长笛指法训练教程（附CD一张） 长笛入门教材 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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芭芭拉·吉丝勒－哈泽 著

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• 上海音乐出版社
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• 乐谱

店铺： 华拓图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807513865

商品编码：29642915547

开本：8

页数：48

基本信息

书名:长笛指法训练教程 附CD一张

定价：30.00元

作者:(奥)芭芭拉·吉丝勒－哈泽 著，陆怡 译

出版社：上海音乐出版社

ISBN：9787807513865

页码：48

版次：1

装帧：平装

开本：8开

内容简介

欢迎你们使用这本书。在这一分册中，你们将看到有关的指法练习、音阶、琶音等很多内容。
在这本书里，作者会与大家分享所有解决演奏难点的方法。你们也将会在提高演奏技巧的同时，培养出营造各种乐曲氛围的感觉，并且寻找到其中的乐趣。
本书所附的CD会帮助你在演奏时掌握完全精确的节奏，并且听上去栩栩如生。让这些打击乐器成为你的练习指导，再加上你的决心和努力练习，你将会在指法技巧上取得巨大的进步。
《长笛训练教程》系列是作为UE的长笛丛书“魔力长笛”的延续，其宗旨在于让学生们在已经掌握的演奏技巧上得到进一步的拓展和延伸。
学生们会跟随CD中录制的伴奏练习。在这个分册中，作者一方面考虑到孩子们的肺活量（呼吸能力），同时也在另一方面为程度较深的学生们提出更快的更高要求。
但愿你们在学习《长笛训练教程》时充满乐趣！
目 录
前言
强化练习
1 二度音程
2 三度音程
3 四度音程
4 五度音阶
5 八度音阶
6 小调音阶
7 演奏三度音程
人体运动练习
8 演奏四度音程
9 分解三和弦
10 七和弦
用心曲练习
11 半音阶
手指体操
12 用你的眼睛、耳朵去练习
13 全音音阶与五声音阶
14 颤音

《西方音乐史概论：从古希腊到二十一世纪》 作者： [此处留空，作者名通常在正式出版物中填写] 出版社： 经典乐典出版社 字数： 约 150,000 字 装帧： 精装，附高清图版与乐谱示例光盘（DVD-ROM） --- 内容提要：一部宏大而精微的西方音乐文明史诗 《西方音乐史概论：从古希腊到二十一世纪》并非一部枯燥的年代罗列，而是一部以思想、社会、技术变迁为脉络，串联起西方音乐数千年发展轨迹的深度研究。本书旨在为音乐爱好者、专业学生以及对西方文化史感兴趣的读者提供一个既全面又富有洞察力的导览，揭示音乐在人类文明进程中扮演的关键角色。 全书共分六大部分，层层递进，构建了一个完整的历史框架。 第一部分：绪论与前奏——音乐的起源与古典文明的基石 (约 5000 年前 - 公元 500 年) 本部分首先界定了“西方音乐史”的研究范畴、基本概念（如调式、记谱法的萌芽）及研究方法论。重点深入探讨了古希腊音乐理论的哲学基础——毕达哥拉斯音程学说、柏拉图对音乐伦理的思考，以及古罗马时期音乐的实用化倾向。我们不只是提及“赫尔墨斯之歌”，更着重分析了这些理论如何塑造了后世西方对和谐、数学与美学的认知，为中世纪的圣咏奠定了抽象的理论框架。 第二部分：中世纪的吟唱与神圣的结构 (公元 500 年 - 1400 年) 中世纪是西方音乐从口头传统转向规范化、被教会完全主导的时代。本章详述了格里高利圣咏的形成、发展与地域差异，分析了单音音乐的结构特征。关键在于对记谱法——从纽姆符号到五线谱的演变——进行细致的图解说明，展示了音乐从记忆辅助工具转变为独立艺术形式的过程。此外，还探讨了世俗音乐（如游吟诗人的歌曲）与宗教音乐的张力与互动，以及早期复调音乐（如奥尔加农、经文歌）的诞生，特别是巴黎圣母院乐派（莱奥宁、佩罗坦）如何实现了音乐史上第一次“立体化”的突破。 第三部分：文艺复兴的回归与人文主义的声响 (1400 年 - 1600 年) 文艺复兴标志着人性的觉醒和对古典美的重新发现。本部分聚焦于“文本优先”的作曲原则，分析了奥兰多·德·拉絮斯、若斯坎·德普雷等大师如何通过精妙的对位法，使得音乐服务于歌词的意义表达。我们详尽比较了弗朗哥-佛兰德学派与意大利牧歌学派的风格差异。本章的重头戏是“乐器学”的革新——从古老的维奥尔提琴家族到早期键盘乐器的成熟，以及印刷术对乐谱传播的颠覆性影响。 第四部分：巴洛克：激情、炫技与体系的确立 (1600 年 - 1750 年) 巴洛克时期是西方音乐体系最终定型的时代。本书将重点剖析“歌剧”这一全新体裁的诞生，分析了蒙泰威尔第的创新。深入探讨了数字低音（Basso Continuo）这一核心驱动力，以及如何运用强烈的对比（明暗对比、速度对比）来表达情感（Affektenlehre，情感理论）。手稿分析部分侧重于托卡塔、赋格、协奏曲等体裁的规范化，并以巴赫的《平均律钢琴曲集》和亨德尔的清唱剧为案例，阐释了调性体系的最终确立及其所带来的结构上的无限可能性。 第五部分：古典与浪漫的对立与统一 (1750 年 - 1900 年) 这部分内容最为扎实，是传统音乐教育的基石。 古典主义时期： 我们分析了维也纳古典乐派如何从巴洛克繁复的织体中解放出来，追求旋律的清晰性、结构的平衡性与情感的克制。《奏鸣曲式》被拆解为每一个段落的内在逻辑，并以海顿的“四乐章结构”为蓝图，展示了交响乐和弦乐四重奏如何成为时代精神的载体。 浪漫主义时期： 音乐转向个人情感的极端表达和对民族主义、超自然主题的探索。本章着重分析了标题音乐（如李斯特的交响诗）的兴起，以及和声语言的拓展——从舒伯特内敛的抒情到瓦格纳对“无限旋律”和半音阶的极致运用。同时，本书也关注了“民族乐派”（如德沃夏克、斯美塔那）如何将民间素材融入宏大的交响结构中，扩大了音乐的地域版图。 第六部分：二十世纪的革命与后现代的多元探索 (1900 年至今) 进入现代，音乐语言的爆炸性发展令人目不暇接。本部分不仅覆盖了德彪西的印象主义、斯特拉文斯基对原始节奏的回归，还详尽解析了勋伯格的十二音体系（Dodecaphony）的逻辑构建，以及其后序列主义（Serialism）的发展脉络。 为了避免内容过于偏向欧洲中心论，本书特别辟出章节探讨了爵士乐、布鲁斯等非裔美国音乐传统如何反哺古典作曲家的创作，以及电子音乐、具体音乐的出现如何彻底挑战了“音乐”的定义。结尾部分展望了后现代音乐（如极简主义、偶然音乐）在当代社会中的地位，以及数字技术对音乐创作和传播的深远影响。 --- 本书特色与学术贡献 1. 跨学科的视野： 本书将音乐史置于更广阔的社会、政治、宗教和美学背景下考察。例如，在讨论巴洛克时，会引用同时期的哲学（笛卡尔主义）和绘画（卡拉瓦乔的光影艺术），从而揭示不同艺术门类间共通的时代精神。 2. 详尽的乐谱分析： 随附的DVD-ROM中包含数百个精选乐段的高清乐谱扫描件与音频示例。这些示例不仅限于“名家名作”，还包括了许多被主流教材忽略的、具有里程碑意义的早期手稿片段，帮助读者建立“亲耳聆听”与“亲眼阅读”相结合的认知。 3. 清晰的术语辨析： 针对西方音乐史中大量专业术语（如“赋格”、“奏鸣曲”、“对位法”等），本书在首次出现时即提供精确的释义和结构图解，确保初学者也能准确理解其技术含义。 4. 对“遗失的声音”的重建： 鉴于许多早期音乐（如中世纪早期的多声部音乐）缺乏可靠的现代演奏版本，本书的作者团队与古乐研究专家合作，基于历史文献，提供了几种主要的“可能还原”方案，供研究者参考探讨。 《西方音乐史概论》力求成为一部既能指导课堂学习，又能启发个人探索的权威参考书，带领读者穿越时空，亲身体验西方音乐文明的波澜壮阔与精妙绝伦。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本教材后，我最直观的感受是它对“入门”二字的重视程度非常到位。我以前买过一些进阶的教材，上来就一堆复杂的音阶和琶音练习，让人望而却步。但这本书似乎非常理解一个完全零基础学习者的心理状态和生理限制。从拿笛子的基本姿势、口型的微调，到第一个音符的发出，每一步都讲解得极其细致，几乎是手把手地带着你走。我尤其欣赏它在讲解呼吸支持和气流控制的部分，它没有陷入过于深奥的理论，而是用一些非常形象的比喻来解释如何做到“稳固的气柱”。对于初学者来说，能吹出稳定、有穿透力的声音，比炫技重要一万倍。而且，我发现它在安排练习曲目时，节奏型和音程跨度都控制得非常保守和合理，确保学习者在掌握新指法的同时，不会因为节奏太快而顾此失彼。这种“慢工出细活”的编排思路，在我看来，才是真正对学生负责任的态度，它打下的地基越牢固，未来攀登更高峰时才越稳健。

评分☆☆☆☆☆

我个人感觉，这本《长笛指法训练教程》的设计理念似乎是想打造成一套“终身伴侣式”的入门工具，而不是那种学完一册就束之高阁的速成指南。它的深度和广度，从我有限的了解来看，似乎预留了足够的向上发展的空间。通常，入门教材往往止步于C大调和G大调，或者是一些简单的音阶练习。我期待的是，这本书能在我初步掌握了基础换指的平稳过渡之后，能够自然地引入一些稍微复杂一点的装饰音指法，比如基本的颤音和倚音的指位配合，并给出初步的练习范例。如果它能巧妙地将这些“进阶技能”融入到基础指法训练的体系中，而不是作为独立的、突兀的章节出现，那就非常棒了。这表明编者在设计课程结构时，具有宏观的视野，确保了学习路径的连贯性和内在逻辑的严密性，让学习者在不知不觉中，已经为下一阶段的深入学习做好了铺垫，真正体现了“循序渐进”的教育精髓。

评分☆☆☆☆☆

从出版社来看，“上海音乐出版社”这几个字本身就带有一种公信力，这在国内音乐教育领域是毋庸置疑的。这让我相信，这套教材的内容是经过专业音乐教育专家严格审校的，不会出现指法或者乐理上的硬伤，这对于初学者避免走弯路至关重要。我更倾向于选择这种有深厚出版背景的教材，而不是那些网络上零散的、未经证实的指法图集。专业出版社的优势在于，他们往往能整合最前沿的教学理念，并根据国内学生的学习习惯进行优化。例如，在一些容易产生歧义的指法标注上，他们会使用更符合国内教学体系的符号系统。此外，教材的装帧质量、纸张的厚度和耐用度也是我考量的因素。毕竟，这是一本需要被频繁翻阅、甚至可能在练习时被汗水打湿的“工具书”，如果纸张太薄，用不了多久就会破损，影响后续学习体验。一个优质的出版品，代表着对学习者长期使用的尊重。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这类教材时，附带的音频资料是决定我是否会长期使用的关键因素之一。对于长笛这种对音准和节奏要求极高的乐器，光看谱面上的“1=C”或者“♩=120”是远远不够的，你必须有一个“标准答案”作为参照。我非常看重这个CD（或配套音频）的质量。我希望它不仅仅是把教材里的练习曲目录制一遍这么简单。理想情况下，它应该包含慢速示范、标准速示范，甚至可能包含伴奏音轨，方便学习者在练习时进行合奏模仿。更重要的是，示范演奏者的音色如何？是否清亮而不刺耳？颤音的处理是否自然流畅？如果示范者的演奏本身就充满了音乐性，那么它对学习者的启发作用就远超技术指导本身。一个好的录音，能让学习者在脑海中建立起对“正确声音”的听觉模型，这对于培养内在听觉和自我修正能力至关重要。如果这个音频资源能做到精良的录制和多层次的展示，无疑会大大提升这套教程的实用价值。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计就给我一种非常专业且严谨的感觉，那种淡雅的蓝色调，加上清晰的字体排版，立刻让人联想到严谨的音乐学院派教学风格。我一直觉得学习长笛这种乐器，基础的指法训练至关重要，它决定了你后续能不能吹出干净、准确的音准和流畅的乐句。很多初学者，包括我自己在内，常常在一些复杂的指位转换上感到力不从心，要么卡顿，要么音高跑偏。所以我对这种专门针对“指法训练”的教材抱有很高的期待。我希望它不仅仅是简单地罗列指位图，而是能提供一套科学的、循序渐进的练习方法。比如，它是否对指位的按压力度、手指的抬起速度都有明确的指导？对于那些容易混淆的低音区和高音区的指法变化，它有没有提供特别的“陷阱”提醒或者对比练习？如果能深入到触键的物理细节，并且通过系统的练习模块来巩固肌肉记忆，那这本书的价值就非常高了。我特别关注它是否能帮助我克服颤抖的手指和僵硬的腕部，毕竟长笛演奏中的精细动作，很大程度上依赖于手指的灵活性和放松度。一本好的教材，应该能让我感受到每一次练习都在向“精准控制”迈进。