歌曲写作教程音乐自学丛书作曲卷 作曲作词技法基础入门教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103031513

商品编码：25384981631

品牌：艾帛利（Abooly）

出版时间：2007-08-01

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目录

前言 上篇 第一章 歌曲写作的整体构思 §1.什么是整体构思 §2.同一首歌词的不同整体构思 第二章 主题乐句的写作 §1.节奏的安排 §2.调式的安排 §3.旋律的构成 §4.句法的安排 §5.临摹歌曲主题句 第三章 旋律发展手法 §1.原样重复 §2.重复变化 §3.模进 §4.节奏重复 §5.自由延伸 §6.旋律进行幅度的扩大和收缩 §7.承接发展 第四章 乐段结构歌曲的写作（上） §1.起、承、转、合的方正四句乐段 §2.四句乐段的扩充和补充 §3.两大句乐段 第五章 乐段结构歌曲的写作（中） §1.词曲结构不同步的乐段（之一）——重复歌词 §2.词曲结构不同步的乐段（之二）——加进衬词 §3.词曲结构不同步的乐段（之三）——词多曲少 §4.词曲结构不同步的乐段（之四）——词少曲多 第六章 乐段结构歌曲的写作（下） §1.两句乐段 §2.两句（四句）乐段的重复、变化 §3.五句乐段 §4.六句乐段 §5.多句乐段 第七章 两段体歌曲写作 §1.两乐段之间的对比类型 §2.再现与不再现的两段体 §3.分节歌、通谱歌和副歌 §4.两乐段之间的音区、节奏和主题对比 §5.两乐段之间的调性对比 §6.两乐段之间的收拢与开放 §7.两段体歌曲的结构规模 §8.两段体的长度比例和构成类型 §9.两段体的高潮 第八章 三段体歌曲写作 §1.三段体歌曲的结构类型及各段关系 §2.中间段的写作——节奏、音区、旋律的对比写法 §3.中间段的写作——派生和发展的写法 §4.中间段的写作——体裁、速度和情绪的对比写法 §5.中间段的结构容量 §6.再现段的写作——完全再现与旋律变化再现 §7.再现段的写作——结构变化再现 §8.再现段的写作——AB两段综合再现 §9.不再现的三段体 §10.两段体和不再现三段体之间的兼有型 第九章 多段体歌曲写作和歌曲结构布局 §1.变奏曲体 §2.复合两段体 §3.回旋曲体 §4.带再现的多段体 §5.并列多段体 §6.歌词的结构布局 第十章 固定音调、固定节奏的贯串和音调引用 §1.固定节奏的贯串 §2.固定音调的贯串 §3.音调引用 第十一章 前奏（引子）、间奏、后奏（尾声） §1.前奏 §2.间奏 §3.后奏 §4.人声演唱的引子和尾声 下篇 第十二章 曲调与声调 §1.“字正”与“倒字” §2.词曲声韵结合的一般规律 §3.唇齿音、辅助词 第十三章 装饰变音、色彩变音、离调、特性调式变音和转调 §1.装饰变音 §2.色彩变音 §3.离调 §4.特性调式变音 §5.转调 第十四章 拖腔、重复歌词、衬词 §1.拖腔 §2.歌词的重复 §3.衬词 第十五章 歌曲的常见体裁 §1.抒情歌曲 §2.队列群众歌曲 §3.歌舞歌曲 §4.叙事歌曲 §5.幽默诙谐歌曲 §6.劳动歌曲 §7.戏歌 第十六章 艺术歌曲特征 §1.古典艺术歌曲 §2.我国艺术歌曲 第十七章 通俗歌曲特征 §1.节奏 §2.旋律 §3.结构 §4.通俗歌曲的艺术性探索 附录一：声部音色音域和定调演唱形式演唱风格 附录二：歌曲题头的版面样式 附录三：部分习题解答提示 后记

 

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编辑推荐

陈国权主编的《歌曲写作教程（修订版）》以一般性歌曲、艺术歌曲和通俗歌曲为主要研究对象，适宜于开始进行歌曲写作并熟练掌握五线谱，以及有初步和声知识的读者阅读。 本书分为上、下篇。上篇是从拿到歌词以后，如何一步步写下去，亦即沿着结构如何一句一句、一段一段延展下去作为主线的。因而结构安排、曲调和歌词的结合以及一般性的歌曲写作技巧是上篇的主要内容。下篇则是对写作的一些技术性内容以及有关歌曲的体裁进行阐述。

 

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音乐创作与理论进阶指南 聚焦音乐结构、和声色彩与现代编曲技法 本书旨在为那些已经掌握基础乐理和旋律创作的音乐学习者提供一个深入的进阶平台。不同于侧重基础入门和歌曲结构拆解的教材，本书将重心放在音乐语言的深度拓展、和声色彩的精妙运用以及现代音乐制作流程的精细化处理上。全书内容设计旨在培养创作者独立构建复杂音乐作品、探索个人风格，并能有效应对专业录音环境挑战的能力。 第一部分：高级和声学与色彩构建 本部分彻底超越了基础的三和弦与七和弦范畴，深入探讨了和声在构建情绪张力与释放中的核心作用。 第一章：扩展和弦体系与替代和声 九、十一、十三和弦的精细化应用： 探讨如何利用这些高位音程来增加和声的“空间感”和“色彩感”。重点分析和弦内音的排列（Voicing）对听感的影响，以及如何通过特定音的省略或强调来塑造听觉焦点。 和弦内音的色彩处理： 详细讲解如何使用挂留音（Sus2、Sus4）、附加音（Add9、Add11）以及经过音对和弦基调进行的微妙调整。分析这些调整在爵士乐、电影配乐和前卫流行乐中的实际案例。 替代和弦的策略运用： 不仅限于属七和弦的降三级替代（Tritone Substitution），还将介绍次属和弦（Secondary Dominants）的层级应用，以及在不同调性之间进行功能性连接的“借用和弦”（Borrowed Chords）技巧。如何使用它们来打破听众的预期，制造惊喜或深沉的对比。 第二章：调式与和声的深度融合 非功能性和声的探索： 介绍横向和声进行（Harmonic Sequences）的构建，以及如何通过平移和弦组来创造出一种不依赖传统功能关系的流畅推进感，常见于德彪西和拉威尔的作品中。 调式功能的重塑： 深入讲解Lydian（增四度调式）如何带来“光明”或“漂浮”感，Phrygian Dominant（弗里吉主导调式）如何营造“异域”或“紧张”的氛围。分析如何将特定调式色彩融入到原本是传统大小调的和声进行中，以实现特定情绪的精准表达。 半音阶色彩的引入： 探讨如何通过半音阶的经过和弦（Chromatic Passing Chords）来平滑地连接远关系和弦，避免突然的断裂感，实现更具叙事性的和声过渡。 第二部分：复调织体与对位思维 本部分旨在将创作者的思维从单线条旋律提升到多层次、相互交织的织体构建。 第三章：对位法的基本原则与现代应用 两部与三部对位的解析： 重点剖析巴赫赋格中严格的模仿、反向和增值/减值技巧。这不是为了复古，而是为了理解旋律线条如何在空间中独立存在又相互支撑。 自由对位法在编曲中的实践： 如何在流行或电子音乐中运用对位思想，例如主旋律与低音线、或多个合成器声部之间的精确互动。如何确保每个声部都有清晰的“目的性”，避免声部拥挤。 织体密度与留白艺术： 学习如何根据音乐段落的情绪需要，精确控制进入的声部数量。理解“留白”（Silence）本身就是一种强大的织体元素，用以突出关键的旋律或和声。 第四章：配器法与音色设计思维 声部平衡与频率管理： 深入探讨不同乐器（弦乐、铜管、木管、打击乐）在频率光谱上的分布。学习如何通过合理的配器来避免中频的“打架”，确保低音的冲击力与高音的清晰度。 动机的音色转化： 如何将一个核心的音乐动机（Melodic Motif）适配于不同的乐器组，并利用音色的差异来表达情绪的细微变化。例如，将一个紧张的动机从木管转到拨弦乐器上所产生的听觉效果对比。 合成器音色设计的进阶逻辑： 不仅仅是调整振荡器波形，更侧重于调制（Modulation）和包络（Envelope）的复杂应用。如何使用LFOs、包络跟随和效果器链来创造具有生命力的、不断演变的音色，而非静态的预设声音。 第三部分：结构拓展与现代制作流程整合 本部分关注于如何将理论知识系统地应用于现代音乐的创作框架中，并提升作品的专业完成度。 第五章：超越AABA的曲式构建 宏观结构设计： 分析电影配乐、史诗摇滚或概念专辑中常见的“弧线式结构”（Arch Form）和“渐变式结构”（Through-Composed）。如何设计一个音乐叙事，使其在时长内保持听众的注意力。 片段化与循环的艺术： 探讨在受Loop驱动的电子音乐或R&B中，如何通过细微的节奏变化、和声色彩的逐步替换或引入新的对位声部，来发展一个原本看似重复的音乐片段，使其避免听起来单调。 情绪张力的动态控制： 学习使用“能量曲线”来规划一首作品的整体起伏。何时是引入新的核心主题的最佳时机？何时应进行“减法”处理以达到戏剧性的对比效果？ 第六章：从草稿到母带前的精细打磨 音乐动机的有效发展与回收： 如何确保作品中的所有音乐元素——无论是和弦进行、节奏型还是旋律片段——都服务于整体的概念。如何巧妙地回收早期引入的主题，以增强作品的统一感。 节奏驱动的精修： 深入探讨复杂的律动（Groove）构建，包括切分音的精确位置、失重感（Backbeat Shift）的营造，以及如何利用微妙的摇摆（Swing）或微小的时值偏差来增加人情味。 混音思维的预置： 在创作阶段就植入混音考量。例如，在作曲时就决定哪些乐器应该占据哪个频段的主要空间，提前规划必要的动态范围，确保最终成品在技术上和艺术上都具备高度的专业水准。 结语：建立个人化的创作体系 本书的最终目标是帮助学习者整合和声、织体、配器和结构等多个维度的知识，最终形成一套高度个性化且成熟的创作体系，能够应对从小型乐队编曲到大型电子音乐制作的各类挑战。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为像我这样一直梦想成为词曲创作者但又不知从何下手的人量身定做的！我一直对音乐怀有深厚的热情，但每次拿起笔，脑海里都是一片空白，要么旋律不成调，要么歌词不知所云。之前也尝试过一些零散的网上教程，但总是碎片化，学了东忘西，没有系统性。直到我发现了这本书，简直像是打开了一扇新世界的大门。 从最基础的乐理知识开始，它循序渐进地讲解，一点点地消除了我对专业术语的恐惧。那些曾经让我头疼的音程、和弦、调式，在作者的笔下变得生动有趣，甚至配上了不少图示和简单的练习，让我能够边学边练，很快就掌握了基本概念。最让我惊喜的是，它不仅仅停留在理论层面，而是非常注重实践。书中提供了大量的范例，从简单的旋律片段到完整的歌曲结构，我能清晰地看到作曲的思路是如何一步步形成的。 更让我佩服的是，这本书对于如何寻找灵感、如何将生活中的点滴转化为歌词，也给出了非常实用的方法。作者鼓励我们观察生活，记录情绪，然后用文字去捕捉那些稍纵即逝的感受。它让我明白，写歌词并非一定要是多么华丽的辞藻，而是要真实地表达自己的情感，用最贴切的语言去打动人心。书中关于歌词的韵律、节奏、意象的运用，也让我大开眼界，原来短短的几句话，可以承载如此丰富的情感和画面。 我尤其喜欢书中所强调的“自学”理念。它不像课堂教学那样有着严格的时间表和压力，我可以根据自己的节奏来学习，反复琢磨那些我不太理解的部分，直到完全掌握为止。而且，书中提供的练习题，难度梯度设计得非常合理，从易到难，让我一步步建立起自信。每次完成一个小练习，都让我觉得离我的音乐梦想又近了一步。 总而言之，这本书不仅仅是一本教程，更像是一位循循善诱的老师，一位耐心陪伴的伙伴。它用最通俗易懂的方式，为我点亮了歌曲创作的道路。对于所有热爱音乐、渴望创作的人来说，这本书绝对是值得拥有的一本宝藏。我迫不及待地想将书中学到的知识运用到实践中，创作出属于自己的歌曲！

评分☆☆☆☆☆

在我看来，学任何技能，最怕的就是“纸上谈兵”。我之前也算是对音乐有点小热情，偶尔也会捣鼓一些简单的旋律，但总觉得自己的东西缺乏“生命力”，听起来总是怪怪的。很多教程要么讲得太深奥，要么就太浅显，很难找到一个真正适合我这种“半吊子”的。这本书的标题，听起来就挺实在，“基础入门教材”，让我觉得它可能不会太复杂，能够真正帮助到我。 拿到书后，我迫不及待地翻阅起来。让我感到意外的是，它并没有上来就讲什么高深的理论，而是从最基础的“节奏”和“音高”开始。作者用非常形象的比喻，比如把节奏比作“心跳”，把音高比作“呼吸”，一下子就拉近了我与音乐的距离。我以前觉得乐理知识很枯燥，但这本书通过大量的图示和简单的练习，让我能够边听边看，边练边懂。 我尤其喜欢它在讲解“旋律创作”的部分。它没有直接告诉你“怎么写出动听的旋律”，而是引导你去分析旋律的“走向”和“动机”，以及如何通过“重复”和“变化”来发展旋律。书里提供了一些非常有用的“旋律模板”，让我可以在此基础上进行发挥，创作出属于自己的旋律。这种“授人以渔”的方式，比直接给出答案要更有价值得多。 在“歌词创作”方面，这本书也给了我很多惊喜。它不仅仅教我们如何押韵，更重要的是教我们如何“讲故事”，如何“表达情感”。我以前写歌词，常常是想到什么写什么，逻辑性不强，情感也不够集中。这本书则让我学会了如何构建歌词的“主线”，如何运用“意象”来烘托情感，如何让歌词更具“画面感”。它还提供了很多关于“视角”和“语气”的运用技巧，让我能更好地去塑造歌曲的情感表达。 这本书最大的优点在于它的“循序渐进”和“实用性”。它就像一个经验丰富的音乐导师，一步步地引导你，让你在轻松愉快的氛围中，掌握歌曲创作的精髓。它没有给我制造压力，而是让我感觉到创作的乐趣。对于那些和我一样，想要真正掌握歌曲创作技法，并且能够创作出有灵魂的作品的朋友们，这本书绝对是一个非常值得推荐的选择。

评分☆☆☆☆☆

我一直都觉得，写歌这件事，要么就是天赋异禀，要么就是苦苦钻研。我自认没有那种天生的音乐细胞，所以只能选择后者。之前也断断续续地接触过一些音乐制作软件，尝试过一些简单的编曲，但总觉得少了点“灵魂”——那就是一首真正意义上的歌曲。我的创作大多停留在一段随意的哼唱或者几个零散的词句，很难将它们串联成一个完整、有逻辑的故事。 当我翻开这本书的时候，我首先注意到的是它那种非常“接地气”的语言风格。没有过多的学术术语，而是用一种非常平易近人的方式，一步步地引导读者去理解作曲和作词的核心。它从最基础的音乐元素讲起，然后逐步深入到更复杂的结构和技巧。我尤其喜欢它在讲解旋律时，会强调“呼吸感”和“乐句的起伏”，这让我意识到，一首好的旋律不仅仅是音符的堆砌，更重要的是它能够像语言一样，有自然的韵律和情感的表达。 书中关于和声的部分，也给了我很大的启发。我之前对和弦的理解非常有限，总觉得它们就是“好听”或者“不好听”。但这本书通过对不同和弦功能和情绪的分析，让我明白，和声不仅仅是给旋律打底，更是能够直接影响歌曲的情感基调和氛围。作者还提供了一些非常实用的和弦进行模版，让我可以根据不同的情感需求，来选择合适的大小调和弦。 在歌词创作方面，这本书则是一个非常棒的“灵感挖掘机”。它鼓励我去观察生活中的细节，去捕捉那些容易被忽略的情感，然后用文字去描绘出来。书中关于“意象”和“比喻”的运用，给我留下了深刻的印象。它让我明白，好的歌词不仅仅是直白的叙述，更是通过生动的意象和巧妙的比喻，来引发读者的联想和共鸣。我特别喜欢书中分析一些经典歌曲的歌词，看着作者一步步剖析歌词的结构和情感线索，让我受益匪浅。 这本书最大的优点在于它的“系统性”和“实践性”。它不是简单地告诉你“怎么做”，而是告诉你“为什么这么做”，并且提供了大量的练习和范例，让我可以反复练习，不断巩固。它让我从一个“想到哪写到哪”的创作状态，转变为一个有条理、有方向的创作模式。对于那些和我一样，希望能够系统学习歌曲创作，并且将其付诸实践的朋友们，这本书绝对是你们不可多得的良师益友。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我一开始对这种“教程”类书籍抱有一定的怀疑态度，总觉得它们过于理论化，脱离实际。我本身就有点喜欢折腾，也玩过一些乐器，但总感觉自己写出来的东西总差点意思，没有灵魂。想写出能打动人的旋律或者触动人心的歌词，感觉就像隔着一层纱，看不真切。这本书的封面和书名，看起来还算朴实，我抱着试试看的心态买回了家。 拿到书后，我先是快速翻阅了一下目录，看到里面涉及到了很多我从未接触过的作曲和作词的细分技法，比如“旋律走向的构建”、“和声进行的逻辑”、“叙事性的歌词结构”等等。这让我有点小兴奋，感觉这本书不像其他一些泛泛而谈的教材，而是真的深入到了创作的“骨髓”里。我特别喜欢它在讲解理论时，从来不孤立地抛出概念，而是会结合大量的音乐片段和歌词示例，让我能直观地感受到这些理论是如何在实际作品中应用的。 其中，关于旋律创作的部分，我印象最深刻。作者并没有直接告诉你“怎么写出一首好听的旋律”，而是引导你去理解旋律的构成元素，比如音高、节奏、音程之间的关系，以及如何通过不同的动机来发展和变化。它还提供了一些非常有趣的“旋律游戏”，让我可以在轻松的氛围中，不知不觉地掌握作曲的技巧。而且，在学习和声进行的章节，我也得到了很大的启发。之前我对和弦的理解只停留在“好听”的层面，但这本书让我明白了不同和弦组合背后的情感逻辑，以及如何用和声来烘托歌词的情感表达。 关于歌词创作的部分，也同样让我受益匪浅。作者不仅仅教我们如何押韵，更重要的是如何讲故事，如何塑造人物，如何运用意象来传达情感。书中有不少分析经典歌曲歌词的案例，我看着作者一步步拆解歌词的结构、意境和情感的递进，才发现原来一首好的歌词，背后有着如此精妙的设计。它让我从一个“随便写写”的状态，转变为一个“精心雕琢”的态度。 总的来说，这本书给了我一个非常清晰的创作框架，让我知道从哪里开始，如何一步步深入。它没有给我提供“万能公式”，而是给了我“思考的方法”和“实践的指导”。对于那些想要提升自己歌曲创作能力，摆脱瓶颈的音乐爱好者来说，这本书绝对是一本“干货”满满的实用工具书。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都认为歌曲创作是一门非常神秘的艺术，需要极高的天赋和深厚的功底。我虽然热爱音乐，但对于自己能否写出真正意义上的歌曲，一直没有太大的信心。尝试过一些网上免费的教程，但感觉总是碎片化的，看完之后也只是一知半解，很难形成一个完整的知识体系。这次偶然的机会，我看到了这本书，它的书名“作曲作词技法基础入门教材”，让我觉得它可能更偏向于实用和基础，于是就抱着试试的心态入手了。 打开这本书，我立刻被它的排版和内容吸引了。它不像我之前看过的那些枯燥的教材，而是通过大量的图示、表格和案例，将复杂的音乐理论变得清晰易懂。我最欣赏的是，它不仅仅是讲解理论，而是非常注重将理论与实践相结合。比如，在讲到旋律的构成时，它会提供很多不同风格的旋律片段，让我们去分析它们的特点，然后尝试自己去模仿和创作。这种“边学边练”的方式，让我感觉自己很快就能上手。 尤其令我惊喜的是，书中关于歌曲的“结构”和“情感递进”的讲解。我之前写歌词的时候，常常会陷入“想到一句写一句”的模式，很难让整首歌曲有一个清晰的故事线或者情感的起伏。这本书则教会了我如何构建歌曲的“起承转合”，如何运用不同的段落来表达不同的情感，如何让整首歌曲在情感上有一个有力的爆发点。它就像是为我提供了一张“创作地图”，让我知道在创作过程中，我应该走到哪里，接下来要做什么。 在作词方面，我也得到了很大的启发。它让我明白，好的歌词不仅仅是押韵和堆砌词语，更重要的是要有“画面感”和“共鸣感”。书中提供了很多关于“意象”的运用技巧，以及如何通过“具体描写”来唤起读者的情感。我之前写歌词，常常是比较抽象的表达，但这本书让我学会了如何用更具体、更生动的语言去描绘情感，让听众能够更容易地理解和体会。 总体而言，这本书是一本非常出色的入门级教材，它为我打开了歌曲创作的大门，并且给了我一个坚实的起点。它用一种非常鼓励和引导的方式，让我能够克服对创作的恐惧，并且逐渐建立起自信。对于所有想要系统学习歌曲创作，想要将自己的音乐想法变成现实的朋友来说，这本书绝对是一个非常好的选择。