嗓音遗训(世界声乐史上历代大师教学经验荟萃) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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李维渤... 编

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店铺： 火把图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787806676844

商品编码：29704453491

开本：32

出版时间：2005-04-01

基本信息

• 商品名称：嗓音遗训(世界声乐**历代大师教学经验荟萃)
• 作者：(美)弗·兰皮尔蒂|译者:李维渤
• 定价：38
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787806676844

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2005-04-01
• 印刷时间：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：13
• 开本：32开
• 包装：平装
• 页数：304
• 字数：198千字

内容提要

弗·兰皮尔蒂等著的《嗓音遗训（世界声乐** 历代大师教学经验荟萃）》堪称是世界声乐**的一 部“*品”、“奇书”。作者通观了世界声乐发展史 ，将“声乐**各发展阶段”的各“重要环节”上出 现的大师们的重要教学经验和嗓音训练的观点“熔于 一炉”，*终形成了目前这部书稿。正如译者李维渤 先生认定的：此书介绍的历代大师的“实践经验和传 统观点”，是每个声乐爱好者必须“借鉴的宝贵财富 ”。
    

目录

前言
歌唱艺术的衰落与复兴
弗·兰皮尔蒂简介
引言：关于歌唱艺术的衰落
论题-忠告
论题一：嗓音
论题二：嗓音的不同声区
论题三：身体、嘴和发声器官的位置
论题四：关于呼吸
论题五：关于嗓音的音质
论题六：关于嗓音的发出
论题七：嗓音的支持
论题八：关于练声和灵活性
论题九：关于表情滑音和连线
论题十：学习的一般法则
论题十一：关于发音
论题十二：嗓音支持法则的应用
论题十三：关于音符的起音
歌唱艺术与歌唱本质之间的关系
歌唱艺术的法则
威廉·莎士比亚简介
引言
气息处理
呼吸练习重述
嗓音器官
安置嗓音
舌头
在气息上的嗓音
下腭
软腭
嘴唇和面孔
眼睛
起音与连音
乐音
错误的发声
嗓音的声区
胸声区
中声区
头声区
嗓音力量与气息压力强度
不同声部的声区表以及它们不同的能量等级
表情
元音发音初论
结束语
文雅的歌唱艺术
引言
第一章
第二章
嗓音遗训
献辞

《弦音秘境：西方管弦乐发展史纲》 内容简介 本书旨在为读者呈现一部详尽而深入的西方管弦乐发展史，追溯其自巴洛克早期萌芽至二十世纪末繁盛的完整脉络。我们着重探讨了管弦乐队在不同历史时期的构成演变、乐器音色的创新与融合，以及作曲家如何利用这些不断革新的工具，构建出气势恢宏、情感细腻的音乐图景。全书结构清晰，分为七个主要部分，辅以丰富的乐谱选段分析和重要历史事件的梳理，力求为音乐学爱好者、演奏者及专业研究人员提供一份兼具学术深度与阅读趣味的参考指南。 第一部：巴洛克的回响——乐队的早期形态与基础奠定（约 1600-1750 年） 本章首先聚焦于管弦乐的“前身”——歌剧乐队的诞生与发展。在蒙特威尔第和普赛尔的时代，乐队尚未形成我们今日所熟知的标准化结构，而是以弦乐组（主要由大小提琴、中提琴和低音提琴构成，并以大提琴和羽管键琴/琉特琴演奏持续低音）为核心骨架。我们详细考察了这一时期“通奏低音”（Basso Continuo）的实践意义，它不仅是和声的基础，也是乐队内部弹性与即兴创作活力的源泉。 随后，我们将目光投向了维瓦尔第的“里托尔内洛”结构和巴赫的协奏曲。维瓦尔第对小提琴技巧的开拓性运用，直接促成了弦乐组内部分工的细化。巴赫的《勃兰登堡协奏曲》则展示了早期乐队中不同器乐声部之间复杂的对话与均衡艺术，特别是木管乐器（如双簧管、大管）开始逐渐获得独立的旋律地位，尽管它们在音量和织体上仍从属于弦乐。本部分亦讨论了早期管乐器制造技术的局限性，以及它们在音色融合上所扮演的补充角色。 第二部：古典主义的清晰与平衡——乐队的标准化初探（约 1750-1820 年） 海顿和莫扎特是定义古典主义管弦乐的建筑师。在这一阶段，乐队的结构开始趋于稳定。羽管键琴彻底退居幕后，由更具表现力的钢琴或完全省略持续低音，这标志着和声基础的透明化。 本章重点分析了“曼海姆乐派”对乐队音响的革命性影响。他们对渐强（Crescendo）和渐弱（Diminuendo）的系统化运用，以及对齐奏（Tutti）和对比性音色的强调，直接为后来的交响曲奠定了基础。莫扎特的作品，如他的晚期交响曲，清晰地展示了弦乐组内部声部的独立性增强——第一小提琴承担主要旋律，第二小提琴提供和声填充，中提琴则更积极地参与对位。木管乐器，特别是长笛、双簧管和巴松，开始成对出现，形成稳定的音色组，并在乐章中拥有固定的陈述段落，不再仅仅是弦乐的陪衬。法国号的引入，则为乐队增添了温暖的中声部色彩。 第三部：贝多芬的拓荒——激情、力量与乐队的扩展（约 1800-1830 年） 贝多芬是打破古典主义框架的巨人。他的作品，尤其是他后期的交响曲，要求乐队的规模和表现力远超以往。本章详细探讨了贝多芬如何将乐队从一个“室内乐团”的概念提升到“公共艺术”的载体。 我们关注了他对铜管乐器的首次重要拓展，特别是小号和圆号的使用，不再仅限于标记强弱或固定和声，而是被赋予了英雄性的主题和戏剧性的色彩。第三号《英雄》交响曲和第九号交响曲中对合唱的引入，更是彻底颠覆了传统交响乐队的界限。此外，他利用更复杂的对位织体和更具对比性的力度配置，使乐队的每一个声部都承担了叙事性的责任。 第四部：浪漫主义的洪流——音色炼金术与乐器法改革（约 1830-1890 年） 随着浪漫主义思潮的兴起，作曲家们对“音色”（Timbre）的迷恋达到了顶峰。本章聚焦于这一时期乐器制造技术的飞跃如何反哺了音乐创作。 我们详细介绍了皮斯顿阀门和改进的军鼓系统在铜管乐器上的应用，这使得圆号、小号能够更精准、更流畅地演奏复杂的半音阶旋律，极大地扩展了它们的表现力。管乐组的编制也变得空前庞大，单簧管家族（引入了低音单簧管）、低音大管的运用更加自由。这一时期，柏辽兹和瓦格纳的“配器法”理论成为核心议题。柏辽兹通过其对音色组合的细致分析，将管弦乐队视为一个巨大的、可以调配的“色彩画板”。瓦格纳则进一步发展了“增补乐器”的概念，如低音单簧管、低音大号、以及他为自己歌剧特别设计的“瓦格纳低音大号”，旨在创造出前所未有的“整体艺术”（Gesamtkunstwerk）的听觉基础。 第五部：德彪西与印象主义——光影的捕捉与弦乐的柔化（约 1890-1920 年） 进入十九世纪末，以德彪西和拉威尔为代表的印象派作曲家，试图摆脱德奥传统中沉重的叙事性，转而追求瞬息万变的听觉印象。 本章分析了他们对传统配器法的反动与超越。德彪西极度依赖弦乐组的弱奏、泛音（Harmonics）以及拨奏（Pizzicato）技巧，来模拟水波、雾气或微风的质感。他偏爱使用木管乐器，特别是短笛和低音单簧管的独奏，来营造一种室内乐般精巧、却又带有神秘色彩的音响。拉威尔则被誉为“管弦乐配器法的大师”，他对各种乐器的性能了如指掌，能够通过精确的音区选择和独特的乐器组合（如用长笛和双簧管交替演奏同一旋律），创造出透明、闪烁、且结构清晰的音响画面。 第六部：现代主义的探索——结构重塑与不协和音的运用（约 1910-1960 年） 二十世纪的管弦乐创作进入了多元化时代。勋伯格的十二音体系、斯特拉文斯基的新古典主义以及苏联的现实主义，都对乐队的运用提出了新的要求。 本章重点探讨了斯特拉文斯基在《春之祭》中对“原始力量”的表达。他通过增加打击乐器组的规模（特别是定音鼓和低音鼓），以及大量使用非传统的、具有冲击力的和弦组合，使管弦乐队成为表达野性能量的工具。同时，新古典主义时期，作曲家们回归到莫扎特和巴赫时期较小的乐队编制，但却运用了现代的和声语言，这要求乐器之间保持极高的清晰度和精准度。 此外，我们还考察了肖斯塔科维奇等作曲家在大型管弦乐队中，如何利用传统编制来表达复杂的政治和社会情绪，以及他们对铜管组（尤其是圆号和长号）的强劲和声支持的依赖。 第七部：后现代与实验——电子技术与管弦乐的边界拓展（约 1950 年至今） 本书的最后部分探讨了当代管弦乐的趋势。随着电子音乐和录音技术的发展，作曲家们开始探索传统乐器在非传统语境下的可能性。 我们分析了“频谱音乐”（Spectralism）对传统配器法的挑战，例如梅西安和格里赛的作品，这些作品要求演奏者探索乐器泛音列的全部潜能，通过精确的微音程和持续音的堆叠来创造宏大的声场。同时，我们也审视了如布列兹等作曲家对“扩大乐队”（Extended Orchestra）的实践，即要求演奏员使用非常规技巧（如气音、唇部技巧、弓毛的非标准接触点）来拓宽乐器的音域和音色范围，模糊了“乐器”与“噪音发生器”之间的界限。本书将这些实验视为管弦乐发展历史中，对“音色潜力”持续探索的必然结果。 结语 《弦音秘境》力求通过对历史演进的梳理，揭示管弦乐队并非一个静止的实体，而是一个不断与技术、审美思潮和伟大作曲家想象力相互作用的动态有机体。通过对每一个关键时期的深入剖析，我们希望读者能更深刻地理解，今日音乐厅中那数以百计的乐器组合，是如何一步步凝练成这门宏伟的音乐艺术。

评分☆☆☆☆☆

这本书的引言部分简直就是一剂强心针，它没有直接跳入繁琐的技巧讲解，而是通过一种宏大的叙事视角，为我们勾勒出了西方声乐艺术从萌芽到成熟的漫长轨迹。作者的笔触非常细腻，擅长在历史的转折点上捕捉那些决定时代音色的关键人物和事件。读着读着，我仿佛能听到巴洛克时期华丽的装饰音是如何一步步演变成浪漫主义时期澎湃情感的宣泄，那种跨越了数百年时光的“声音的传承感”被描绘得淋漓尽致。它不是简单的历史罗列，而是对“时代如何塑造声音的哲学”的深刻探讨。特别是对不同时期美声学派的核心理念差异性的剖析，比如对气息支持的理解，在不同大师那里是如何体现出地域性与个人哲学的融合，这比单纯的“怎么唱”要高明得多，它回答了“为什么他们那样唱”的终极疑问，让人对“美声”二字有了更深层次的敬畏。

评分☆☆☆☆☆

我对本书最欣赏的一点，是它打破了传统教材中那种“权威性”的叙事陷阱。作者采用了大量罕见的、经过严格考证的一手文献资料进行交叉比对和论证，这让整本书的论述充满了坚实可靠的证据链。比如在讨论某个十八世纪男高音的唱法时，书中引用了其学生留下的笔记片段，并辅以当时乐评家的尖锐评论，这种多角度的立体呈现，避免了后人以今人的标准去苛刻评判古人的现象。读者在阅读时，很少会有“这是作者个人臆测”的感觉，更多的是一种跟随考据者一同探索真相的求真欲被激发出来。这种学术上的严谨和对历史的尊重，使得这本书在专业领域内拥有了极高的参考价值，它更像是一份声音考古报告，而非简单的教学手册，真正做到了“见微知著，以小见大”。

评分☆☆☆☆☆

这本书在结构组织上的巧妙设计，简直令人拍案叫绝。它没有采取简单的时间线索平铺直叙，而是选择了“主题式螺旋上升”的编排方式。例如，它可能先从“呼吸的控制”这个基础点切入，然后穿插展示不同时代大师对此的理解；紧接着，它又会转入“共鸣腔体的开发”，再次回溯到前述大师的实践案例中进行对比深化。这种手法的好处在于，它能有效避免知识点的碎片化，让读者在不同的历史语境中反复锤炼核心概念，每一次重温，都会有新的感悟和更深层次的理解。这种富有音乐性的结构布局，使得即便是面对晦涩的理论，读者也能通过清晰的脉络梳理，轻松地将不同时期的经验融会贯通，真正实现知识的“内化”而非简单的“记忆”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计实在太精美了，拿在手里沉甸甸的，感觉就像捧着一份沉睡已久的历史珍宝。封面选用的那种深邃的墨绿色，配上烫金的字体，低调中透着一股庄严和厚重感，立刻就能让人感受到这本书非同一般的内容分量。我特别喜欢它内页的纸张选择，那种略带米黄色的哑光质感，不仅保护了视力，更衬托出文字的典雅。尤其值得称赞的是排版，每一个乐谱的引用、每一次人名的标注，都遵循着严谨的学术规范，字体大小和行距的把控恰到好处，即便是初次接触声乐研究的人，翻阅起来也不会感到丝毫的阅读疲劳。初次翻阅时，我简直沉浸在那份仪式感之中，它不仅仅是一本工具书，更像是一件可以陈列在书房里，随时引发我对音乐史沉思的艺术品。这种对细节的极致追求，让我对其中蕴含的知识体系充满了无限的期待和敬意，这本书光是外在的呈现，就已经完成了对“经典”二字的初步致敬。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格有一种奇特的张力，它在高度专业化的术语应用中，又巧妙地融入了对艺术魅力的赞颂。作者在描述某位歌唱家巅峰时期的演唱状态时，使用的词汇往往充满画面感和情感冲击力，仿佛能让读者直接“听见”那穿越时空的辉煌。例如，当描述高音区的处理时，文字的节奏感会不自觉地变得轻盈而富有弹性，而在探讨戏剧性表现时，文字的密度和力度又会骤然增强。这种“文字即音乐”的写作手法，使得阅读过程本身就成为了一种艺术享受，而非枯燥的学术研读。它成功地平衡了学术的严谨性与艺术的感染力，让那些埋藏在历史深处的歌唱智慧，以一种鲜活、可触摸的方式重现于世人面前，让人在学习技艺的同时，也被艺术的火焰所点燃。