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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787810961615

商品编码：29525006546

出版时间：2011-07-01

商品详情

《西方音乐史：从古至今的旋律之旅》 书籍简介 本书是一部全面而深入探讨西方音乐发展历程的专业著作。它不仅记录了音乐风格的演变，更着重于分析不同历史时期社会文化背景、技术进步与音乐思想如何相互作用，共同塑造了我们今天所理解的西方音乐体系。我们试图构建的不是一张简单的风格时间表，而是一幅生动的、充满人与时代气息的音乐画卷。 第一部分：古代与中世纪——信仰与吟唱的开端（约公元500年以前至1400年） 本卷从西方音乐的源头——古希腊的音乐理论和实践出发，探讨了其对西方音乐思维产生的深刻影响，特别是毕达哥拉斯音律概念的奠基作用。随后，我们将重点聚焦于中世纪，一个被教会深刻影响的时代。 我们将详细解析早期基督教音乐（如圣咏）的单音音乐特性，分析其礼仪功能和记谱法的诞生，包括纽姆记谱法（Neumes）的演变如何一步步走向精确的五线谱系统。格里高利圣咏的规范化与发展是本部分的重点，它确立了西方音乐的“官方”声音。 随后，我们将步入中世纪盛期的复调音乐的黎明。巴黎圣母院乐派（如列奥宁、佩罗坦）如何突破单音的限制，构建起早期的奥尔加农（Organum），标志着西方和声思维的萌芽。接着，我们将探讨中世纪晚期，特别是纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）等人的作品，他们如何将世俗音乐（如圆舞曲、歌谣）的复杂性引入到宗教音乐中，预示着文艺复兴的到来。本部分尤其注重对“等时性”（Isorhythm）这一复杂节奏结构的解析，理解中世纪音乐家如何运用数学和象征主义进行创作。 第二部分：文艺复兴——人性的回归与复调的成熟（约1400年至1600年） 文艺复兴的核心在于“人本主义”，音乐不再仅仅是侍奉上帝的工具，而是表达人类情感与思想的载体。本部分详细阐述了技术上的飞跃：完美的模仿复调（Imitative Polyphony）的建立。 我们将深入分析佛兰德斯画派（如雅各布斯·奥布雷赫特、若斯坎·德普雷）如何将对位法推向极致，使得声部间既保持独立性又完美融合。对于弥撒曲和经文歌（Motet）的结构分析将是重点。 随后，音乐的地域性特征开始显现。意大利牧歌（Madrigal）的兴起及其对文本表情的强调，标志着“音乐为文本服务”的理念日益深入人心。我们将探讨晚期文艺复兴作曲家帕莱斯特里那（Palestrina）如何通过《教皇马尔切卢斯弥撒》为宗教音乐树立了规范，以及蒙特威尔第（Monteverdi）早期作品中对“第二实践”（Seconda Prattica）的探索，即情感表达超越严格的对位规则，为巴洛克时代的到来铺平了道路。 第三部分：巴洛克——情感的戏剧性与体系的建立（约1600年至1750年） 巴洛克时期是西方音乐技术和体系成熟的黄金时代。本部分将聚焦于“主音音乐”（Monody）的诞生，以及歌剧这一全新戏剧形式的出现——从佛罗伦萨的“摄影室”到早期威尼斯歌剧的商业化。 协奏曲（Concerto）和奏鸣曲（Sonata）等器乐体裁的规范化是核心内容。我们将细致分析巴赫（J.S. Bach）的对位艺术，包括赋格（Fugue）的严谨结构、平均律的实践意义，以及他如何将不同地域的音乐风格融于一炉。韩德尔（Handel）的清唱剧（Oratorio）及其在公共音乐生活中扮演的角色也将得到充分论述。 同时，本卷会探讨和声语法的完善——大小调调性体系的最终确立，以及数字低音（Basso Continuo）在整个巴洛克音乐结构中不可或缺的作用。路易十四宫廷音乐的地位及其对音乐赞助制度的影响也是分析的一部分。 第四部分：古典主义——清晰、平衡与形式的典范（约1750年至1820年） 古典主义是对巴洛克复杂性的回应，追求清晰、平衡、自然与普适性。本部分重点解析奏鸣曲式（Sonata Form）作为这一时期器乐结构基石的建立过程，以及它在交响曲、协奏曲和室内乐中的应用。 维也纳古典乐派——海顿、莫扎特和贝多芬——是本卷的核心。我们将分析海顿如何系统化地发展了四乐章交响曲和弦乐四重奏；莫扎特如何将歌剧中的人性洞察力融入到音乐戏剧的每一个层面；以及贝多芬早期对古典规范的完美继承，以及他如何通过中期和晚期作品，特别是其英雄式的意志表达，开始突破古典的界限。 此外，钢琴作为新兴乐器的崛起，以及它如何取代羽管键琴，并推动了钢琴奏鸣曲的发展，也是本部分探讨的重点。 第五部分：浪漫主义——主观情感的爆发与民族色彩的觉醒（约1820年至1910年） 浪漫主义是对启蒙理性的一次深刻反叛，音乐转向对无限、个体经验、神秘与超自然的探索。本部分将深入探讨： 标题音乐的兴起：李斯特的交响诗（Symphonic Poem）如何打破传统器乐套曲的形式限制，直接描绘文学或绘画意境。 艺术歌曲的巅峰：舒伯特、舒曼、沃尔夫等如何通过德语艺术歌曲（Lied）将诗歌与音乐完美融合，达到高度个人化的表达。 民族乐派的形成：波兰的肖邦、俄罗斯的“五人团”、捷克的德沃夏克和斯美塔那，他们如何从民间音乐中汲取灵感，构建具有独特民族身份的音乐语言。 晚期浪漫主义的扩张：瓦格纳对“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的追求，以及其“导机进”（Leitmotif）系统的复杂运作；马勒的巨型交响曲如何将个人的存在焦虑推向极致。 第六部分：20世纪至今——风格的破碎、融合与多元化 进入20世纪，音乐探索的速度呈指数级增长。本部分将系统梳理引发革命性的几大思潮： 印象主义与象征主义：德彪西和拉威尔如何通过对色彩和氛围的捕捉，瓦解了传统调性的束缚。 表现主义与无调性：勋伯格及其“十二音体系”（Twelve-Tone Technique）的创立，旨在打破传统音高等级的压制，表达内在的心理冲突。 新古典主义与原始主义：斯特拉文斯基的《春之祭》对节奏的暴力重塑，以及他对古典形式的回归与挪用。 战后实验音乐：媒介的扩展，包括电子音乐的早期发展、序列主义（Serialism）的全面化（如巴比特），以及声学音乐的边界拓展。 后现代思潮：从极简主义（Minimalism，如赖希、格拉斯）对时间感的重构，到偶发音乐（Aleatoric Music，如凯奇）对创作主体性的质疑，再到当代电子音乐与新浪漫主义的回流，展示了当代音乐的无限可能性与持续对话状态。 本书旨在为读者提供一个纵贯千年、横跨流派的清晰脉络，理解西方音乐是如何在技术、美学和时代精神的驱动下，不断自我革新与演进的宏大叙事。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的编排方式非常巧妙，它就像一位循循善诱的老师，一点点地引领你走进音乐的殿堂。我尤其欣赏它在讲解复杂概念时，所采用的类比和比喻。例如，它用“音的家庭”来比喻音程，用“建筑的骨架”来比喻和声，这些生动的比喻一下子就击破了我之前对乐理的刻板印象，让我觉得原来乐理也可以如此有趣。书中的排版也很舒服，字号大小适中，留白恰到好处，长时间阅读也不会感到疲劳。而且，它在每一个关键概念讲解完毕后，都会有一个小结，帮助你回顾和巩固，这种设计非常有利于记忆。我还发现，书中的插图和图表都非常精美，它们不仅仅是为了美观，更是为了清晰地传达信息，让抽象的理论变得更加具体和易于理解。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是音乐理论入门的宝藏！我之前对乐理一直是一头雾水，感觉像是要学一门全新的语言，各种名词概念都记不住。翻看了不少网上的资料，但总觉得不够系统，零散的知识点堆砌起来，消化起来很困难。直到我遇到了这本书，才算找到了真正的“启蒙”。它的语言风格非常平实易懂，没有那些晦涩难懂的专业术语，即使是完全没有音乐基础的初学者，也能轻松上手。书中的例子非常贴切，讲解的逻辑也非常清晰，一步步引导你理解音程、和弦、调式这些最基本的概念。最让我惊喜的是，它还附带了一些练习题，而且难度循序渐进，做题的过程就像是在巩固和应用刚学到的知识，感觉自己每天都在进步。这本书让我对音乐的理解不再停留在“好听”的层面，而是能够开始窥探到它背后精妙的结构和规律，这对我以后的音乐学习打下了坚实的基础，也让我对音乐的兴趣更加浓厚了。

评分☆☆☆☆☆

我之前接触过几本乐理书，但都觉得要么内容太陈旧，要么讲解不够深入，总是差那么点意思。这本教材给我最大的感受就是它的“时代感”和“实用性”。它在基础乐理讲解的同时，也穿插了一些现代音乐的例子，这对于我这种平时喜欢听流行音乐或者想了解一些现代编曲技巧的人来说，非常具有吸引力。它没有回避一些初学者可能会遇到的难点，比如如何理解转调，如何在乐谱上快速找到需要的音程，它都给出了非常有效的提示和方法。更重要的是，这本书让我明白，乐理不是一堆僵硬的规则，而是音乐创作和理解的“工具”。掌握了乐理，就像是拥有了一副“透视眼”，可以看到音乐的骨骼和肌肉，从而更深入地欣赏和创作。我特别喜欢它在章节末尾设置的“思考题”，这些问题往往能引导你去主动探索，而不是被动接受，这才是真正的学习。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的设计真的非常人性化。我一直以来都想系统地学习乐理，但很多教材要么过于枯燥，要么就是理论性太强，实践性不足。而这本教材，恰恰在理论深度和实践应用之间找到了一个绝佳的平衡点。它不是那种让你死记硬背概念的书，而是通过大量的图示、表格和实际音乐片段的分析，让你在“看”和“听”中去理解理论。比如，在讲解和弦构成时，它会配上钢琴键盘的图示，直观地展示不同音符如何组合成不同的和弦，再配合音频示例，让你能切身感受到和弦的音响效果。这一点对于我这种“耳朵派”的学习者来说，简直是福音！而且，它还包含了一些简单的视唱练耳练习，虽然篇幅不多，但对于培养乐感和初步的听辨能力非常有帮助。总的来说，这本书在内容的组织上非常有条理，循序渐进，让人感觉学习过程是流畅而愉快的，而不是一种负担。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这本书之前，对乐理的了解仅限于一些零散的知识点，比如知道C大调是什么，但具体怎么构成，为什么是C大调，我却说不清楚。这本书的出现，彻底颠覆了我之前的认知。它从最最基础的音高、音名开始讲起，然后逐步深入到音程、音阶、调式、和弦等核心内容。让我印象深刻的是，它在讲解调式时，不是简单地罗列大小调，而是详细解释了不同调式之间的联系和区别，以及它们各自所能营造的不同音乐情绪。这本书的逻辑链条非常完整，环环相扣，让人在学习过程中不会感到断裂。即使是之前感觉很难理解的和弦转位，在这本书的讲解下也变得清晰明了。我感觉它真正做到了一本“从零开始”的教材，无论你是完全的门外汉，还是已经有一些基础但想系统梳理的人，都能从中获益匪浅。