正版全新声乐教学艺术实践与演唱指导探究宫妮刘琳中国纺织出版社9787518032235 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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宫妮，刘琳 编

图书标签:

• 声乐教学
• 演唱指导
• 艺术实践
• 音乐教育
• 宫妮
• 刘琳
• 中国纺织出版社
• 9787518032235
• 专业教材
• 声乐技巧

店铺： 一碧万顷图书专营店

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518032235

商品编码：29596711353

页数：188

图书基本信息
书名：	声乐教学艺术实践与演唱指导探究
丛书名：
作者/主编：	宫妮, 刘琳
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518032235
出版年份：	2017年5月

版次：	第 1版
总页数：	188页
开本：	16
图书定价：	50元
实际重量：	0.295kg
新旧程度：	正版全新

第一章 声乐教学艺术概述
第一节 中国声乐艺术发展现状
第二节 中国声乐教学法发展概况
第三节 中国声乐艺术发展的趋势

第二章 声乐教学基本理论
第一节 声乐教学的特点与原则
第二节 声乐教学理论构建
第三节 声乐教学的内容
第四节 声乐教学的方法

第三章 声乐教学活动的呈现形式
第一节 大课
第二节 小组课
第三节 个人课
第四节 艺术实践课

第四章 声乐教学活动中的心理特征
第一节 声乐活动中心理特征的表现
第二节 声乐活动中不同主体的心理调控
第三节 不良歌唱心理的表现与纠正

第五章 声乐演唱中生理机能运转指导
第一节 声乐演唱中的姿势
第二节 声乐演唱中的发声
第三节 声乐演唱中的共鸣
第四节 声乐演唱中的呼吸

第六章 声乐表演艺术处理与指导
第一节 声乐表演者应具备的素质
第二节 声乐表演的艺术形态
第三节 声乐表演要素分析
第四节 声乐表演中语调的处理

第七章 声乐教学中需要注意的问题
第一节 演唱作品的选择与作品形象的塑造
第二节 声部的划分与唱法的界定
第三节 音准、音域与音色的问题
参考文献

声乐在我们的生活中无处不在，除了丰富人们的精神文化生活之外，还不断影响着人们的生活，而对声乐教学来说也有了更进一步的要求。《声乐教学艺术实践与演唱指导探究》旨在对声乐教学艺术进行研究的同时，对相关的声乐演唱进行指导，其目的是为了提高演唱者的演唱技能，进而促使教学艺术朝着多样化的方向发展。主要内容包括：声乐教学的内容与原则、声乐教学的组织形式、科学的声乐艺术、正确的声乐术语、对歌唱生理机能训练（发声、呼吸、共鸣）的指导以及声乐专业学生综合素质的培养等内容。

经典文学名著赏析与深度解读 书名： 《文学的永恒回响：经典名著深度解析与时代精神透视》 作者： 著名文学评论家 史文渊 教授 出版社： 华夏文化艺术出版社 ISBN： 978-7-5002-1145-9 --- 内容概要： 本书是一部立足于宏大文学史视野，对西方及中国文学史上最具影响力的经典名著进行深度剖析的学术专著。全书不拘泥于传统的文本复述，而是着重于挖掘作品背后的哲学思辨、社会语境、艺术创新及其对后世文脉的深远影响。史文渊教授以其深厚的古典学养和敏锐的现代意识，带领读者穿梭于荷马史诗的英雄主义叙事与莎士比亚悲剧的伦理困境之间，探寻陀思妥耶夫斯基对人类灵魂深处的拷问，并最终聚焦于中国古典小说如《红楼梦》中蕴含的世情哲学。 本书旨在构建一座连接过去与现在的阅读桥梁，帮助当代读者跨越时代隔阂，真正理解这些不朽之作的“活的意义”。 --- 详细内容结构与章节亮点： 本书共分上下两册，共计二十章，以主题和地域相结合的方式进行编排，确保了知识的系统性和论述的连贯性。 上册：西方文学的基石与精神探索 (约700字) 第一部分：古典源流的史诗精神 本部分聚焦于西方文学的开端，深入探讨了荷马史诗《伊利亚特》和《奥德赛》中的“命运与自由意志”的张力。评论不仅分析了英雄原型（如阿喀琉斯、奥德修斯）的塑造技巧，更侧重于探讨古希腊悲剧精神如何渗透进史诗叙事，展现了早期人类面对不可抗拒力量时的道德抉择。 第二部分：中世纪与文艺复兴的信仰与人性冲突 本章对但丁的《神曲》进行了跨学科的解读。作者超越了传统的神学解读，将《地狱篇》视为中世纪社会秩序的缩影，将《天堂篇》视为人文主义对理性与启示融合的终极向往。随后，重点分析了莎士比亚戏剧（以《哈姆雷特》和《李尔王》为代表）中人性的异化与权力的腐蚀性。书中提出了一种新的观点：莎翁的悲剧结构，本质上是对文艺复兴时期个体崛起后，其内在矛盾的戏剧化投射。 第三部分：启蒙的理性与浪漫的激情 本部分考察了18世纪至19世纪初，文学如何成为社会批判的工具。重点分析了歌德的《浮士德》，将其视为西方知识分子从理性主义向浪漫主义过渡阶段的精神史诗。书中细致对比了欧洲大陆文学与英国文学在关注点上的差异，如简·奥斯汀对社会风俗的精妙刻画，如何成为洞察阶级固化与女性地位的“微观社会学报告”。 第四部分：现实主义的社会镜像与灵魂的深度挖掘 这是上册的重点篇章，聚焦于19世纪的现实主义与自然主义。作者对巴尔扎克和托尔斯泰的宏大叙事给予了高度评价，但更深入地剖析了陀思妥耶夫斯基《卡拉马佐夫兄弟》中对“罪、罚、救赎”的哲学探讨，认为其超越了小说范畴，是对现代人存在困境的深刻预言。书中详细论述了陀氏如何运用“复调”手法，构建出思想交锋的剧场。 --- 下册：东方文学的内蕴与民族精神的沉淀 (约800字) 第一部分：中国古典诗歌的意境营造与情景交融 下册伊始，作者将目光转向东方。本部分系统梳理了从《诗经》到唐诗、宋词的演变脉络。重点分析了唐代诗人（如杜甫、李白、王维）如何通过“境”的描绘来寄托“情”的负载，探讨了中国古典美学中“留白”艺术在诗歌结构中的哲学基础。书中特别用一章解析了苏轼的词作，阐述其“豪放”背后的旷达人生哲学。 第二部分：章回小说的世情哲学与叙事结构 本部分集中探讨了中国古代小说的巅峰之作。 《三国演义》：从权力博弈的角度，剖析其历史叙事中的“合久必分，分久必合”的循环史观。 《水浒传》：关注其对“忠义”概念的颠覆与重构，以及对底层反抗精神的复杂刻画。 《西游记》：超越神魔表象，将其解读为个体心性修炼和佛道思想融合的寓言式探险。 第三部分：探寻《红楼梦》的“百科全书”价值 本书将近三分之一的篇幅用于《红楼梦》的精读。作者认为，《红楼梦》不仅是家族兴衰史，更是对中国传统文化、哲学、建筑、医药、服饰等领域的集大成式呈现。书中特别探讨了贾宝玉的“情不情”观，以及林黛玉和薛宝钗两位女性形象所代表的两种截然不同的生命哲学，并结合曹雪芹的生平，探讨“真事隐去”的艺术策略。 第四部分：近现代文学的转型与民族身份的重塑 最后一部分转向中国近现代文学，重点分析了鲁迅作品中“国民性批判”的深层动力。作者认为，鲁迅的笔触具有极强的解剖性，是对积弊已久的文化心理的彻底反思。同时，也审视了沈从文、老舍等作家在不同地域文化背景下，如何探索中国现代个体在社会变革中的精神出路。 --- 本书特色与价值： 1. 跨文化比较视角： 不将中西方经典割裂研究，而是寻找如“英雄原型”、“悲剧精神”、“世情叙事”在不同文化中的异同。 2. 理论创新性： 引用现象学、符号学等当代文艺理论，为经典作品注入新的阐释活力，避免陈旧的、模式化的解读。 3. 学术严谨性与可读性的平衡： 全书学术功底扎实，注释详尽，但行文流畅，论证逻辑清晰，适合专业研究者和有志于深度阅读的普通读者。 结语： 《文学的永恒回响》力求证明，真正的文学经典，其价值并非固定于历史的某个切片，而是能够持续地向当下提问，映照出我们时代精神的复杂与幽微。阅读这些经典，即是与人类历史上最伟大的思想者进行一场不间断的对话。

评分☆☆☆☆☆

这本乐理书真是我的福音！最近准备考级，对和声学那块一直摸不着头脑，总觉得书本上的讲解枯燥又晦涩。但是这本书不一样，它用非常生动的例子和图表来解释那些复杂的概念，比如如何分析一个调式的色彩，或者怎样处理转调时的和弦连接。特别是关于赋格的章节，作者似乎特别擅长把抽象的结构具象化，我读完之后，感觉那些原本像是迷宫一样的线条突然清晰起来，能“看到”旋律是如何在不同的声部之间穿梭和交织的。作者在讲解时语气非常耐心，像一个经验丰富的老教授在面对面指导你一样，不会让你有任何压力。而且，它不只是停留在理论层面，后面还附带了大量的练习曲和范例分析，让我能立刻把学到的知识应用到实际的演奏中去检验效果。对于我这种需要大量实操来巩固理论的初学者来说，这种“即学即练”的模式简直是太棒了，大大提高了我的学习效率和学习兴趣。这本书完全打破了我对传统乐理教材的刻板印象，原来学习基础理论也可以如此引人入胜。

评分☆☆☆☆☆

我主要关注的是艺术实践和作品演绎部分。很多教学书籍侧重于技术指导，但这本书对“音乐性”的挖掘达到了一个很高的层次。它选取了一些经典曲目进行深入剖析，但重点不在于炫技，而在于如何挖掘作曲家创作时的情感内核和时代背景。例如，在分析一首德语艺术歌曲时，作者不仅讲解了德语的发音细节，更着重探讨了诗歌意境与旋律走向的内在联系，教会读者如何用声音的色彩去描绘文字背后的意境。这种深度的文本解读，让我对以往只是“哼唱”的曲目产生了全新的理解和敬畏。它促使我思考，每一次演唱都不是简单的音符复述，而是一次与作曲家和诗人的深度对话。这种对艺术完整性的追求，让这本书的价值远超一本技术手册，它更像是一本关于如何成为有思想的音乐表演者的指南。我感觉我的音乐理解力，通过阅读和模仿书中的分析思路，得到了质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

从排版和装帧来看，这本书的设计非常贴合学习需求。纸张的质量很好，即使用荧光笔做了很多标记也不会洇墨，这对于经常需要翻阅和做笔记的读者来说非常重要。更值得称赞的是，书中大量的谱例排版清晰，字体选择适中，即使是复杂的对位结构，也能一目了然，这一点在需要对照不同声部时显得尤为关键。另外，书中一些涉及声学原理的部分，配图精良，无论是喉部的结构图还是声波的示意图，都做到了既科学又易懂。我个人对那些关于录音棚实践和现场收音技巧的部分特别感兴趣，书中对此的探讨非常务实，提供了很多专业人士才会注意到的细节，比如麦克风的选择对不同音色特质的影响，或者如何通过舞台站位来优化现场的声场平衡。这些实操层面的内容，让这本书不仅仅局限于“台上”，延伸到了“台前幕后”的整个音乐制作链条，非常全面和接地气。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的一个独特之处在于它对“审美取向”的引导。在快速变化的音乐潮流中，很多教学材料容易变得过于追逐时髦或者过于守旧。但这本书似乎在两者之间找到了一个非常优雅的平衡点。它既强调了传统美声发声法的根基和不可动摇的科学性，又鼓励学习者保持开放的心态，去吸收和转化现代音乐（如音乐剧、跨界演唱）中行之有效但未被传统体系完全纳入的技巧。作者的态度非常谦逊和开放，她没有断言哪种技巧是“唯一正确”的，而是引导读者根据自身条件和所要演唱的曲目风格，去建立属于自己的、最有效的技术体系。这种鼓励个性化发展的教学理念，让我倍感亲切。它没有把我塑造成一个标准化的“声乐机器人”，而是引导我探索并放大我自身声音的独特性和魅力所在，这才是真正高级的艺术教育。

评分☆☆☆☆☆

这本书在演唱技巧方面的探讨，简直是为我打开了一扇新的大门。我一直困扰于高音区的支撑问题，总是觉得力不从心，或者声音太靠前，不够集中。这本书里对气息的运用描述得极其细致，它不只是告诉你“深吸气”，而是详细解释了横膈膜和肋骨群在不同音区应该如何协同工作，甚至提到了面罩共鸣点在不同音高的微小调整。更让我惊喜的是，它还引入了一些心理层面的指导，比如如何通过意象训练来帮助声带放松，如何处理舞台焦虑。这些内容在一般的声乐教材里是很少见的，往往都被一笔带过。作者在描述这些复杂的生理和心理过程时，选用的词汇非常精准且富有画面感，让人很容易就能在脑海中构建出正确的发声模型。我尝试着按照书中的建议调整了我的小舌位置，效果立竿见影，声音变得更加靠后、圆润，而且维持高音时的疲惫感也减轻了不少。这本书绝对是舞台实践派歌手的宝典，它教的不是“如何唱一个音”，而是“如何成为一个更好的歌者”。