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《新世纪青少年艺术素质培养丛书》编委会 著

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店铺： 炫丽之舞图书专营店

出版社： 世界图书出版公司

ISBN：9787510006463

商品编码：29577661891

包装：平装

出版时间：2009-08-01

基本信息

书名：实用摄影基础与入门

定价：23.80元

作者：《新世纪青少年艺术素质培养丛书》编委会

出版社：世界图书出版公司

出版日期：2009-08-01

ISBN：9787510006463

字数：

页码：182

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.322kg

编辑推荐

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内容提要

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本书共分五章，内容包括：摄影发展的历史；普通照相机的结构及其使用方法；数码照相机的基本结构及其使用方法；摄影的构图与布局；各类摄影的技巧等。本书内容丰富，讲解深入浅出，集实用性、系统性于一炉，是专为喜爱摄影但又苦于没有大量空闲时间的朋友们准备的摄影入门读物。

目录

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章 摄影发展的历史
第二章 普通照相机的结构及其使用方法
第三章 数码照相机的基本结构及其使用方法
第四章 摄影的构图与布局
第五章 各类摄影的技巧

作者介绍

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文摘

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序言

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光影的艺术：探索视觉表达的无限可能 本书并非一本关于摄影技巧的入门指南，也非一本详尽介绍相机功能的说明手册。它是一次关于“观看”的深度探索，一次关于“感受”的视觉旅程。我们将在本书中，暂时放下快门速度、光圈大小、ISO值这些技术性的词汇，而是将目光聚焦于那些构成摄影作品灵魂的深层元素——光影、构图、色彩、情感以及观看者本身。 第一章：看见的本质——从“看”到“观察” 在信息爆炸的时代，我们每天都在被海量的信息轰炸，视觉信息更是占据了主导地位。然而，我们真的“看见”了吗？看见，和观察，有着天壤之别。看见，是被动的接收，是表面的掠过；而观察，则是主动的探寻，是细致的审视。 本章将引导你从“看”的角度出发，重新认识我们所处的视觉世界。我们将讨论： 视觉的疲劳与麻木： 探讨为何我们常常对周围的世界视而不见，如何打破这种视觉的惰性。 主动观察的训练： 提供一系列的观察练习，帮助你培养敏锐的视觉触觉，注意到那些常常被忽略的细节。例如，如何在平凡的场景中发现不平凡的元素，如何捕捉转瞬即逝的光影变化。 “看见”的个体差异： 理解不同的人，即使面对同一事物，也会有不同的“看见”。这与个人的经验、情感、认知以及文化背景息息相关。 摄影作为观察的工具： 并非教授如何用相机“拍照”，而是探讨相机如何成为我们“观察”世界的延伸。它迫使我们放慢脚步，聚焦，去审视我们选择呈现的画面。 我们将通过分析一些非摄影作品的例子，如绘画、雕塑，甚至是大自然的鬼斧神工，来阐释“观察”的重要性。例如，莫奈笔下的光影变幻，是如何通过细致入微的观察才能捕捉到的？高更作品中大胆的色彩运用，又是如何源于他对异域文化的独特观察？ 第二章：光影的诗篇——超越明暗的叙事 光，是摄影的灵魂。但本章所探讨的光，并非单纯的技术性话题，而是关于光影如何承载情感、塑造氛围、引导视线，以及讲述故事。 我们将深入分析： 光的性质与情绪： 探讨不同性质的光（如直射光、漫射光、侧光、逆光）如何影响画面的情绪。例如，硬光带来的戏剧性和张力，漫射光营造的柔和与宁静，侧光突出的立体感，以及逆光创造的神秘与梦幻。 阴影的语言： 阴影并非仅仅是黑暗的区域，它们本身就是画面叙事的重要组成部分。本章将讨论阴影如何增加画面的深度、引导观众的视线、暗示空间、甚至表达抽象的情感。 光影的对比与和谐： 探讨高对比度场景带来的视觉冲击力，以及低对比度场景所呈现的细腻与微妙。我们将分析如何在光影的处理上找到平衡，既能突出主体，又不失画面的整体感。 光线作为引导者： 光线是引导观众视线的天然路径。我们将学习如何利用光线的强弱、方向和色彩，将观众的目光引向画面中的关键元素，从而讲述一个更清晰、更有力的故事。 本章会引用大量艺术史上的经典作品，不论是否为摄影作品，来阐释光影在视觉艺术中的重要作用。例如，伦勃朗的光影运用如何塑造人物的性格，卡拉瓦乔的“明暗对照法”如何营造强烈的戏剧冲突。我们将思考，这些大师是如何“看见”光，并用他们的画笔“描绘”光。 第三章：构图的哲学——秩序与张力的平衡 构图，是摄影的骨架。它决定了画面元素的组织方式，影响着观众的阅读顺序和情感体验。本章并非教授“三分法”、“黄金分割”等具体法则，而是探讨构图背后的哲学思考——如何通过元素的排列，创造视觉上的和谐与张力。 我们将探讨： “看见”的几何： 观察生活中是否存在隐藏的几何图形和线条，以及它们如何影响我们的视觉感受。例如，直线带来的稳定感，曲线的流动感，对角线带来的动感。 负空间的力量： 留白，并非空虚，而是充满想象力的空间。我们将学习如何运用负空间来突出主体、营造氛围、引导视线，以及赋予画面呼吸感。 点、线、面在画面中的意义： 探讨不同的视觉元素在画面中的象征意义和它们之间的关系。一个点如何成为焦点，一条线如何定义方向，一个面如何构建空间。 平衡与不对称的魅力： 理解对称构图所带来的稳定与庄重，以及不对称构图所蕴含的动感与趣味。我们将探索如何打破常规，在看似“不完美”的构图里找到独特的视觉语言。 叙事性的构图： 构图不仅仅是美学上的排列，更是叙事的一部分。我们将思考，如何通过构图来暗示人物关系、展现空间关系、营造情节张力。 本章将分析不同风格的艺术作品，从古典绘画到现代设计，来展现构图的多种可能性。例如，日本浮世绘中简洁而有力的构图，如何用最少的元素传达最丰富的信息？波普艺术中大胆的并置和重叠，又如何挑战传统的构图理念？ 第四章：色彩的语言——情绪与联想的调色板 色彩，是画面最直接的情感表达。本章将超越对色彩理论的机械讲解，而是深入探讨色彩如何唤起我们的情绪、触发我们的联想，以及在视觉叙事中扮演的角色。 我们将关注： 色彩与情感的关联： 探讨不同色彩在心理学上的普遍联想，如红色代表热情与危险，蓝色代表宁静与忧郁，黄色代表阳光与活力。 色彩的对比与和谐： 分析互补色、邻近色等色彩搭配方式如何影响画面的视觉效果。高对比度的色彩组合带来的冲击力，低对比度的色彩搭配所营造的和谐感。 色彩的饱和度与明度： 探讨色彩的纯度和亮度如何影响画面的情绪和氛围。鲜艳的色彩带来活力，灰暗的色彩则显得沉静或压抑。 文化与色彩的联想： 理解不同文化背景下，色彩可能具有不同的象征意义。 色彩在画面中的叙事作用： 学习如何通过色彩的选择和运用，来引导观众的情绪，强调主题，甚至构建故事的基调。 本章将审视大量运用色彩的艺术作品，包括绘画、电影、服装设计等，来体会色彩的魔力。例如，梵高的作品中炽热的色彩运用，如何表达他内心的强烈情感？安迪·沃霍尔作品中鲜艳、重复的色彩，又如何传达他对消费文化的思考？ 第五章：情感的捕捉——超越表面的连接 摄影的最终目的是触动人心。本章将探讨，如何超越对外部世界的简单记录，去捕捉和传达那些隐藏在表象之下的情感。 我们将讨论： “看见”情感： 情感并非直接可见，而是通过表情、姿态、眼神、环境等多种线索来传递。我们将学习如何敏锐地捕捉这些细节。 建立连接： 摄影师与被摄者之间的连接，以及作品与观众之间的连接，是情感传递的关键。我们将探讨如何通过真诚的互动和观察，建立这种连接。 故事性的力量： 即使是看似普通的场景，也可以通过精心捕捉的情感瞬间来讲述一个引人入胜的故事。我们将思考，如何在画面中融入叙事，让观众产生共鸣。 摄影师的“心”： 最终，摄影作品的情感深度，很大程度上取决于摄影师自身的情感体验和表达的意愿。我们将鼓励读者去探索自己的情感世界，并将其转化为视觉语言。 本章会引用一些具有深刻情感力量的摄影作品，以及非摄影作品中的感人瞬间，来引发读者对情感表达的思考。例如，一些经典的纪实摄影作品，是如何通过一个眼神、一个动作，瞬间触动观众内心深处的情感？ 第六章：观看的力量——主体与客体的互动 摄影作品的生命力，不仅在于创作者的表达，更在于观看者的解读。本章将把焦点从创作者转移到观看者，探讨观看行为本身的力量，以及主体与客体之间的互动。 我们将深入分析： 观看者的预设与解读： 每个人都有自己的经验、偏见和文化背景，这些都会影响他们对同一幅画面的解读。 “留白”的想象空间： 优秀的视觉作品往往会留下一定的想象空间，让观看者主动参与到意义的构建中。 观看的“沉浸感”： 如何通过画面，让观看者产生身临其境的感觉，与作品中的人物、场景产生情感上的共鸣。 摄影作品的“生命周期”： 一幅作品在被创作出来后，其意义会随着时间和观看者的不同而不断演变。 超越“美”的评价： 探讨摄影作品的价值，是否仅仅在于其视觉上的“美”，还是在于其能否引发思考、触动心灵、甚至改变观看者的视角。 本章将鼓励读者进行一些互动式的思考练习，比如将同一幅作品展示给不同的人，观察他们各自的解读。同时，我们将分析一些开放性较强的艺术作品，来探讨观看者在其中扮演的角色。 结语：持续的探索，永恒的观看 本书并非提供一套固定的公式或标准，而是希望点燃你内心深处对视觉表达的渴望，激发你用更深邃、更敏锐的目光去审视这个世界。摄影，以及更广泛的视觉艺术，是一场永无止境的探索。每一次按下快门，每一次观看，都是一次与世界对话的机会。愿本书能成为你在这场探索中，一段有益的陪伴，引领你超越技术的束缚，去发现和创造属于你自己的视觉语言。 本书并非教授你如何“拍出一张好照片”，而是引导你学会“如何用一种更有深度、更有力量的方式去观看和表达”。这是一次关于“看见”的启蒙，一次关于“感受”的唤醒，一次关于“表达”的启迪。当你真正学会“看见”和“感受”，那些技术性的问题，便会自然而然地迎刃而解，因为，真正的摄影，源于一颗敏感而观察的世界的心。

评分☆☆☆☆☆

我一直对拍摄人像这件事有点“手足无措”，总觉得拍出来的人物不够有神韵，表情也显得很僵硬。这本书在人像摄影这块的讲解，真的可以说是“点石成金”！它不仅仅是教你如何摆姿势，而是从更深层次剖析了如何捕捉人物的情绪和神态。书中关于眼神的引导、面部表情的捕捉，以及如何在光影下塑造人物的立体感，都讲得非常到位。我印象最深刻的是关于“人像布光”的章节，它详细介绍了伦勃朗光、蝴蝶光、侧光等不同布光方式对人物情绪和氛围的影响，并且配上了清晰的图示，我甚至能跟着书上的指示，在家里的灯光下尝试模拟。而且，它还讲到了如何与拍摄对象进行沟通，如何营造轻松的拍摄氛围，这点对于我这种“社交恐惧症”患者来说，简直是福音。现在，我敢于尝试拍摄身边的人，并且发现，通过一些小技巧，真的能拍出有故事感、有灵魂的照片，而不是简单的“留影”。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我买这本书之前，对摄影器材的了解仅限于“相机”和“手机”。这本书简直打开了新世界的大门！它细致地介绍了不同类型相机的特点，比如单反、微单、旁轴，甚至还有一些我之前都没听过的中画幅相机，让我对各种器材的功能和适用场景有了清晰的认识。最让我惊喜的是，它并没有止步于相机本身，而是花了大量篇幅讲解了不同焦段镜头的特性。我以前只知道广角镜头拍得宽，长焦镜头拍得远，但这本书深入剖析了它们在视角、畸变、压缩感等方面的差异，甚至还举例说明了在拍摄人像、风光、微距时，不同镜头能带来怎样的独特效果。而且，关于滤镜的介绍也让我大开眼界，什么CPL、ND、渐变灰，以前觉得只是摆设，现在才知道它们能如此巧妙地解决光比过大、水面反光等棘手问题。这本书让我明白，想要拍出好照片，了解你的“武器”是多么重要，也让我开始重新审视自己的器材配置，不再盲目跟风，而是有了更清晰的目标。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对风光摄影充满向往的爱好者，我常常在野外迷失方向，不知道该如何下手。这本书在风光摄影的章节，给了我非常实用的指导。它不仅仅教你如何找到壮丽的风景，更重要的是，它教你如何“读懂”风景，并将其转化为画面。书中关于“构图的哲学”的讲解，让我明白了如何利用引导线、前景、中景、远景来构建画面的纵深感和层次感。而且，它对不同天气、不同季节下的风光拍摄特点的分析，让我对拍摄有了更全面的认识。比如，我以前总觉得阴天拍摄风光不好，但书中却指出阴天柔和的光线非常适合表现细节和色彩，这让我大开眼界。此外，关于如何利用航拍视角、延时摄影等技术来丰富风光作品的表现力，也让我对未来的创作有了新的灵感。现在，我去户外拍摄，不再是漫无目的地乱拍，而是能够带着思考去寻找和捕捉那些真正能打动人心的瞬间。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是给我想象中“摄影”打了个巨大的问号！我一直以为摄影就是拿起相机，对着好看的东西按快门，然后照片就能自动变漂亮。结果翻开这本书，发现我之前玩的都是“拍照片”，而不是“摄影”。比如，它讲到“光圈”的时候，不是简单地说“光圈越大背景越模糊”，而是深入浅出地解释了景深的概念，让我一下子明白了为什么有些照片背景虚化得那么梦幻，而有些则显得“杂乱”。而且，它还讲到了“快门速度”和“感光度”之间的联动关系，这点尤其重要，我以前总是顾此失彼，不是照片太暗就是抖得像鬼影。这本书通过大量的生活化例子，比如拍摄运动物体、夜景人像，让我切实感受到这些参数在实际拍摄中的重要性。我甚至开始琢磨，原来构图也不是随便摆摆，它里面讲的“三分法”、“黄金分割”什么的，虽然听起来有点高深，但配合图例一看，顿时豁然开朗。现在我对着眼前的美景，脑子里已经不再是“咔嚓”一声那么简单，而是开始思考用什么样的光线、什么样的角度、什么样的参数来呈现我眼中的“美”。这本书让我意识到，摄影是一门需要思考和实践的艺术，而不是一次性的行为。

评分☆☆☆☆☆

我一直以为摄影就是“咔嚓”一张就完事了，完全没想过后期处理能有这么大的能量。这本书在后期处理的章节，简直是打开了我照片的“第二生命”。它详细介绍了Lightroom和Photoshop这两个软件的基础操作，并且通过具体的实例，演示了如何调整曝光、白平衡、色彩饱和度，以及如何进行局部调整和锐化。让我惊喜的是，这本书的后期处理教程，并不是一味地追求“P图”，而是强调“还原”和“提升”照片的质感。比如，在调整色彩时，它会教你如何根据照片的主题和氛围来选择合适的色彩倾向，而不是简单地把照片调得“艳丽”。而且，关于RAW格式的处理，让我明白了为什么专业摄影师更喜欢使用RAW格式，以及如何通过RAW格式来获得更大的后期调整空间。现在，我对待自己拍摄的照片，不再是“拍完就扔”，而是会花更多的心思去后期，让每一张照片都能达到我心中的最佳状态，也让我对自己的照片有了更高的要求。