并没有局限于某一种风格的探讨，而是像一个博览群书的智者，将从古典的洛可可花纹到现代的极简几何图形，再到前卫的迷幻抽象元素，全都囊括其中。这种“大而全”的格局，让我在进行任何项目构思时，都能迅速找到一个可供借鉴和深化的起点。比如，当我需要为一家强调自然气息的咖啡馆设计包装时，我不需要在茫茫网海中搜索“自然主题图案”，直接翻阅书中的“有机形态”章节，就能看到上百种不同的叶脉、水波纹或藤蔓的抽象处理方式，每一种都带有清晰的风格注解。这本书更像是一个强大的灵感“催化剂”，而不是一本僵硬的教程，它教会我如何观察、如何拆解、如何重构，让我的设计思维变得立体而饱满。

评分☆☆☆☆☆

购买这本书时，我原本的预期是它会提供大量的“可以直接套用”的素材库，毕竟书名里带了个“2000种”，听起来就很有实用性。然而，阅读完前三分之一后，我的想法彻底转变了。这本书的真正魅力在于它的“启发性”，而非“现成性”。它展示的图案更像是一种“设计语言的词汇表”，而不是完整的句子。作者的意图显然是鼓励读者去吸收这些语言，然后用自己的“语法”去组织全新的表达。这一点对于我们这些需要不断面对定制化客户需求的设计师来说，至关重要。我可以清晰地看到，每一种基本元素——无论是点、线、面，还是特定的肌理——是如何通过不同的密度、重复方式和色彩介入，从而衍生出截然不同的情感基调。例如，同是“网格”结构，有的版本呈现出冰冷的秩序感，有的版本却因为细微的扭曲而带上了动感和有机生命力。这本书让我理解了，设计不是选择一个图案，而是选择一种“组织关系”，这无疑极大地拓宽了我的创作边界，让我不再满足于表面的雷同，而是去追求内在的共鸣。

评分☆☆☆☆☆

说句实在话，作为一名资深平面设计师，我已经积累了相当数量的电子素材和设计书籍，对“新奇”的图案设计往往持保留态度。很多所谓的“新颖”设计，翻开后发现不过是旧元素的拙劣重组。但《图案设计2000种》这本书，却能持续地带给我惊喜，尤其是在那些看似最不起眼的小细节处理上。书中对于“负空间”在图案构成中的应用，有着极其精妙的案例展示。我以前总倾向于用正形去填满空间，但这本书里那些利用背景空白来构建清晰轮廓或暗示更高层级含义的图案，让我眼前一亮。这种“做减法”的设计哲学，是需要极高功力才能达到的境界。而且，它的分类方式也颇具匠心，它没有按照传统的“花卉”、“几何”等俗套的分类，而是尝试用“流动性”、“结构性”、“错位感”这样的更具设计思维的维度进行组织。这种结构上的创新，本身就是一种高级的设计示范，它引导读者跳出固有的思维框架，去用全新的视角审视图案的本质。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，我是一个对细节有着近乎偏执要求的设计师，对我而言，一本工具书的价值，往往体现在它能否深入到“为什么是这样”的层面。这本书在这一点上，虽然篇幅浩瀚，却也保持了令人赞叹的严谨性。我注意到，它并非仅仅堆砌图片，而是巧妙地在一些关键的案例旁边，配上了对该图案结构、历史渊源或核心设计原理的精炼阐述。例如，在介绍某种复杂的镶嵌图案时，书本会简要提及这种构图背后的数学逻辑，这对于追求精准度的我来说，简直是醍醐灌顶。我曾花费数周时间试图理解某些传统纹样的对称性与韵律感，而这本书用寥寥数语，配合图示，就将那个核心概念清晰地展现出来。它不是那种只会告诉你“画成这样就好看了”的书，而是努力去揭示“如何才能画得有道理、有深度”的路径。对于那些希望从模仿走向创造的设计师而言，这种对“底层逻辑”的挖掘，远比上千个孤立的图案本身更有价值。它将图案设计从一种纯粹的装饰行为，提升到了结构美学的高度。

评分☆☆☆☆☆

我不得不提一下这本书在“跨界应用”方面的广度，这对我日常的工作效率提升有直接帮助。我的项目经常需要涵盖从网页UI到实体产品的包装，再到布料印花等多个载体。过去，我需要分别查阅针对不同媒介的图案设计规范和趋势，效率低下且容易出现风格断裂。这本书的强大之处在于，它提供的是一种“普适性”的设计语言。它展示了如何将一个原本用于建筑马赛克的复杂几何图案，抽象化并简化，使其完美适配于一张极简主义的明信片，或者如何将一种抽象的细胞分裂图样，调整色彩和密度后，变成具有强烈视觉冲击力的时尚T恤印花。这种跨媒介的“转译”能力，是这本书留给我的最宝贵的财富。它让我意识到，优秀的图案设计，其核心的“骨架”是相对稳定的，关键在于如何根据媒介的特性进行“皮肤”和“血肉”的调整。对于多面手来说，这本书无疑是节约了大量时间成本，并保证了设计质量一致性的强大后盾。

评分☆☆☆☆☆

做家具的很有用

评分☆☆☆☆☆

色彩缤纷2000种的对比配色

评分☆☆☆☆☆

不错?好书

评分☆☆☆☆☆

图案设计2000种

评分☆☆☆☆☆

买来留车慢慢看

评分☆☆☆☆☆

正常的货品，正常的评级，还能飞咋滴

评分☆☆☆☆☆

正常的货品，正常的评级，还能飞咋滴

评分☆☆☆☆☆

入门级

评分☆☆☆☆☆

书很不错，值得购买