嗓音遺訓(世界聲樂史上曆代大師教學經驗薈萃) pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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李維渤... 編

圖書標籤:

• 聲樂教學
• 聲樂技巧
• 大師經驗
• 聲樂曆史
• 演唱方法
• 發聲原理
• 音樂教育
• 聲樂藝術
• 聲樂傳承
• 音樂史

店鋪： 火把圖書專營店

齣版社： 上海音樂

ISBN：9787806676844

商品編碼：29704453491

開本：32

齣版時間：2005-04-01

基本信息

• 商品名稱：嗓音遺訓(世界聲樂**曆代大師教學經驗薈萃)
• 作者：(美)弗·蘭皮爾蒂|譯者:李維渤
• 定價：38
• 齣版社：上海音樂
• ISBN號：9787806676844

其他參考信息（以實物為準）

• 齣版時間：2005-04-01
• 印刷時間：2018-03-01
• 版次：1
• 印次：13
• 開本：32開
• 包裝：平裝
• 頁數：304
• 字數：198韆字

內容提要

弗·蘭皮爾蒂等著的《嗓音遺訓（世界聲樂** 曆代大師教學經驗薈萃）》堪稱是世界聲樂**的一 部“*品”、“奇書”。作者通觀瞭世界聲樂發展史 ，將“聲樂**各發展階段”的各“重要環節”上齣 現的大師們的重要教學經驗和嗓音訓練的觀點“熔於 一爐”，*終形成瞭目前這部書稿。正如譯者李維渤 先生認定的：此書介紹的曆代大師的“實踐經驗和傳 統觀點”，是每個聲樂愛好者必須“藉鑒的寶貴財富 ”。
    

目錄

前言
歌唱藝術的衰落與復興
弗·蘭皮爾蒂簡介
引言：關於歌唱藝術的衰落
論題-忠告
論題一：嗓音
論題二：嗓音的不同聲區
論題三：身體、嘴和發聲器官的位置
論題四：關於呼吸
論題五：關於嗓音的音質
論題六：關於嗓音的發齣
論題七：嗓音的支持
論題八：關於練聲和靈活性
論題九：關於錶情滑音和連綫
論題十：學習的一般法則
論題十一：關於發音
論題十二：嗓音支持法則的應用
論題十三：關於音符的起音
歌唱藝術與歌唱本質之間的關係
歌唱藝術的法則
威廉·莎士比亞簡介
引言
氣息處理
呼吸練習重述
嗓音器官
安置嗓音
舌頭
在氣息上的嗓音
下齶
軟齶
嘴唇和麵孔
眼睛
起音與連音
樂音
錯誤的發聲
嗓音的聲區
胸聲區
中聲區
頭聲區
嗓音力量與氣息壓力強度
不同聲部的聲區錶以及它們不同的能量等級
錶情
元音發音初論
結束語
文雅的歌唱藝術
引言
第一章
第二章
嗓音遺訓
獻辭

《弦音秘境：西方管弦樂發展史綱》 內容簡介 本書旨在為讀者呈現一部詳盡而深入的西方管弦樂發展史，追溯其自巴洛剋早期萌芽至二十世紀末繁盛的完整脈絡。我們著重探討瞭管弦樂隊在不同曆史時期的構成演變、樂器音色的創新與融閤，以及作麯傢如何利用這些不斷革新的工具，構建齣氣勢恢宏、情感細膩的音樂圖景。全書結構清晰，分為七個主要部分，輔以豐富的樂譜選段分析和重要曆史事件的梳理，力求為音樂學愛好者、演奏者及專業研究人員提供一份兼具學術深度與閱讀趣味的參考指南。 第一部：巴洛剋的迴響——樂隊的早期形態與基礎奠定（約 1600-1750 年） 本章首先聚焦於管弦樂的“前身”——歌劇樂隊的誕生與發展。在濛特威爾第和普賽爾的時代，樂隊尚未形成我們今日所熟知的標準化結構，而是以弦樂組（主要由大小提琴、中提琴和低音提琴構成，並以大提琴和羽管鍵琴/琉特琴演奏持續低音）為核心骨架。我們詳細考察瞭這一時期“通奏低音”（Basso Continuo）的實踐意義，它不僅是和聲的基礎，也是樂隊內部彈性與即興創作活力的源泉。 隨後，我們將目光投嚮瞭維瓦爾第的“裏托爾內洛”結構和巴赫的協奏麯。維瓦爾第對小提琴技巧的開拓性運用，直接促成瞭弦樂組內部分工的細化。巴赫的《勃蘭登堡協奏麯》則展示瞭早期樂隊中不同器樂聲部之間復雜的對話與均衡藝術，特彆是木管樂器（如雙簧管、大管）開始逐漸獲得獨立的鏇律地位，盡管它們在音量和織體上仍從屬於弦樂。本部分亦討論瞭早期管樂器製造技術的局限性，以及它們在音色融閤上所扮演的補充角色。 第二部：古典主義的清晰與平衡——樂隊的標準化初探（約 1750-1820 年） 海頓和莫紮特是定義古典主義管弦樂的建築師。在這一階段，樂隊的結構開始趨於穩定。羽管鍵琴徹底退居幕後，由更具錶現力的鋼琴或完全省略持續低音，這標誌著和聲基礎的透明化。 本章重點分析瞭“曼海姆樂派”對樂隊音響的革命性影響。他們對漸強（Crescendo）和漸弱（Diminuendo）的係統化運用，以及對齊奏（Tutti）和對比性音色的強調，直接為後來的交響麯奠定瞭基礎。莫紮特的作品，如他的晚期交響麯，清晰地展示瞭弦樂組內部聲部的獨立性增強——第一小提琴承擔主要鏇律，第二小提琴提供和聲填充，中提琴則更積極地參與對位。木管樂器，特彆是長笛、雙簧管和巴鬆，開始成對齣現，形成穩定的音色組，並在樂章中擁有固定的陳述段落，不再僅僅是弦樂的陪襯。法國號的引入，則為樂隊增添瞭溫暖的中聲部色彩。 第三部：貝多芬的拓荒——激情、力量與樂隊的擴展（約 1800-1830 年） 貝多芬是打破古典主義框架的巨人。他的作品，尤其是他後期的交響麯，要求樂隊的規模和錶現力遠超以往。本章詳細探討瞭貝多芬如何將樂隊從一個“室內樂團”的概念提升到“公共藝術”的載體。 我們關注瞭他對銅管樂器的首次重要拓展，特彆是小號和圓號的使用，不再僅限於標記強弱或固定和聲，而是被賦予瞭英雄性的主題和戲劇性的色彩。第三號《英雄》交響麯和第九號交響麯中對閤唱的引入，更是徹底顛覆瞭傳統交響樂隊的界限。此外，他利用更復雜的對位織體和更具對比性的力度配置，使樂隊的每一個聲部都承擔瞭敘事性的責任。 第四部：浪漫主義的洪流——音色煉金術與樂器法改革（約 1830-1890 年） 隨著浪漫主義思潮的興起，作麯傢們對“音色”（Timbre）的迷戀達到瞭頂峰。本章聚焦於這一時期樂器製造技術的飛躍如何反哺瞭音樂創作。 我們詳細介紹瞭皮斯頓閥門和改進的軍鼓係統在銅管樂器上的應用，這使得圓號、小號能夠更精準、更流暢地演奏復雜的半音階鏇律，極大地擴展瞭它們的錶現力。管樂組的編製也變得空前龐大，單簧管傢族（引入瞭低音單簧管）、低音大管的運用更加自由。這一時期，柏遼茲和瓦格納的“配器法”理論成為核心議題。柏遼茲通過其對音色組閤的細緻分析，將管弦樂隊視為一個巨大的、可以調配的“色彩畫闆”。瓦格納則進一步發展瞭“增補樂器”的概念，如低音單簧管、低音大號、以及他為自己歌劇特彆設計的“瓦格納低音大號”，旨在創造齣前所未有的“整體藝術”（Gesamtkunstwerk）的聽覺基礎。 第五部：德彪西與印象主義——光影的捕捉與弦樂的柔化（約 1890-1920 年） 進入十九世紀末，以德彪西和拉威爾為代錶的印象派作麯傢，試圖擺脫德奧傳統中沉重的敘事性，轉而追求瞬息萬變的聽覺印象。 本章分析瞭他們對傳統配器法的反動與超越。德彪西極度依賴弦樂組的弱奏、泛音（Harmonics）以及撥奏（Pizzicato）技巧，來模擬水波、霧氣或微風的質感。他偏愛使用木管樂器，特彆是短笛和低音單簧管的獨奏，來營造一種室內樂般精巧、卻又帶有神秘色彩的音響。拉威爾則被譽為“管弦樂配器法的大師”，他對各種樂器的性能瞭如指掌，能夠通過精確的音區選擇和獨特的樂器組閤（如用長笛和雙簧管交替演奏同一鏇律），創造齣透明、閃爍、且結構清晰的音響畫麵。 第六部：現代主義的探索——結構重塑與不協和音的運用（約 1910-1960 年） 二十世紀的管弦樂創作進入瞭多元化時代。勛伯格的十二音體係、斯特拉文斯基的新古典主義以及蘇聯的現實主義，都對樂隊的運用提齣瞭新的要求。 本章重點探討瞭斯特拉文斯基在《春之祭》中對“原始力量”的錶達。他通過增加打擊樂器組的規模（特彆是定音鼓和低音鼓），以及大量使用非傳統的、具有衝擊力的和弦組閤，使管弦樂隊成為錶達野性能量的工具。同時，新古典主義時期，作麯傢們迴歸到莫紮特和巴赫時期較小的樂隊編製，但卻運用瞭現代的和聲語言，這要求樂器之間保持極高的清晰度和精準度。 此外，我們還考察瞭肖斯塔科維奇等作麯傢在大型管弦樂隊中，如何利用傳統編製來錶達復雜的政治和社會情緒，以及他們對銅管組（尤其是圓號和長號）的強勁和聲支持的依賴。 第七部：後現代與實驗——電子技術與管弦樂的邊界拓展（約 1950 年至今） 本書的最後部分探討瞭當代管弦樂的趨勢。隨著電子音樂和錄音技術的發展，作麯傢們開始探索傳統樂器在非傳統語境下的可能性。 我們分析瞭“頻譜音樂”（Spectralism）對傳統配器法的挑戰，例如梅西安和格裏賽的作品，這些作品要求演奏者探索樂器泛音列的全部潛能，通過精確的微音程和持續音的堆疊來創造宏大的聲場。同時，我們也審視瞭如布列茲等作麯傢對“擴大樂隊”（Extended Orchestra）的實踐，即要求演奏員使用非常規技巧（如氣音、唇部技巧、弓毛的非標準接觸點）來拓寬樂器的音域和音色範圍，模糊瞭“樂器”與“噪音發生器”之間的界限。本書將這些實驗視為管弦樂發展曆史中，對“音色潛力”持續探索的必然結果。 結語 《弦音秘境》力求通過對曆史演進的梳理，揭示管弦樂隊並非一個靜止的實體，而是一個不斷與技術、審美思潮和偉大作麯傢想象力相互作用的動態有機體。通過對每一個關鍵時期的深入剖析，我們希望讀者能更深刻地理解，今日音樂廳中那數以百計的樂器組閤，是如何一步步凝練成這門宏偉的音樂藝術。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計實在太精美瞭，拿在手裏沉甸甸的，感覺就像捧著一份沉睡已久的曆史珍寶。封麵選用的那種深邃的墨綠色，配上燙金的字體，低調中透著一股莊嚴和厚重感，立刻就能讓人感受到這本書非同一般的內容分量。我特彆喜歡它內頁的紙張選擇，那種略帶米黃色的啞光質感，不僅保護瞭視力，更襯托齣文字的典雅。尤其值得稱贊的是排版，每一個樂譜的引用、每一次人名的標注，都遵循著嚴謹的學術規範，字體大小和行距的把控恰到好處，即便是初次接觸聲樂研究的人，翻閱起來也不會感到絲毫的閱讀疲勞。初次翻閱時，我簡直沉浸在那份儀式感之中，它不僅僅是一本工具書，更像是一件可以陳列在書房裏，隨時引發我對音樂史沉思的藝術品。這種對細節的極緻追求，讓我對其中蘊含的知識體係充滿瞭無限的期待和敬意，這本書光是外在的呈現，就已經完成瞭對“經典”二字的初步緻敬。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格有一種奇特的張力，它在高度專業化的術語應用中，又巧妙地融入瞭對藝術魅力的贊頌。作者在描述某位歌唱傢巔峰時期的演唱狀態時，使用的詞匯往往充滿畫麵感和情感衝擊力，仿佛能讓讀者直接“聽見”那穿越時空的輝煌。例如，當描述高音區的處理時，文字的節奏感會不自覺地變得輕盈而富有彈性，而在探討戲劇性錶現時，文字的密度和力度又會驟然增強。這種“文字即音樂”的寫作手法，使得閱讀過程本身就成為瞭一種藝術享受，而非枯燥的學術研讀。它成功地平衡瞭學術的嚴謹性與藝術的感染力，讓那些埋藏在曆史深處的歌唱智慧，以一種鮮活、可觸摸的方式重現於世人麵前，讓人在學習技藝的同時，也被藝術的火焰所點燃。

評分☆☆☆☆☆

這本書在結構組織上的巧妙設計，簡直令人拍案叫絕。它沒有采取簡單的時間綫索平鋪直敘，而是選擇瞭“主題式螺鏇上升”的編排方式。例如，它可能先從“呼吸的控製”這個基礎點切入，然後穿插展示不同時代大師對此的理解；緊接著，它又會轉入“共鳴腔體的開發”，再次迴溯到前述大師的實踐案例中進行對比深化。這種手法的好處在於，它能有效避免知識點的碎片化，讓讀者在不同的曆史語境中反復錘煉核心概念，每一次重溫，都會有新的感悟和更深層次的理解。這種富有音樂性的結構布局，使得即便是麵對晦澀的理論，讀者也能通過清晰的脈絡梳理，輕鬆地將不同時期的經驗融會貫通，真正實現知識的“內化”而非簡單的“記憶”。

評分☆☆☆☆☆

這本書的引言部分簡直就是一劑強心針，它沒有直接跳入繁瑣的技巧講解，而是通過一種宏大的敘事視角，為我們勾勒齣瞭西方聲樂藝術從萌芽到成熟的漫長軌跡。作者的筆觸非常細膩，擅長在曆史的轉摺點上捕捉那些決定時代音色的關鍵人物和事件。讀著讀著，我仿佛能聽到巴洛剋時期華麗的裝飾音是如何一步步演變成浪漫主義時期澎湃情感的宣泄，那種跨越瞭數百年時光的“聲音的傳承感”被描繪得淋灕盡緻。它不是簡單的曆史羅列，而是對“時代如何塑造聲音的哲學”的深刻探討。特彆是對不同時期美聲學派的核心理念差異性的剖析，比如對氣息支持的理解，在不同大師那裏是如何體現齣地域性與個人哲學的融閤，這比單純的“怎麼唱”要高明得多，它迴答瞭“為什麼他們那樣唱”的終極疑問，讓人對“美聲”二字有瞭更深層次的敬畏。

評分☆☆☆☆☆

我對本書最欣賞的一點，是它打破瞭傳統教材中那種“權威性”的敘事陷阱。作者采用瞭大量罕見的、經過嚴格考證的一手文獻資料進行交叉比對和論證，這讓整本書的論述充滿瞭堅實可靠的證據鏈。比如在討論某個十八世紀男高音的唱法時，書中引用瞭其學生留下的筆記片段，並輔以當時樂評傢的尖銳評論，這種多角度的立體呈現，避免瞭後人以今人的標準去苛刻評判古人的現象。讀者在閱讀時，很少會有“這是作者個人臆測”的感覺，更多的是一種跟隨考據者一同探索真相的求真欲被激發齣來。這種學術上的嚴謹和對曆史的尊重，使得這本書在專業領域內擁有瞭極高的參考價值，它更像是一份聲音考古報告，而非簡單的教學手冊，真正做到瞭“見微知著，以小見大”。