墨点字帖 碑帖临摹立式宝曹全碑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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墨点字帖 著

图书标签:

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出版社： 湖北美术出版社

ISBN：9787539489926

版次：1

商品编码：12171090

品牌：墨点

包装：平装

开本：16开

出版时间：2017-04-01

用纸：胶版纸

产品特色

编辑推荐

　　（一）立式展示，利于观察

　　本套图书采用台历式装订，打开后立于桌面，形同帖架，使例字处于视线角度的舒适范围之内，避免了因俯视产生的视觉误差，置于案头，可时时揣摩，欣赏经典。

　　（二）原字放大，例字精选

　　选取较清晰的碑帖原字加以放大，置于米字格中，便于读者体察细节，准确定位。例字按从简到繁，从易到难的顺序归类编排，使读者可以循序渐进。部分碑帖则全文选入，直接按原文顺序排列。

　　（三）要点精解，简明易懂

　　我们为读者列出每个例字的临写要点，帮助读者提纲挈领，举一反三。部分碑帖仅附释文，不作单字讲解。部分碑帖后面还附有集字作品供读者临习参考。

内容简介

　　本书为《曹全碑》选字。《曹全碑》，全称《汉郃阳令曹全碑》，又称《曹景完碑》，无书者姓名，东汉中平二年（185）立。明万历初年出土于郃阳县（今陕西省合阳县）。《曹全碑》为汉碑名品，笔画圆润，结体舒展，秀丽多姿而骨力内含，点画有篆意，故能清而不浮，秀而不弱。学习隶书者多喜学此碑。本书附有集字作品，供读者临习参考。

内页插图

好的，这是一份关于与《墨点字帖 碑帖临摹立式宝曹全碑》无关的其他图书的详细简介，旨在描述其独立的内容和价值，不提及原书信息。 --- 《华夏艺术史纲要：从新石器至近现代》 内容简介 本书旨在为广大艺术爱好者、历史研究者以及专业艺术学子提供一部全面、深入且富有洞察力的华夏艺术发展通史。全书以严谨的学术态度和清晰的叙事结构，系统梳理了自远古洪荒直至二十世纪现代转型期，中国艺术史脉络的演变、风格的更迭以及其背后的社会、哲学与技术支撑。 本书的核心价值在于其跨越了传统艺术史中常见的断代壁垒，力求展现一种连续性的、动态的艺术发展图景。我们不仅关注那些被奉为圭臬的“主流”艺术形式，更着重发掘和阐释那些在特定历史时期扮演重要角色的地方艺术、民间工艺以及边缘艺术的独特贡献，以期构建一个更为立体和包容的艺术全貌。 第一编：孕育与曙光（新石器时代至先秦时期） 本篇追溯了中国艺术的源头。从仰韶文化的彩陶图案中流淌出的原始生命力，到红山文化玉器的神性光辉，我们探讨了早期人类如何通过物质媒介表达对自然和宇宙的理解。重点章节深入分析了良渚文化的礼器制度与玉琮、玉璧所承载的早期宇宙观。 随后，视线转向青铜文明的巅峰。商周时期的礼器美学被视为中国造型艺术的第一次高峰。我们详细剖析了司母戊鼎、四羊方尊等重器上饕餮纹饰的符号学意义，以及金文的演变如何预示了后世书法艺术的结构基础。春秋战国时期，礼乐崩塌引发了艺术表达的剧烈变革，楚文化浪漫、奇诡的艺术风格，与秦汉雄浑的帝国气象形成了鲜明对比，为后世的风格多元化奠定了基础。 第二编：帝国秩序与精神建构（秦汉至魏晋南北朝） 秦汉帝国建立起统一的政治与文化框架，艺术也随之展现出磅礴的大气和规范性。本篇聚焦于陵墓艺术和画像石/砖。通过对汉代画像的细致解读，读者可以窥见当时社会生活的方方面面，以及“气韵生动”的早期实践。 魏晋南北朝是思想的激荡期，佛教艺术的大规模传入深刻地重塑了中国的视觉文化。本章将详尽论述石窟造像的艺术成就，从云冈的雄健到龙门的秀逸，以及犍陀罗艺术与本土审美的融合过程。同时，我们也探讨了“竹林七贤”等士人阶层对山水画和书法（如王羲之的书风确立）的观念性推动，标志着艺术开始更注重个体精神的表达。 第三编：盛唐气象与宋代内敛（隋唐至宋代） 隋唐时期，国力强盛，文化兼收并蓄，艺术达到了前所未有的繁荣。本部分详细解析了唐代艺术的“满而不溢”之美。我们深入探讨了唐三彩的釉色科学、敦煌壁画中绚烂的叙事能力，以及唐代诗歌对后世绘画题材选择的决定性影响。 宋代，艺术观念发生了深刻的转向，从外放的“气”转向内敛的“理”。本篇着重剖析了宋代文人画的兴起，及其对“意境”和“理学”的追求。无论是范宽《谿山行旅图》中对自然秩序的敬畏，还是宋徽宗的瘦金体，都体现了一种高度自觉的、强调知识分子内在修养的审美取向。 第四编：世俗化与精细化（元明清） 元代，民族更迭背景下，艺术家的身份重塑成为焦点。本章关注元四家对水墨语言的探索，以及青花瓷技术成熟对世界艺术市场的影响。 明清两代，艺术一方面走向高度的世俗化与精致化，另一方面也出现了对传统的反思与创新。清代康乾盛世的官窑瓷器代表了技术和装饰的极致，而晚明市民文化的兴起催生了版画的繁荣和小说插图艺术的进步。我们还探讨了清代中晚期，西方透视学和油画技法对本土艺术产生的微妙影响。 第五编：现代转型与多元探索（近现代） 本书的收官部分聚焦于自鸦片战争至二十世纪中叶的剧变。面对西方艺术体系的强势输入，中国艺术家如何寻求“中西调和”与“民族化”的道路。我们分析了早期留日学生对学院派素描的引入，以及如何在保留民族精神内核的同时，接纳新的艺术语言。从早期的国画研究会到后来的“新艺术运动”，本篇旨在呈现一个充满挣扎、创新与最终走向多元格局的近现代艺术图景。 --- 本书特点： 1. 结构宏大，脉络清晰： 采用时间轴推进，辅以清晰的专题分析，便于读者建立完整的历史框架。 2. 图像丰富，注释详实： 配备了大量高清艺术品图像，并附有深入的图像学和技术分析注释。 3. 跨学科视野： 将艺术史与哲学思想、社会变迁、技术发展（如陶瓷烧制、印刷技术）相结合，提供多维度的解读。 4. 学术与普及并重： 语言专业又不失流畅，是专业人士进阶研读和普通读者入门学习的理想读本。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的书法爱好者，我总是在寻找那种能够激发我练习热情的“催化剂”。很多时候，一本让你觉得“不好意思弄脏”的字帖，反而会束缚住你下笔的胆量，总是小心翼翼，反而失去了练习的本意。这本书在材质选择上，似乎也考虑到了这一点。虽然纸张质量很高，但它给人的感觉是“耐用”而非“易损”。这意味着我可以更加大胆地去尝试各种练习方法，比如拓印、覆盖练习，甚至直接在旁边进行多次的对比尝试，而不用过分担心会破坏掉这本“珍贵”的资料。这种心理上的放松，直接转化为练习时的投入度。书中的整体设计风格也透露出一种务实和鼓励探索的精神，而不是那种高高在上、令人望而生畏的“圣经”感，这对我长期坚持练习非常有帮助。

评分☆☆☆☆☆

我最近开始对碑帖的结构和笔法进行更深层次的钻研，手里也囤了不少不同版本的资料，但坦白说，很多字帖在排版上总是差那么点意思。要么是字距太紧凑，让人看不清笔画间的呼应和气息的连贯性；要么就是整体布局过于拥挤，对着摹写时总感觉束手束脚，无法舒展。这本书在这方面做得非常出色，它的留白处理简直是教科书级别的。每一页的版式都经过了精心的计算，既保证了字的大小适中，方便观察细节，又留出了足够的空间供学习者在旁边做标记或者对比参考。这种清晰、疏朗的视觉体验，极大地减轻了长时间用眼带来的疲劳感。对于初学者来说，这种“喘息”的空间尤为重要，它能帮助我们的大脑更好地处理和吸收那些复杂的笔画结构信息，而不是被满屏的墨迹淹没。可以说，好的版式设计，本身就是一种无声的教学指导。

评分☆☆☆☆☆

我特别关注工具书在“便携性”和“可操作性”上的权衡。有些字帖为了展示全貌，做得太大太厚，放在哪里都不方便，学习的时候必须得铺开一个大桌子。而这本的设计，尺寸拿捏得非常精准，它足够展开到让你能够清晰看到碑文的结构细节，但又不会大到让你在有限的空间内感到局促。更关键的是，它似乎考虑到了不同练习环境的需求，比如，放在膝盖上或者在小书桌上练习时，那种刚刚好的分量感和尺寸感，让人觉得非常“顺手”。这种人性化的尺寸考量，体现出编纂者对使用者日常学习习惯的深度理解，而不是简单地将碑拓原样缩小或放大而已。这种“用起来刚刚好”的体验，才是衡量一本实用工具书是否成功的关键标准。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我最看重的还是它在“临摹”这个动作上的便利性设计。现在的字帖，动不动就追求“原碑高清还原”，结果呢？放大到极致，很多细微的笔锋转折反而看不清楚了，或者为了追求古朴感，底色做得过于暗沉发黄，严重影响了对墨色的判断。这本书的成像质量控制得恰到好处，它既保留了原碑那种历史的厚重感，使得字体的“精、气、神”得以展现，但同时又确保了黑白对比度足够清晰锐利。特别是那些细微的“飞白”和“衄挫”之处，都能够清晰地捕捉到，这对我们理解曹全碑那种隶书特有的“蚕头燕尾”的韵味至关重要。能做到既有文献价值，又能兼顾实际操作友好度，是很难平衡好的，而这本似乎找到了一个绝佳的平衡点。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种沉稳又不失雅致的色调，一下子就抓住了我的注意力。拿到手里的时候，那种纸张的质感也相当不错，不是那种廉价的、一摸就掉粉的纸张，而是带着一点点微微的纹理感，让人感觉非常扎实。我尤其欣赏它在细节处理上的用心，比如装订的地方，翻页的时候非常顺滑，而且即使反复翻阅，也完全没有松散的迹象。这种对物理品质的坚持，对于我们这些经常需要长时间对着字帖练习的人来说，简直是福音。毕竟，工具用得顺手，心情也会跟着好起来，自然而然就能更沉浸在书法的世界里。虽然我还没开始正式临摹，但光是看着这本书放在书桌上，都觉得整个工作区域的格调都提升了好几个档次，简直可以算得上是一件艺术品了。从一个纯粹的“使用者”角度来说，这种高品质的呈现，是绝对值得肯定的，它让学习过程本身变成了一种享受，而不是一种负担。