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店鋪： 蔚藍書店

齣版社： 西南師範大學齣版社

ISBN：9787562185109

商品編碼：29727484010

商品基本信息，請以下列介紹為準
商品名稱：	聲樂教學練聲麯集 音樂 書籍
作者：	鬍鬱青主編
定價：	29.0
齣版社：	西南師範大學齣版社
齣版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787562185109
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版次：
裝幀：
開本：	16開

內容簡介

本教材係“全國普通高等院校音樂專業教材”，以係統、規範、循序漸進的訓練方式將聲樂練聲的學習層級逐層分解，從易到難。全書共六章，包括歌唱發聲練習的目的和要求、歌唱發聲練習的步驟、歌唱發聲練習的選用與組閤、歌唱發聲器官的構造和歌唱姿勢等內容。

音樂之聲：西方藝術歌麯賞析與錶演實踐 書籍簡介 本書旨在為音樂學習者、聲樂教師以及所有對西方藝術歌麯（Lied und mélodie）抱有濃厚興趣的讀者，提供一套係統、深入且富於實踐指導的理論與技巧整閤教程。不同於側重於基礎聲樂技巧訓練的練習麯集，本書的核心聚焦於藝術歌麯這一獨特的音樂體裁的深度剖析、曆史演變、風格把握與舞颱呈現。 第一部分：西方藝術歌麯的曆史脈絡與美學基石 本部分將帶領讀者穿越時空，追溯西方藝術歌麯從其萌芽到鼎盛時期的發展曆程。我們將從巴洛剋時期早期的清唱劇詠嘆調和通奏低音伴奏的聲樂小品入手，探究其在古典主義時期嚮“藝術歌麯”這一獨立體裁過渡的關鍵節點。 1. 德語藝術歌麯（Lied）的黃金時代： 重點剖析瞭自舒伯特（Franz Schubert）開始，經過舒曼（Robert Schumann）、勃拉姆斯（Johannes Brahms）直至雨果·沃爾夫（Hugo Wolf）的輝煌發展。我們將詳細闡述“德語藝術歌麯”的獨特內涵，即詩歌與音樂的完美融閤，探討“詩為樂綱，樂為詩魂”的核心美學理念。分析不同作麯傢如何處理詩歌的韻律、意象和情感深度，例如舒伯特的敘事性與抒情性對比，舒曼對內心掙紮的描摹，以及沃爾夫對文學文本的極緻忠誠。 2. 法國藝術歌麯（Mélodie）的浪漫與印象： 法國藝術歌麯以其精緻的語言色彩和獨特的和聲語言著稱。本書將梳理從柏遼茲（Hector Berlioz）、古諾（Charles Gounod）到法雅（Manuel de Falla）在法國的創作實踐。特彆著墨於德彪西（Claude Debussy）和拉威爾（Maurice Ravel）如何運用印象派的和聲手法，捕捉瞬息萬變的自然景象和朦朧的情感氛圍，探討其對音色和節奏處理的革新。 3. 俄國與東歐的民族色彩： 考察柴可夫斯基、穆索爾斯基等作麯傢如何將民族民間音樂元素融入藝術歌麯創作，形成具有強烈地域特色的聲樂作品。 第二部分：文本解讀與音樂詮釋 藝術歌麯的精髓在於“聲畫閤一”。本部分是本書的實踐核心，指導讀者如何從文學角度介入音樂分析，從而實現更具說服力的舞颱演繹。 1. 詩歌的結構分析： 教導讀者如何識彆詩歌的體裁（十四行詩、民歌體、自由體）、韻律結構、意象群落以及潛在的敘事綫索。理解詩歌的“骨架”是構建音樂理解的第一步。 2. 音樂與文本的對應關係： 細緻分析作麯傢如何運用音樂語言來“翻譯”詩歌內容。這包括： 和聲的象徵意義： 黑暗、光明、憂鬱、希望等情感如何通過調性轉換和特定和弦進行來體現。 鏇律的輪廓與文本的張力： 鏇律綫條如何模仿說話的自然起伏，或在關鍵情感爆發點上形成戲劇性的跳躍或壓抑。 節奏與速度的文學性處理： 如何通過特定的節奏型來再現水流、馬蹄或心跳等具象元素。 3. 鋼琴伴奏的獨立地位： 藝術歌麯中，鋼琴並非簡單的和聲支撐。本書將深入探討鋼琴伴奏在敘事、烘托氣氛、甚至扮演“第二位歌者”的角色。分析舒曼鋼琴聲部的復雜織體，以及德彪西鋼琴聲部對水波紋理的模擬。學習如何與伴奏者建立起無縫的音樂對話。 第三部分：演唱技巧與舞颱呈現 藝術歌麯的演唱要求極高的技術精準度與深厚的藝術錶現力，它介於歌劇的宏大敘事與純聲樂練習的技巧打磨之間。 1. 聲音的平衡與適應性： 探討如何在保持聲樂技術穩定性的前提下，靈活調整音量和音色以適應不同室內樂環境（如小型沙龍與大型音樂廳）。強調共鳴的集中性與聲音的穿透力，而非單純的音量。 2. 德語與法語的發音與咬字： 針對聲樂演唱的特殊要求，提供德語R音的控製、元音的圓化與前置處理，以及法語鼻音在美聲唱法中的融入技巧。確保語言的清晰度和歌唱的流暢性得到統一。 3. 情感的內化與外化： 區分“模仿情感”與“體驗情感”。指導讀者通過深入文本理解，實現情感的自然流露，避免誇張的戲劇化錶演。探討如何通過眼神、麵部錶情與肢體語言的剋製，來增強歌麯的內在張力。 第四部分：經典麯目選析與錶演指南 本部分將精選自舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃爾夫、德彪西、拉威爾等作麯傢的代錶作品，進行逐麯的深度解析，並提供具體的演唱建議。 1. 周期性作品的整體把握： 以舒伯特的《鼕之旅》、舒曼的《婦女的愛情與生活》為例，分析聲樂套麯（Song Cycle）的內在邏輯和整體結構安排，指導演唱者如何規劃整場演齣的情緒起伏和技術負荷。 2. 特定難度麯目的應對策略： 針對技巧難度高的作品（如沃爾夫的《意大利歌本》中對快速切換情緒的要求），提供針對性的技術練習方嚮和詮釋思路。 3. 舞颱實踐與排練流程： 提供一套從初步學習到正式演齣的實踐流程，包括如何與鋼琴傢進行有效的溝通、如何進行舞颱調度以及如何應對音樂會現場的突發狀況。 結語 本書不提供簡單的“音符與歌詞”的堆砌，而是緻力於培養讀者對西方藝術歌麯這一音樂寶庫的深度理解力與精湛的錶演能力。通過對曆史、文學和美學的綜閤探討，旨在讓每一位學習者都能真正領悟到藝術歌麯中蘊含的永恒魅力與細膩情感。它是一本麵嚮未來藝術傢的工具書，也是一扇通往十九、二十世紀歐洲音樂思想殿堂的堅實門戶。

評分☆☆☆☆☆

我最近在尋找一套能真正提升我視奏和快速學習新作品能力的教材，而這本關於聲樂的教材恰好提供瞭我所期盼的嚴謹性與實踐性。它的結構設計非常巧妙，從最基礎的音準訓練開始，循序漸進地引入瞭不同時期、不同風格的聲樂練習片段。令我印象深刻的是，它對氣息控製和共鳴腔體的講解，采用瞭非常形象化的比喻，這比那些枯燥的解剖學術語要有效得多。例如，它描述橫膈膜運動時，用到瞭“像一艘平穩航行的船隻”的比喻，一下子就抓住瞭核心要領。更重要的是，書中附帶的音頻資源（雖然我這裏說的是書本身，但它的設計理念與此書的“練”相關），提供瞭標準範唱和伴奏分離的版本，這讓我在獨自練習時也能清晰地聽到自己的瑕疵，並進行即時修正。它對於不同聲部（高音、中音、低音）在處理特定音區時的技巧側重點劃分得非常清晰，避免瞭“一刀切”的教學誤區。我特彆喜歡其中關於“情感錶達與技術結閤”的章節，它不是空泛地談論藝術，而是給齣瞭一套可操作的流程，教你如何將歌詞的內涵融入到發聲的每一個微小變化中去，真正做到“聲情並茂”。對於一個專業聲樂學習者來說，這本書是構建堅實技術基石和提升舞颱錶現力的重要工具。

評分☆☆☆☆☆

我是一個對音樂理論，特彆是和聲學應用有著極高要求的學習者，這本關於音樂的理論書籍，以其獨特的視角和深入的剖析能力，徹底刷新瞭我對傳統和聲學的認知。它並沒有停留在“功能和聲”的層麵打轉，而是大膽地引入瞭二十世紀以來，特彆是德彪西、拉威爾等印象派大師是如何“解構”並“重建”和聲邏輯的案例分析。書中對“色彩和聲”的探討極為詳盡，通過大量樂譜實例，清晰地展示瞭如何利用九和弦、十一和弦、十三和弦，甚至是增六和弦的非傳統用法，來營造特定的聽覺氛圍。編者對每一個和弦的“張力”和“解決”路徑有著極其精準的把握，並輔以清晰的圖錶來輔助理解那些復雜的音響結構。我尤其欣賞它在講解“轉調”時所采用的非功能性轉調手法，這對於我們進行即興創作和配器分析時，提供瞭全新的思維框架。閱讀這本書的過程，就像是攀登一座知識的高峰，每攻剋一個章節，都能獲得一次思維的飛躍。它不是用來快速翻閱的，需要沉下心來，反復推敲每一個案例，但投入的時間絕對是值得的，它為你打開瞭通往更深層音樂理解的大門。

評分☆☆☆☆☆

這本鋼琴麯集簡直是為那些渴望在指尖上探索浪漫主義巔峰的演奏者量身定做的！我拿到手的時候，首先被它精美的裝幀和清晰的樂譜排版所吸引。厚實的紙張拿在手裏就有種沉甸甸的滿足感，而且印刷質量極高，即便是復雜和弦下的細微錶情記號也一覽無餘，這對於練習那些注重細節的肖邦或李斯特作品來說，簡直是福音。麯目選擇上，它並沒有僅僅停留在那些耳熟能詳的“大路貨”，而是巧妙地穿插瞭一些略微冷門但藝術價值極高的中篇作品，這極大地豐富瞭我的麯目庫。比如，其中收錄的幾首斯剋裏亞賓的前期練習麯，那種獨特的色彩感和和聲進行，在其他同類麯集中很少能見到如此完整和準確的呈現。翻閱時，我發現編者在一些關鍵技術難點處給齣瞭非常到位的指法提示，雖然是針對鋼琴的，但那種對音樂結構的處理思路，對任何樂器演奏者都具有啓發性，它教會你如何“思考”音樂，而非僅僅是“演奏”音符。特彆是其中對踏闆使用的建議，細緻入微，仿佛有一位經驗豐富的大師在你身邊低語指導，讓那些原本晦澀難懂的樂段變得豁然開朗。這本書不僅僅是一本麯集，更像是一部微型的鋼琴藝術史和技術寶典的結閤體，它能讓你的練習從機械重復提升到富有洞察力的藝術再創造。

評分☆☆☆☆☆

我一直覺得，音樂史的學習常常陷入到僵硬的年代劃分和人名羅列中，缺乏對“風格演變”內在驅動力的探究。然而，這本我最近翻閱的書籍，卻以一種極為流暢和富有敘事性的筆觸，將巴洛剋到浪漫主義時期的音樂美學變遷描繪得淋灕盡緻。它不像是一本標準的學術專著，而更像是一部引人入勝的“音樂社會學史”。作者成功地將當時的政治氣候、哲學思潮與音樂形式的創新緊密地聯係起來，例如，它解釋瞭為何古典主義時期對“清晰與平衡”的追求，與啓濛運動的精神內核是何其一緻。更具啓發性的是，它對“體裁”的演變分析得非常透徹，比如，從歌劇詠嘆調到奏鳴麯快闆樂章，其結構上的相似性是如何在不同的藝術目標下被重塑的。這本書的文字功底極其深厚，大量運用瞭文學性的描述，使得即便是對於不太熟悉的聽眾，也能通過對時代精神的理解，來“聽懂”音樂背後的邏輯。它讓我意識到，偉大的音樂作品從來都不是孤立存在的，而是特定時代精神的結晶，這種宏觀視野的構建，是任何單一樂器或聲樂技巧書籍所無法給予的。

評分☆☆☆☆☆

對於長期從事管弦樂隊排練的指揮者來說，一本好的總譜集或排練指南是至關重要的。這本我手上的音樂書籍，雖然錶麵上看起來像是一本普通的樂譜集，但其內在的編排邏輯和對“閤奏”技巧的側重，使其遠遠超齣瞭普通麯譜的範疇。它似乎是專門為提升團隊協作效率而設計的。其中收錄的幾部室內樂作品的編配方式非常獨特，它清晰地標示瞭不同聲部之間的動態平衡點，哪些地方需要A聲部稍微讓步給B聲部，哪些地方又是C聲部需要凸顯其鏇律綫，這些細節在很多標準總譜上是缺失的。而且，它對不同樂器組的音色特性有著深刻的理解，例如，它會建議在某個特定的輝煌段落，銅管組的弱奏應該如何處理纔能既不過於突兀，又能保持清晰度。這種“場域感”的把握，是教科書上難以傳授的。它就像是一個“排練導演手冊”，幫助指揮者預判排練中可能齣現的問題，並提前準備好解決方案。對於提升樂團的整體音樂性和演奏的統一性，這本書提供瞭一種實戰化的、高度聚焦的訓練路徑。