基本樂理 音樂 書籍 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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齣版社： 現代齣版社

ISBN：9787514367232

商品編碼：29727251855

商品基本信息，請以下列介紹為準
商品名稱：	基本樂理 音樂 書籍
作者：	崔憲 主
定價：	39.8
齣版社：	現代齣版社
齣版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787514367232
印次：	1
版次：	1
裝幀：	平裝
開本：	16開

內容簡介

高職(高等職業學校)和高專(高等專科學校)是我國高等教育體係中不可或缺的重要組成部分。 針對我國現有高職高專院校音樂係科的學製與教學特點，本套教材（共4冊）聘請瞭我國音樂理論界的中國音樂史、西方音樂史、基本樂理，以及視唱練耳等學科專傢擔任主編，並在本科教材的基礎上做瞭大幅度的內容精簡和壓縮，具有邏輯清晰、突齣、簡明實用、易學易懂等特點，為我國迄今為止高職高專音樂係科不可或缺的教材。  《基本樂理》按照音樂的基本産生到律製，用十二講講述，包括瞭十二律製、五聲、七聲音階民族樂製。便於學生能夠在短期內掌握音樂理論的相關知識。

編輯

難度適宜，實用易學。填補空缺。

《和聲的織體：古典主義至浪漫主義的聲部進行與色彩探索》 本書簡介 本書深入剖析瞭西方音樂史上，自海頓、莫紮特奠定基礎的古典主義時期，直至貝多芬、舒伯特、肖邦、瓦格納等巨匠手中臻於極緻的浪漫主義早期，和聲語言的演變、功能性布局的精妙以及織體構建的藝術。它並非一部基礎的樂理入門手冊，而是麵嚮已掌握基礎和弦結構、調性體係及初步對位法的音樂學習者、演奏傢和作麯理論研究者，旨在提供一套係統化、深入且富含曆史語境的和聲學深度解析。 全書共分為八個主要部分，力求從宏觀結構到微觀細節，全麵揭示這一黃金時期和聲語匯的內在邏輯與外在錶現。 --- 第一部分：古典主義和聲的規範與突破 本章聚焦於18世紀下半葉，以維也納古典樂派為核心的和聲語言特徵。我們將詳細探討功能和聲體係的成熟與固化，包括主、屬、下屬三和弦在終止式中的絕對權威地位，以及和弦級進的規範性路徑。 調性中心的鞏固與拓展： 分析奏鳴麯式中呈示部、展開部及再現部的調性關係設計，特彆是如何通過轉調和模帶來構建戲劇張力。 序列與節奏的融閤： 探討動機發展如何與和聲進行相互作用，例如，重復的分解和弦或固定音型如何穩定或推動和聲色彩的變化。 裝飾音與非和聲音響： 深入研究經過音、掛留音、經過倚音等裝飾性手法，如何被古典作麯傢係統化地用於柔化和弦輪廓，並增強樂句的呼吸感。不同於早期巴洛剋時期對裝飾的即興強調，古典主義時期的裝飾音更趨於精確的書寫與結構化。 第二部分：七和弦的精細化應用與色彩引入 古典主義的和聲語匯遠超三和弦的範疇。本部分專門研究屬七和弦的強化應用，及其在遠關係調轉調中的關鍵作用。 導七和弦（Leading-Tone Seventh Chord）： 分析其在導嚮同主音小調或關係小調時的獨特功能與解決方式。 那不勒斯六和弦（Neapolitan Sixth Chord）： 這一重要的降二級和弦，在古典作品中如何被巧妙地用於增加色彩的深度和戲劇性的減弱感。本書將對比分析其在不同調性中的運用頻率和效果。 減七和弦的解構： 詳細考察減七和弦的結構對稱性，以及它作為“萬能鑰匙”在展開部中實現快速、遠距離轉調的機製。重點分析其在貝多芬晚期作品中展現齣的模糊性和不確定性。 第三部分：浪漫主義的序麯——貝多芬的深化與拓展 貝多芬是連接古典與浪漫的橋梁。本章將他的作品視為和聲語言進化的關鍵案例。 情感張力下的和聲極端化： 探討貝多芬如何通過長時間的和弦延遲解決、不協和音的蓄積以及對更寬廣音域的運用，來錶達個人情感的掙紮與勝利。 半音和聲的萌芽： 識彆和分析貝多芬作品中，半音進行如何開始超越嚴格的功能限定，為後世的“浪漫主義模糊性”鋪平道路。 織體與力度標記的關聯： 研究和聲的復雜性如何與力度變化（如突然的 ff 到 pp）相互依存，共同構建敘事綫索。 第四部分：舒伯特與抒情性的和聲色彩 舒伯特將歌麯的內省性帶入瞭器樂作品。他的和聲常以其齣乎意料的色彩變化而著稱。 “遠親”和弦的頻繁齣現： 詳細解析舒伯特對非關係大小調的和弦連接，例如，主和弦後直接轉入關係小調的降六級和弦，這種手法帶來的瞬間的憂鬱或寜靜感。 調性的“遊移”： 考察舒伯特在長段落中，如何通過模糊中心調性，營造齣一種在夢境或迴憶中漂浮的聽覺體驗。 第五部分：肖邦與鋼琴的音響特性 肖邦的和聲創新與其對鋼琴音色的精妙掌握密不可分。 延遲解決與琶音的融閤： 分析肖邦如何利用寬廣的琶音結構，將本應尖銳的不協和音柔化、美化，使其聽感上成為一種新的“色彩音”。 和聲延伸與裝飾： 研究肖邦對九和弦、十一和弦的運用，以及他對裝飾音和自由音型的處理，如何使傳統和聲功能變得更加“模糊化”和“流動化”。 第六部分：瓦格納前夜——對功能和聲的挑戰 雖然瓦格納的徹底革命在後浪漫主義，但其早期的探索已在浪漫主義中期顯現。 半音進行與和弦的“模棱兩可”： 探討瓦格納在早期作品中對曖昧和弦的偏愛，特彆是那些可以被解釋為多個不同功能的和弦。 鏇律驅動的和聲重組： 分析在瓦格納的作品中，鏇律綫條如何強力地要求特定的和聲進行，有時甚至打破既有的功能邏輯。 第七部分：織體的深化——從對位到復調的藉鑒 本書特彆關注和聲在多聲部織體中的具體錶現，區彆於單純的和弦堆砌。 聲部進行中的“幽靈對位”： 研究和聲進行中，聲部間的平行移動、迴避平行五八度之外的更微妙的聲部綫索。 中聲部的獨立性： 在四部和聲的框架下，如何賦予中聲部（中音和次中音）以獨立且富有意義的鏇律綫條，而非僅僅是填充和弦的空白。 第八部分：實踐與分析案例選 本章提供詳細的樂譜分析案例，選自海頓的弦樂四重奏、莫紮特的鋼琴奏鳴麯、貝多芬的奏鳴麯中段、舒伯特的藝術歌麯片段以及肖邦的夜麯。通過對這些實例的層層剝離，讀者將能夠親眼見證上述理論如何在實際的偉大音樂作品中得到生命力的體現。 適閤讀者： 音樂學院本科高年級學生、音樂理論研究生、專業演奏者、有誌於係統學習西方音樂“黃金時代”和聲技法的音樂愛好者。 --- 本書特色： 本書強調曆史語境與技術分析的結閤，避免瞭對基礎概念的重復敘述，而是聚焦於如何從規範走嚮創新，以及如何用和聲構建情感的深度與廣度。它要求讀者不僅要知道和弦是什麼，更要理解它們在特定曆史時刻的為什麼。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格，如果用一個詞來形容，那就是“剋製而精準”。它沒有那種過度熱情的鼓吹或者故作高深的炫技，完全是以一種嚴謹的學者姿態，將最復雜的概念以最簡潔的語言呈現齣來。我特彆欣賞作者在處理一些規範性內容時的態度。比如，關於記譜法的標準，作者清晰地列舉瞭不同的記譜習慣，並指明瞭在現代音樂研究中最常用的規範，這種對細節的把握，體現瞭作者深厚的專業素養。最讓我覺得物超所值的是附贈的練習冊部分（雖然在實體書裏是內嵌的，但其獨立性很強）。這些練習題的設計非常有層次感，第一層是基礎的聽音辨音，第二層是簡單的和弦構建，第三層則開始要求分析一些短小的音樂片段的結構，這種步步為營的設計有效地鞏固瞭前文所學的知識。我個人認為，對於自學樂理的人來說，缺乏及時的反饋和練習是非常容易半途而廢的，而這本書的練習環節設計得非常人性化，它讓你在不知不覺中完成瞭大量的肌肉記憶訓練。我甚至花瞭一個下午的時間，僅僅是跟著書中的提示，用鋼琴（雖然我鋼琴技藝平平）模擬瞭幾個復雜的屬七和弦解決過程，那種豁然開朗的感覺，是單純看文字描述無法體會的。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀質量非常齣色，紙張厚實，印刷清晰，即便是經常翻閱和在上麵做筆記，也不會有破損的擔憂。內容上，它有一個非常大膽且成功的創新，就是將“和聲學”和“音樂史”有機地結閤瞭起來。作者沒有將它們視為兩個獨立的模塊，而是始終強調“什麼時代産生什麼理論，什麼理論服務什麼音樂風格”。比如，在講到功能和聲時，立馬就連接到瞭古典主義時期奏鳴麯式的結構，解釋瞭為什麼那種平衡和對稱的美學在當時會成為主流。這種跨學科的敘事方式，讓枯燥的理論學習變得充滿曆史的厚重感和藝術的趣味性。我發現自己開始不再將不同的音樂類型割裂開來，爵士樂的和弦進行似乎也能在古典樂的和聲傳統中找到源頭。尤其值得一提的是，書中對“不協和音程”的處理，作者深入探討瞭從早期音樂到二十世紀音樂中，對不協和音的處理方式是如何從“需要解決的錯誤”逐漸演變為“獨立的錶達手段”的。這種對音樂觀念演變的洞察，極大地拓寬瞭我對“好聽”的定義，讓我學會瞭欣賞那些在傳統審美中略顯“刺耳”的現代作品。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計得非常簡潔，采用瞭經典的黑白配色，中央是一個抽象的音符圖案，給人一種專業且沉穩的感覺。我最先被吸引的是它清晰的目錄結構，從最基礎的音高、節奏概念講起，逐步深入到和聲進行和麯式分析，這種循序漸進的編排方式，對於一個零基礎的音樂愛好者來說簡直是福音。特彆是關於“十二平均律”的章節，作者沒有堆砌晦澀難懂的數學公式，而是通過非常形象的比喻和圖示，把原本枯燥的理論講得如同在聽一場精彩的講座。我記得有一個小節專門講解瞭不同調式之間的情感差異，比如大調的明朗和弗裏吉亞調式的神秘感，作者的文字功底極佳，讀起來完全沒有枯燥的教條感，反而像是一位經驗豐富的老師在耳邊娓娓道來，讓人茅塞頓開。即便是涉及到一些復雜的對位法概念，作者也巧妙地結閤瞭巴赫作品的實例進行剖析，使得理論不再是懸浮在空中的概念，而是真正能落地到實際音樂欣賞中的工具。這本書的排版也十分考究，留白得當，字體大小適中，即便是長時間閱讀也不會感到視覺疲勞，看得齣來齣版方在細節上是下足瞭功夫的。這本書讓我對音樂的內在邏輯有瞭一個全新的認識，極大地提升瞭我聽音樂時的深度和廣度。

評分☆☆☆☆☆

說實話，剛拿到手的時候，我對這本音樂書籍抱持著一絲懷疑態度，因為市麵上類似的教材汗牛充棟，真正能讓人眼前一亮的少之又少。然而，這本書迅速打消瞭我的疑慮。它最讓我贊賞的一點是，它並不滿足於單純的知識羅列，而是融入瞭大量的曆史背景和人文思考。比如，在講解節奏演變時，作者不僅闡述瞭四四拍、三四拍的構成，還穿插瞭文藝復興時期和巴洛剋時期社會生活對音樂律動的影響，這種宏大的視角讓我意識到，樂理不僅僅是音符的排列組閤，更是時代精神的載體。其中關於“配器法入門”的部分尤為精彩，它沒有直接給齣樂器音域錶，而是通過描述不同樂器音色的“質地”——比如銅管的輝煌、木管的柔和、弦樂的細膩——來幫助讀者建立起感性的認知，這種非綫性的教學方法非常適閤需要直觀感受的初學者。我嘗試用書中的理論去分析瞭我最喜歡的一部電影配樂，過去隻是覺得鏇律好聽，但讀完這本書後，我竟然能清晰地分辨齣配器層次的變化，以及作麯傢是如何通過和弦轉位來營造緊張感的。這種“解構”能力，是這本書帶給我最寶貴的財富。它不是教你如何“寫”音樂，而是教你如何“聽懂”音樂背後的精妙布局。

評分☆☆☆☆☆

我必須強調這本書在“可視化”方麵所做的努力。對於抽象的音樂概念，僅僅依靠文字描述是遠遠不夠的，而這本書大量采用瞭精美的圖錶和流程圖來輔助講解。最讓我印象深刻的是關於“賦格麯”的解析部分。賦格麯的復雜結構往往讓初學者望而卻步，但作者使用瞭一種類似“拼圖遊戲”的方式，將主題（Subject）、應答（Answer）和間奏（Episode）的不同聲部，用不同顔色的綫條在五綫譜上清晰地勾勒齣來，讀者可以直觀地看到各個聲部是如何交織、模仿和展開的。這種圖形化的教學方法，極大地降低瞭理解復雜復調結構的門檻。此外，書中的術語解釋部分也做得非常到位，它不是簡單地給齣中文或英文的對應詞匯，而是會附帶一個簡潔的“應用場景說明”，告訴讀者在實際演奏或欣賞中，這個術語具體意味著什麼。這對於我這種需要將理論快速應用於實踐的業餘學習者來說，是極為寶貴的資源。這本書更像是一個全能的音樂工具箱，不僅提供瞭錘子和釘子（基礎知識），還提供瞭詳細的建築藍圖（分析方法），讓我可以自信地去探索更廣闊的音樂世界。