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上海音乐出版社 编

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• 艺术

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787805530338

版次：1

商品编码：12198818

包装：平装

开本：32开

出版时间：1981-10-01

用纸：胶版纸

页数：700

字数：604000

正文语种：中文

内容简介

　　《音乐欣赏手册》是一本指导音乐爱好者欣赏音乐的通俗读物，全书共约一千五百个条目。它是广大音乐教师，大、中学生和文化宫（馆、站）干部丰富音乐知识，扩大音乐视野，提高音乐欣赏水平的良师益友，也是专业音乐工作者可以参考的综合性工具书。

目录

怎样欣赏音乐
声乐作品欣赏
中国古代歌曲
中国近现代歌曲
中国民歌
中国大型声乐作品
外国歌曲
外国大型声乐作品
器乐作品欣赏
民族器乐曲
提琴独奏曲
钢琴独奏曲
室内乐
管弦乐曲
协奏曲
交响曲
格局、舞剧音乐欣赏
歌剧
舞剧
音乐家介绍
作曲家
歌唱家
演奏家
指挥家
附录
常用音乐术语
中国音乐盛会
中国少数民族音乐歌舞节日
国际音乐比赛
国际音乐节
外国著名演奏团体
民族器乐曲的标题命名
西方现代音乐简介
后记

《弦音之境：西方古典音乐的百年流变与深度解读》 一部跨越时空的音乐史诗，一次直抵心灵的艺术探寻。 本书并非侧重于普及性的入门指导，亦非对某一特定时期或流派的概括性介绍。它是一部深入挖掘西方古典音乐核心精神、剖析其演变脉络与美学思想的重量级著作。我们旨在为那些已经具备初步音乐知识、渴望进入更高层次理解的读者，提供一幅精妙绝伦的音乐地图，辅以严谨的学术分析和富有洞察力的个人诠释。 第一部分：巴洛克的回响——秩序、激情与神圣的构建 本部分聚焦于巴洛克时期（约1600-1750年），但这绝非仅仅是罗列巴赫、亨德尔和维瓦尔第的作品目录。我们首先将探讨巴洛克美学如何从文艺复兴的人文主义转向对情感强度（Affekt）的极致追求。重点分析数字低音（Basso Continuo）如何作为音乐结构的基础，支撑起复杂而精密的复调织体。 我们将以巴赫的《赋格的艺术》为中心案例，深入解析对位法的逻辑严密性，探讨“数学与灵性”在巴赫音乐中的完美融合，并尝试揭示其多声部结构中蕴含的宇宙观。对于歌剧，我们不着墨于“如何欣赏歌剧”，而是侧重于巴洛克时期歌剧如何作为一种融合了戏剧、音乐、舞台设计和情感宣泄的“总体艺术”（Gesamtkunstwerk）的早期形态，特别是卡斯特罗体系对咏叹调结构（如Da Capo结构）的规范化影响。此外，对早期协奏曲形式，如托纳利结构（Ritornello Form）的形成，将进行详细的音乐学论证，阐明其如何为古典主义的奏鸣曲式奠定基础。 第二部分：古典主义的黄金比例——理性、清晰与形式的胜利 本卷着重审视18世纪中叶至19世纪初，海顿、莫扎特和贝多芬（早期及中期）所代表的古典主义精神。我们认为，古典主义并非是简单的“去繁就简”，而是对巴洛克复杂性的理性提纯。 对奏鸣曲式（Sonata Form）的分析将达到前所未有的细致程度。本书将引入当代音乐分析的最新模型，细致区分呈示部、发展部和再现部的内部动力学，探讨主题的动机发展（Motive Development）如何成为驱动整个乐章的内在引擎。例如，我们将详细对比海顿晚期四重奏中“玩笑曲”（Scherzo）的结构变化，以及莫扎特在D大调小提琴协奏曲中展现的对位与主调的精妙平衡。 贝多芬部分，我们将聚焦于其“英雄性”的来源，而非仅仅是浪漫主义的先声。重点在于他如何突破既有的形式框架，通过主题的有机发展和动机的延展，赋予了室内乐和交响乐前所未有的叙事张力。我们将详尽剖析《英雄交响曲》第一乐章发展部中，对主题材料的解构与重建过程，论证其如何标志着作曲家主体意识的觉醒。 第三部分：浪漫主义的边界拓展——主观性、民族性与非传统叙事 进入19世纪，音乐开始脱离宫廷和教会的直接赞助，进入公共音乐厅，与文学、哲学、绘画的关联日益紧密。本部分探讨浪漫主义如何从个体情感的极端化，发展到对民间传说、异域风情乃至超自然现象的迷恋。 舒伯特、肖邦、舒曼的艺术歌曲（Lied）部分，将重点分析诗与乐的“相互渗透”。我们探讨钢琴伴奏如何不再仅仅是和声的支撑，而是成为叙事者、风景描绘者乃至人物内心独白的载体。对于肖邦的夜曲与叙事曲，我们将运用“自由节奏”（Rubato）的分析方法，探究其如何创造出一种“即兴的结构感”。 而在交响乐领域，如柏辽兹的《幻想交响曲》，我们将深入研究其“固定音型（Idée Fixe）”的变奏技巧，探讨这种手法如何实现了一种音乐上的心理描摹，开启了标题音乐的新纪元。对于晚期浪漫主义如马勒，我们将侧重分析其交响曲中宏大结构与微观细节（如对民间音乐的引用）之间的张力，探讨其对“世界末日”主题的哲学表达。 第四部分：世纪之交的危机与革新——印象、无调性与结构的反思 本部分是全书最具挑战性、也最富争议性的篇章，关注从德彪西到第二维也纳乐派的巨大转型。我们关注的并非是“现代音乐入门”，而是对“调性体系瓦解”这一历史性事件的深刻反思。 德彪西的“印象主义”将被置于法国象征主义文学的背景下，分析其如何通过音色、和声色彩（而非功能）来构建音乐空间，例如对全音阶和五声音阶的系统性运用，以及其对传统乐句划分的颠覆。 勋伯格的无调性革命将被视为对西方音乐数百年来的“功能和声中心论”的终极反叛。我们将详尽解析十二音体系的生成逻辑，重点不在于如何“写作”十二音音乐，而在于分析它如何通过数学的严密性，试图在失去传统调性指引后，重建音乐的内在联系。对贝尔格和韦伯恩的分析，则着重于他们如何将严格的序列技术与浪漫主义残存的情感表达（贝尔格）或极致的简洁与纯粹（韦伯恩）相结合，展现了现代主义内部的张力。 结语：音乐的永恒性与批评的边界 最后，本书将回归本体论的探讨，反思音乐鉴赏的本质。我们拒绝将音乐欣赏简化为一套可被完全量化的技巧清单，而是强调理解作曲家在特定历史语境下所做的美学选择。我们试图引导读者，在掌握了深入的分析工具后，能够超越单纯的“喜欢”与“不喜欢”，进入到对艺术作品在时间长河中意义的持续对话之中。这本书，是为那些愿意投入时间与精力，与人类最伟大的音乐思想家进行深度交流的听众所准备的。

评分☆☆☆☆☆

这本《音乐欣赏手册》真是让人爱不释手，虽然我并不是一个音乐科班出身的专业人士，但它却以一种非常平易近人的方式，将我领入了音乐的殿堂。刚拿到这本书的时候，我还有些担心会过于晦涩难懂，毕竟音乐理论听起来总带着点高深莫测的距离感。但这本书的作者，我感觉他就像一个经验丰富的向导，用最生动、最贴切的比喻，为我一一揭开了音乐的神秘面纱。 比如，在讲到和声的时候，我之前总觉得那是一堆音符的简单叠加，而这本书却把它比作色彩的搭配，不同音色的组合就像不同的颜料混合在一起，可以描绘出千变万化的情绪和意境。它还详细讲解了各种乐器的特点，有些乐器我甚至以前从未听过名字，但通过书中细致的描述和图片，我仿佛都能听到它们独特的声音，感受到它们在音乐中扮演的不同角色。 尤其让我印象深刻的是，书中并没有简单罗列音乐史上的大师和作品，而是着重讲述了音乐是如何与人类情感、社会历史紧密相连的。读到某个时代背景下的音乐作品，我仿佛能穿越时空，感受到那个时代的喜怒哀乐。这本书让我明白，欣赏音乐不仅仅是听懂几个音符，更是一种与历史对话、与灵魂共鸣的体验。它拓展了我的视野，也丰富了我的内心世界。

评分☆☆☆☆☆

自从翻阅了这本书，我对旋律的理解似乎打开了新的维度。以前听歌，可能只是跟着节奏摇摆，或者被某句歌词打动，但现在，我开始会去留意旋律的起伏、转折，甚至能感受到它所承载的叙事性。书中对不同旋律的构成方式进行了深入浅出的剖析，比如介绍那些令人难以忘怀的主题旋律是如何被精心设计出来的，它们是如何通过重复、变奏来发展和构建，最终形成一首完整的乐曲。 让我感到惊喜的是，书中还提供了一些非常实用的聆听技巧。它教我如何去捕捉音乐的细微之处，例如乐句的呼吸感，以及不同声部之间的对话。以往我可能只关注到主旋律，而忽略了那些隐藏在背景中的伴奏声部，这本书让我意识到，正是这些看似不起眼的细节，才构成了音乐的层次感和立体感。 更重要的是，这本书不仅仅停留在理论层面，它还通过大量的经典音乐作品作为例证，让我能够将学到的知识立刻应用到实际的聆听中。当我带着书中的理解去重听一些熟悉的曲子时，我竟然发现了之前从未察觉到的美妙之处，感觉就像是突然解锁了新的欣赏模式。这种“学以致用”的感觉，极大地增强了我继续探索音乐世界的兴趣。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的，是一种前所未有的“聆听”体验。我以前以为自己听了那么多年音乐，对音乐已经相当熟悉了，但这本书就像是给我打开了一个全新的音乐世界。它不仅仅是关于理论的讲解，更多的是一种“方法论”的传授。 我尤其欣赏书中关于“结构”的分析。很多时候，我听一首乐曲，可能会觉得它很流畅，很好听，但却说不出好在哪里。这本书则会循序渐进地讲解，一首乐曲是如何从开头的动机，一步步发展出主题，然后通过不同的乐段组合，最终形成一个完整而和谐的整体。它让我明白，那些令人心神荡漾的旋律，背后往往有着精妙的构思和严谨的逻辑。 书中还给我提供了一个思考音乐“意义”的框架。它不仅仅局限于对乐曲本身的分析，还会引导我去思考，音乐在不同的文化背景下，在不同的社会语境中，所扮演的角色和所传达的价值。这让我觉得，音乐不再是单纯的艺术形式，而是与人类文明息息相关的存在。 读完这本书，我感觉自己不再是被动地接收音乐，而是开始主动地与音乐进行交流。当我听到一首新的曲子时，我脑海中会自然而然地浮现出书中的一些分析方法，去尝试理解它，去挖掘它背后的故事和情感。这是一种非常奇妙的转变，也让我对未来的音乐探索充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格实在太讨人喜欢了。我一直觉得音乐欣赏这类主题，很容易写得枯燥乏味，仿佛在给别人上课，而这本书的作者却像一个和你分享自己热爱的事物的朋友，用最生动、最形象的语言，把你带入音乐的奇妙世界。 让我印象深刻的是，书中关于“节奏”的讲解。它不再是枯燥的节拍划分，而是用各种生动的例子，比如心跳、脚步声，甚至是大自然的声音，来阐释节奏在音乐中扮演的动感和活力。它让我意识到，节奏不仅仅是音乐的骨架，更是其灵魂的驱动力。 书中还巧妙地运用了许多比喻，将抽象的音乐概念具象化。比如，将不同乐器的音色比作画家的调色板，将音乐的织体比作精致的纺织品。这些形象的比喻，让我能够轻松地理解那些原本可能难以把握的音乐术语，并且深深地印在脑海里。 更让我感到惊喜的是，书中并没有刻意去教导读者“应该”欣赏什么，而是鼓励读者去发现自己内心的声音，去寻找那些能够触动自己的音乐。它让我明白，音乐欣赏是一场非常个人化的旅程，而这本书，只是为你提供了一张精美的地图，让你在这趟旅程中，能够看得更远，走得更稳。这种开放而包容的态度，让我觉得非常舒服，也更愿意去深入探索。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，一开始我对这本书的期望值并不高，觉得音乐欣赏这类话题，很容易落入陈词滥调或者故弄玄虚的窠臼。然而，这本书的出现彻底颠覆了我的认知。它没有卖弄深奥的专业术语，而是用一种近乎诗意的语言，将那些复杂的音乐概念娓娓道来。 我特别喜欢书中对音乐“情绪”的描绘。它不仅仅是简单地说“这段音乐很悲伤”或者“那段很欢快”，而是会去分析，是什么样的音高、节奏、和声组合，能够引发我们内心的某种特定情感。它就像一位技艺高超的心理学家，能够精准地解读音乐的语言，并将其翻译成我们能够理解的情感体验。 书中还穿插了一些关于音乐家创作故事的片段，这些故事让音乐作品不再是冰冷的音符组合，而是有了鲜活的生命和温度。当我了解到某首乐曲是在怎样的心境下被创作出来的时候，再去聆听它，我就会多一层理解，多一份共情。这让我感觉，自己不再是旁观者，而是能够走近音乐家，分享他们的喜怒哀乐。 这本书的排版也十分精美，配合着大量的插图和乐谱片段，使得阅读过程本身就是一种享受。它让我觉得，欣赏音乐，原来可以是一件如此优雅而富有启迪的事情。