画技法---西方经典美术技法译丛-W 9787532294732 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美] 克丽斯·柯宗，朱莉·普里恰德，刘静 著

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出版社： 上海人民美术出版社

ISBN：9787532294732

商品编码：29624788842

包装：平装

出版时间：2015-07-01

基本信息

书名:画技法---西方经典美术技法译丛-W

定价：48.0元

售价：35.0元,便宜13.0元,折扣72

作者: 克丽斯·柯宗,朱莉·普里恰德 ,刘静

出版社：上海人民美术出版社

出版日期：2015-07-01

ISBN：9787532294732

字数：1

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.4kg

编辑推荐

　　1. 作者推崇混合多种媒介作画方式，添加拼贴、线条和肌理效果，创作方式新颖，让人耳目一新；
　　2. 本书案例图片精美新奇，视觉冲击力强，趣味性强，寓教于乐，让绘画创作变得简单有趣，富有挑战性；
　　2. 采用分步骤讲解法，由易至难，当你拿起笔跟随书中的节奏和进度系统性的展开学习时，你会发现绘画将变得轻松而有趣；
　　3. 书中基础知识的讲解扎实、透彻，案例实用、全面，适合任何水平的画爱好者阅读学习。

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内容提要

在《西方经典美术技法译丛——画技法》中，读者能学到三十多种分步骤拓展肌理技巧，包括拼贴、单印版画、刻画、拼色对碰、印模立体印花、上光等等。《西方经典美术技法译丛——画技法》的每个章节都探索了多层次、多媒介绘图的各个阶段，例如绘图基底的准备、添加结构感、拓展复杂元素以及巧妙表现后的细节。读者在创作过程中可以随心所欲地使用书中的技巧来进行混色、重复或者添加图层。本书中有大量的画艺术作品，在讲解画作的同时也能提高读者的鉴赏力。

目录

作者介绍

克丽斯·柯宗是自学成才的艺术家，她非常喜欢在艺术作品中探索色彩、肌理和图案。她的拓展开发才能和教授大量不同课程的能力来自于作为教育工作者所受的职业培训。克丽斯担任美国颜料和产品生产商金色艺术家颜料公司的常驻艺术家，每年在南加州和美国举办30多场专业讲座和颜料专题讨论会。自2008年以来，她已经出版了《变化的表面》（2008），《转描图和改变的图像》（2009）和《多种绘图媒剂与色彩》（2010）三部作品，这些技巧书聚焦于颜料和肌理效果，受到热捧。可以在thelandoflostluggage.网站上学习她与朱莉·普里恰德教授的网上课程。她的作品在美国、欧洲和以色列受到私人珍藏。克丽斯与丈夫一起生活在加州的帕萨迪纳市。可以在网址：chriscozenartist.上对她做进一步了解。

朱莉·普里恰德是在南加州工作和生活的多媒介画家。目前，她致力于写作并提供网上多媒介绘画讲习班，志在将该技术向全球艺术人士传播。通过网络，朱莉与不断发展的艺术创造之旅上的同游人分享了自己的知识。她当前的艺术作品在网址：TheLandOfLostLuggage.上可见。

文摘

序言

朱莉的话

我喜欢长时间地凝神观赏一幅图画，仔细研究看看自己能作何发现。即将发现的奥秘让我不停地回顾探索。寻找不同绘图层次之下的图画和线索是非常振奋人心的事情，而分层次绘图乃我个人绘图风格的真实写照。

作为摄影师所受的培训助我引入了分层绘图法。我了解到可以添加或者去除图层，可以从下到上也可以从上到下添加图层，这种了解对摄影和绘图一样重要。分层绘图能分解处理绘制多媒介图画中那种令人生畏的感觉。一次处理一个步骤，心中深知一个步骤本身不会产生终的影响，而是完完全全受制于某次心血来潮。教授绘图课程时，克丽斯和我都强调：在你觉得它已然完工之前，图画其实尚未完工。

我有学理科的背景，深知对事情原理的了解于我的绘画方法非常重要。我系统地了解颜料、媒剂和基底，目的是让它们为我所用，而在本书中我毫无保留地与你分享自己所了解的知识。根据这些知识，我和克丽斯汇编了自己喜爱的绘图技巧。

如若混搭不同绘画技巧，你会获得无穷无尽的变化和视觉效果。衷心希望你能从本书中汲取知识并拓展自己的绘画技能。

 

克丽斯的话

混合多种媒介作画有让人彻底心醉神迷之处。这种艺术形式的自由度和意外新发现让我每每沉浸其中，轻松自如地在画纸和颜料之间进行改变，添加拼贴、线条和肌理效果。多媒介作画不会让人觉得在生搬硬套画法或者让程式化的画法禁锢了创作的自由。一开始，我尝试记录自己在图画中所绘制图层的数量，现在我已不再这么做了。作为艺术家，我的目标是创作多个图层无缝衔接的艺术作品，让作品的整体效果完整又充实。我发现多图层绘图能创造有趣的作品。我常常在数月之后把自以为完工了的挂在墙上的图画取下来并往上面添加更多图层！

本书的撰写更加强化了我对多媒介绘图的热爱。艺术世界里还有什么能让你使用如此多样化的材料来开发如此大范围的不同作品呢？

虽然本书的编排目的是展示如何分层次创作多媒介的艺术作品，但必须牢记本书并非意在提供不可变通、不能更改的规则。你可以随心随意地自由使用这些技巧来进行混色、重复或者添加图层。我们未能继续写下去是因为书本的篇幅有限，但是你可以一往直前。我们衷心地希望你能充分享受这个过程。

画技法：西方经典美术技法译丛-W 序言 人类对美的追求，古往今来从未停歇。绘画，作为一种最直接、最古老、也最富表现力的艺术形式，承载着人类对世界的观察、理解与情感的表达。数千年来，无数艺术家穷尽毕生心血，探索着色彩、线条、光影、构图的奥秘，逐渐形成了一套套精妙绝伦的绘画技法。这些技法，不仅是艺术家手中的工具，更是他们思想与情感的载体，是跨越时空的精神财富。 “西方经典美术技法译丛”系列，正是为了将这份宝贵的艺术遗产系统地介绍给广大中国读者而生。本册《画技法——西方经典美术技法译丛-W》作为该系列的重要组成部分，聚焦于西方绘画技法中的若干关键领域，深入浅出地剖析其原理与实践。本译丛的目标是，通过引进和整理西方最富影响力的绘画技法经典，为中国的美术爱好者、学习者以及专业人士提供一个全面、深入的学习平台，让他们能够站在巨人的肩膀上，更好地理解和掌握西方绘画的精髓，并在此基础上，激发中国本土艺术的创新与发展。 在信息爆炸的时代，艺术的学习途径多种多样，但系统的、深入的技法探讨却往往散落在零散的文献中，难以窥见全貌。本册《画技法》力求弥补这一空白，它并非一套简单的“速成手册”，而是旨在揭示艺术创作背后的逻辑与思考，引领读者走进艺术家们的创作世界，理解他们是如何通过对技法的娴熟运用，将心中的意象转化为触动人心的艺术作品。 本书的编写，凝聚了译者团队的心血与对艺术的敬意。我们深知，技法是艺术的基础，但更重要的是，技法背后蕴含的观察力、感受力、判断力以及创造力。因此，在介绍技法的过程中，我们力求兼顾理论的深度与实践的可操作性，不仅要讲清“是什么”，更要探讨“为什么”和“如何做”。 我们希望，通过本书的学习，读者能够： 系统地了解西方绘画技法的核心原理： 从素描的基础骨骼，到油画的丰富层次，再到水彩的灵动变幻，本书将一一为你揭示其内在规律。 掌握切实可行的实践技巧： 本书将提供大量的实例分析和操作指导，帮助你将理论知识转化为实际的绘画能力。 培养独立的艺术观察与思考能力： 技法并非僵化的规则，而是服务于艺术表达的工具。通过对不同技法的理解，你将更能辨析艺术作品的优劣，并找到属于自己的艺术语言。 汲取经典艺术的养分，激发创作灵感： 经典之所以为经典，在于其超越时代的生命力。了解这些技法，如同与大师们进行一场跨越时空的对话，从中获得无尽的启迪。 艺术的学习是一场漫长而美妙的旅程。愿本书能成为您在这场旅程中可靠的伙伴，引领您探索绘画艺术的无限可能。 目录 （此处为简化展示，实际目录会更详细） 第一章：素描——一切绘画的基础 1.1 形体塑造的奥秘：光影与体积的 interplay 1.1.1 光源分析与阴影的科学 1.1.2 明暗交界线、反光与拾光 1.1.3 调子的运用与空间感的营造 1.2 线条的语言：结构、轮廓与情绪表达 1.2.1 结构线的解析与应用 1.2.2 轮廓线的变化与韵律 1.2.3 情绪线条的描绘与表现力 1.3 空间透视的原理与实践 1.3.1 线性透视：一点、两点、三点透视的解析 1.3.2 面积透视与空气透视 1.3.3 在素描中运用透视营造深度 1.4 素材的质感表现 1.4.1 纸张、铅笔、炭笔等不同媒介的特性 1.4.2 表现光滑、粗糙、柔软、坚硬等不同材质 第二章：油画——色彩与肌理的史诗 2.1 油画颜料的特性与调色原理 2.1.1 颜料的种类、媒介与干燥特性 2.1.2 色彩理论在油画中的应用：色彩环、互补色、类比色 2.1.3 饱和度、明度与色调的控制 2.2 油画的经典技法解析 2.2.1 厚涂法 (Alla Prima) 的直接与生动 2.2.2 薄涂法 (Glazing) 的透明与层次感 2.2.3 罩染与叠色：构建丰富的光泽与色彩变化 2.2.4 干画法 (Scumbling) 与笔触的肌理表现 2.3 媒介剂的运用与效果 2.3.1 松节油、亚麻仁油、树脂等的功用 2.3.2 调整颜料的稠度、干燥速度与光泽 2.4 油画的画面处理与修复 2.4.1 底层的准备与封闭 2.4.2 画面保护与保养的基本知识 第三章：水彩——光与影的轻盈舞曲 3.1 水彩颜料的特性与用水技巧 3.1.1 颜料的透明性、扩散性与遮盖力 3.1.2 水与颜料的比例控制：湿画、干画、半湿画 3.2 水彩的经典技法解析 3.2.1 渲染法 (Wash) 的平涂与渐变 3.2.2 湿中湿法 (Wet-on-Wet) 的晕染与融合 3.2.3 湿中干法 (Wet-on-Dry) 的清晰与层次 3.2.4 留白技法 (Masking & Lifting) 的精细处理 3.2.5 刮擦、叠色与点彩法 3.3 水彩的色彩表现与光感营造 3.3.1 利用纸张的白色制造亮部 3.3.2 色彩的叠加与透明感的发挥 3.3.3 营造透明、清澈、灵动的水彩光感 第四章：构图——视觉语言的逻辑 4.1 构图的基本法则与原则 4.1.1 平衡与对称 4.1.2 对比与变化 4.1.3 韵律与节奏 4.2 经典构图的范例分析 4.2.1 三角形构图、S形构图、黄金分割点 4.2.2 视觉引导线与焦点设置 4.2.3 叙事性构图与氛围营造 4.3 构图中的空间关系处理 4.3.1 前景、中景、远景的安排 4.3.2 画面元素的疏密与穿插 第五章：色彩心理学与艺术表达 5.1 色彩的情感联想与文化意义 5.1.1 冷暖色调的情感影响 5.1.2 特定色彩的象征意义（如红、蓝、黄） 5.1.3 色彩的搭配与情绪的引导 5.2 如何在绘画中运用色彩表达情感 5.2.1 色彩的情感化处理 5.2.2 色彩的象征性运用 附录：经典画作技法分析 （此处为示例，实际可能包含具体画作的技法分析，如达芬奇的晕涂法、伦勃朗的光影处理、莫奈的色彩印象等） 正文部分举例（节选自第一章 第1.1节 形体塑造的奥秘：光影与体积的 interplay） 1.1 形体塑造的奥秘：光影与体积的 interplay 在具象绘画的领域，无论我们描绘的是人物、静物还是风景，其核心在于如何将二维的平面画布转化为具有三维空间感的、生动的实体。而“光影”与“体积”的 interplay，便是实现这一目标的关键所在。理解并掌握它们之间的相互关系，是所有具象绘画技法的基石。 1.1.1 光源分析与阴影的科学 首先，我们必须学会“观察”光。光并非虚无缥缈，它有其来源，有其方向，有其强度。光源的性质直接决定了物体表面的明暗分布，以及随之而来的阴影形态。 光源的类型： 单点光源： 如一只灯泡、一束手电筒的光。这种光源会产生清晰、锐利的阴影，明暗对比强烈。 多点光源： 如室内顶灯与窗户光同时存在。多点光源会使阴影变得模糊、柔和，有时甚至会出现重叠的阴影。 环境光： 这是最常见的、弥散开的光线，通常来自天空或室内反射。环境光产生的阴影最为柔和，明暗对比也最弱。 在进行绘画创作时，画家需要对画面中的光源进行明确的设定。即使描绘的是自然光照下的场景，我们也需要通过分析，提炼出主要的、起决定性作用的光源方向。例如，是来自左上方，还是右下方？是直射，还是散射？ 阴影的产生与类型： 固有色： 物体本身的颜色。即使在完全均匀的光照下，物体表面也会因材质不同而呈现出不同的固有色。 受光面： 物体直接被光源照射的部分，通常是最亮的部分。 背光面： 物体背离光源的部分，最暗的部分。 明暗交界线 (Terminator)： 受光面与背光面之间，光线强度发生剧烈变化的分界线。在光滑的表面上，这条线相对清晰；在粗糙的表面上，则会显得模糊。 投影： 物体阻挡光线在另一表面形成的阴影。投影的形状和大小会随着光源位置、物体形状以及投影表面的倾斜程度而变化。 暗部反光 (Reflected Light)： 物体背光面并非完全黑暗，它会接收到周围环境的反射光，这被称为暗部反光。暗部反光能够帮助我们区分背光面的不同层次，并暗示周围环境的颜色。 高光 (Highlight)： 物体表面最亮的部分，通常是光源的直接反射点。高光具有极强的表现力，能够突出物体的光滑度、材质以及形态。 1.1.2 明暗交界线、反光与拾光 这三个概念是塑造体积感的灵魂所在。 明暗交界线 并非一条简单的“线”，而是一个区域。它标志着光线从“照射”到“照射不到”的过渡。在光滑的球体上，明暗交界线呈现为一条清晰的弧线；在不规则的物体上，这条线会随着物体表面的起伏而变化，有时甚至会“消失”在起伏之中。理解明暗交界线的位置和形态，是把握物体轮廓和体积感的第一步。它帮助我们区分物体的正面与侧面，理解其三维形态。 暗部反光 是提升体积感的关键。许多初学者在处理暗部时，往往会一味地将其画得死黑，导致画面缺乏层次和生命力。但实际上，即使是最暗的区域，也并非完全没有光。物体周围的环境，如地面、墙壁、相邻的物体，都会将光线反射到物体的暗部。这些“拾来的光”虽然不如主光源明亮，但它们能够 subtly 地勾勒出物体的轮廓，表现其材质的细微变化，并暗示出物体所处的环境。例如，一个放置在木地板上的白色球体，其底部的暗部可能会因为地板的反射而带有一些暖色调。 拾光（或称“拾光面”）与反光有所区别，它更多地强调物体“接受”来自周围环境的光线，而不仅仅是反射。对于某些表面粗糙或多孔的物体，它们会吸收并散射周围的光线，形成一种柔和的、弥散的亮部，这也可以被视为一种拾光。 在实际绘画中，画家需要通过细腻的观察和大胆的尝试，去发掘和表现这些细微的光影变化。运用不同软硬度的铅笔（素描）、不同的笔触和媒介（油画、水彩），以及巧妙的调色，才能将这些光影语言转化为生动的视觉形象。 1.1.3 调子的运用与空间感的营造 “调子”（Tone）是指画面中所有不同深浅、不同冷暖的色彩或灰度的总和。一个好的调子关系，能够有效地传达画面的整体氛围、光照条件，并赋予物体以实在的质感。 调子的重要性： 统一性： 画面中的所有元素，都应该在一个整体的调子关系中被和谐地组织起来。这就像一组乐队在演奏，每个乐器的音色不同，但需要统一在乐曲的节奏和旋律中。 表现光照： 画面中的明暗强弱、冷暖对比，直接反映了光源的性质和方向。一个温暖的午后阳光下的画面，其调子会偏向暖黄；而一个阴雨天的场景，其调子则可能偏向灰蓝。 塑造体积： 通过由亮到暗的渐变调子，可以有效地塑造物体的体积感。 制造空间： 远处的景物通常比近处的景物颜色更浅、更灰、更偏冷，这便是“空气透视”的原理，通过调子的变化来实现空间的纵深感。 空间感的营造： 近实远虚： 近景的物体轮廓清晰，细节丰富，色彩饱和度高；远景的物体轮廓模糊，细节简化，色彩饱和度低，对比减弱。 近暖远冷： 通常情况下，近处的景物色彩会偏暖，远处的景物色彩会偏冷。这并非绝对，但是一种普遍的视觉规律。 对比度的运用： 画面中对比最强烈的部分，通常会吸引观者的视线，成为画面的焦点。通过控制不同区域的对比度，可以引导观者的视线在画面中流动，从而感受画面的空间层次。 元素的疏密： 画面中元素的疏密安排，也能影响空间感的表达。前景密集，背景稀疏，能够增强画面的深度。 在掌握了光影、反光、拾光等基本原理后，如何运用“调子”去巧妙地组织这些元素，便是将素描提升到更高层次的关键。无论是使用铅笔、炭笔，还是油画、水彩，都需要对调子有敏锐的感知和灵活的运用。这需要大量的练习和实践，去体会不同媒介在表现调子方面的独特魅力，以及如何通过细微的笔触或色彩变化，赋予画面以生命力与空间感。 （内容仍在继续……） 引言： 本书并非包罗万象的百科全书，而是精选了西方绘画技法中最具代表性、最实用、也最能体现西方绘画精神的若干核心内容。我们力求在有限的篇幅内，做到深入浅出，理论与实践相结合。希望读者在阅读过程中，不仅能获得知识，更能体会到艺术的魅力，并在自己的创作道路上有所启发。

评分☆☆☆☆☆

自从接触了这本《画技法——西方经典美术技法译丛-W》，我感觉自己像是进入了一个全新的艺术维度。这本书的魅力在于，它能够触及到你内心深处对美的渴望，并用一种非常专业却又易于理解的方式，将那些曾经遥不可及的艺术秘密娓娓道来。我最欣赏的是它对“形体塑造”的讲解。过去我总以为画素描就是简单地描摹轮廓，但这本书让我认识到，真正的素描是建立在对物体结构和体积的深刻理解之上的。它详细拆解了不同几何形体如何组合成复杂的物体，如何利用明暗交界线、投影和反光来营造三维空间感。即使是一些简单的静物，通过书中提供的技法，也能变得栩栩如生，仿佛触手可及。而且，它还不仅仅局限于绘画的表象，而是深入探讨了艺术家是如何通过观察和分析来理解形体的。书中举例的那些大师作品，在不同的光照条件下，同一物体所呈现出的不同质感和体积感，都给我留下了极其深刻的印象。这本书的语言风格也非常独特，既有学院派的严谨，又不失艺术的诗意，读起来就像是在听一位经验丰富的老师在耳语，传递着宝贵的艺术箴言。它让我看到了绘画的深度和广度，不再仅仅是技能的训练，更是对世界的一种全新认知方式。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本《画技法——西方经典美术技法译丛-W》是我近年来读过的最令人振奋的艺术类书籍之一。它就像一位经验丰富的向导，带着我穿越了西方绘画的悠久历史，并且深入挖掘了那些塑造了艺术史的经典技法。我特别喜欢书中对“透视原理”的阐述。以往我对透视的概念总是模模糊糊，认为只是画出远小近大那么简单。但这本书却以极其清晰的逻辑和大量的实例，解释了单点透视、两点透视，甚至更复杂的视点和消失点是如何影响我们观察和描绘空间的。我尝试着按照书中的步骤去绘制一些简单的场景，惊喜地发现，画面一下子就拥有了深度和空间感，不再是平面化的堆叠。而且，它还强调了透视在构建画面情绪和引导观众视线方面所起到的关键作用，这让我对透视的认识上升到了一个全新的高度。书中对不同时期艺术家如何运用透视的分析，更是让我大开眼界，看到了这项技术在不同艺术流派中的演变和创新。阅读这本书，不仅仅是学习技巧，更像是一次对艺术史的沉浸式体验，让我能够从更深层次理解那些传世名作的奥秘。它点燃了我对绘画的热情，也给了我继续探索的勇气和方向。

评分☆☆☆☆☆

拥有一本《画技法——西方经典美术技法译丛-W》是我一直以来的心愿，如今终于如愿以偿，感觉像是得到了一本无价的宝藏。这本书的价值不仅仅在于其内容的丰富性，更在于它所传递的那种对绘画艺术的敬畏之心和探索精神。我特别被书中关于“笔触与肌理”的章节所吸引。过去我总是过于注重画面的整体效果，而忽略了笔触本身的表现力。这本书让我认识到，每一笔颜料的堆叠、每一处笔触的走向，都蕴含着艺术家强烈的情感和个人风格。它详细介绍了不同画笔、不同颜料以及不同运用方式所产生的独特肌理效果，从细腻的晕染到粗犷的笔触，都进行了深入的剖析。而且，它还结合了许多大师的作品，展示了他们是如何通过巧妙运用笔触来表现光泽、质感、甚至是人物的心理状态。这让我开始更加关注绘画过程本身的体验，并尝试着去“听”笔触在画布上的“声音”。阅读这本书，让我感觉自己不仅仅是在学习如何“画”，而是在学习如何“感受”和“表达”。它拓展了我对绘画的认知边界，让我意识到，每一个细微之处都可能蕴含着巨大的艺术张力。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本《画技法——西方经典美术技法译丛-W》之后，我花了很多时间沉浸其中，感觉自己像是踏上了一条充满惊喜的艺术探索之旅。这本书的魅力在于，它能够将那些看似复杂高深的绘画理论，以一种非常直观和易于操作的方式呈现出来。我尤其喜欢其中关于“构图与平衡”的探讨。以前我画画时，总是感觉画面“乱糟糟”的，不知道该如何安排元素才能让画面更具视觉冲击力和和谐感。这本书却系统地讲解了黄金分割、三分法、对称与不对称等多种构图原理，并且用大量的图例进行了说明。它让我明白，构图不仅仅是摆放东西，更是通过画面元素的排列组合来引导观众的视线，传达情绪，甚至讲述故事。我尝试着用学到的构图方法去重新审视我的一些旧作，发现稍作调整，画面的整体感觉就发生了翻天覆地的变化，更加有重点，也更加耐看。而且，书中还提到了如何利用留白、虚实对比等手法来增强画面的张力和意境，这些都是非常实用且富有启发性的技巧。这本书让我看到了绘画的“骨架”，认识到好的技法是建立在扎实的构图基础之上的，这对我后续的学习具有极其重要的指导意义。

评分☆☆☆☆☆

这本《画技法——西方经典美术技法译丛-W》真的是一扇通往艺术殿堂的窗户。作为一个业余爱好者，我一直梦想着能掌握那些大师们挥洒自如的笔触，创造出触动人心的画面。拿到这本书的那一刻，我仿佛闻到了油画颜料和古老画室的气息。书中的讲解丝毫不枯燥，而是充满着一种引导和启迪的力量，让我看到了绘画的无限可能。我尤其喜欢它对色彩运用的那一章节，不仅仅是色谱的罗列，更是深入剖析了色彩的情感表达和视觉效果，甚至还举例分析了不同时期、不同画派在色彩运用上的独特之处。这让我不再仅仅是“调色”，而是开始“理解”色彩，赋予画面更深层次的意义。而对于光影的处理，书中也提供了非常系统的方法，从基础的光线走向到复杂环境下的光影变化，都有细致的讲解和示范。这对于我这个曾经在画阴影时总是“一团黑”的人来说，简直是福音！每当我按照书中的方法去实践，看着画面逐渐有了立体感和呼吸感，那种成就感是无法言喻的。这本书让我明白，真正的技法并非冰冷的技巧堆砌，而是融汇了对自然、对情感的深刻洞察。它没有直接告诉你“怎么画”，而是引导你去“怎么看”，怎么去感受，怎么去表达。这种由内而外的启发，让我对绘画的热情更加高涨，也对未来的学习充满了期待。