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店铺： 蓝调图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562192510

商品编码：29731116733

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	中国小号作品集:3:3 音乐 书籍
作者：	陈锐，刘淼编著
定价：	49.0
出版社：	西南师范大学出版社
出版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787562192510
印次：
版次：
装帧：
开本：	大16开

内容简介

本书共搜集10作品，如《陕北民歌》《山丹丹花开红艳艳》《人夸山西好风光》等，每一作品都是作者精心挑选，拜访曲作者，多方研究后创作而成。每作品由钢琴伴奏谱和独奏分谱组成，在乐谱的后面，将每乐曲都做了准确详尽的介绍和演奏提示，这些手资料为演奏者正确

泛黄乐谱上的回响：一部跨越世纪的西方管弦乐作品赏析 图书名称： 泛黄乐谱上的回响：一部跨越世纪的西方管弦乐作品赏析 作者： [此处留空，或填写虚构的著名乐评人姓名] 出版社： [此处留空，或填写专业音乐出版社名称] 出版年份： [此处留空，或填写近期年份] --- 内容提要： 本书并非对某一特定乐器或某一特定地域音乐的聚焦，而是一部宏大且细腻的西方管弦乐发展史的缩影与深度剖析。它以时间为轴，以管弦乐队编制的演变和关键作曲家的创新为骨架，深入探讨了从巴洛克晚期的精细布局到浪漫主义时期的磅礴叙事，再到二十世纪现代主义的结构解构与色彩探索。全书贯穿始终的是对“管弦乐思维”的哲学探讨：作曲家如何利用不同声部的张力、音色对比和织体密度来构建复杂的情感世界和叙事结构。 本书的亮点在于其对乐谱细读的专业性，结合了历史背景、演奏实践中的挑战以及听众感知的多维视角。我们不仅回顾了贝多芬如何“革命性地”使用铜管组来增强戏剧冲突，也考察了德彪西如何将管弦乐视为一个巨大的、流动的音色调色盘，探索了斯特拉文斯基在《春之祭》中对节奏的暴力重塑如何彻底颠覆了传统的美学观念。 本书尤其重视对管弦乐“内燃机”——即和声、对位与配器技法的深入解析。通过对大量经典作品的片段式、但极其深入的分析，读者将理解为何某些配器选择是不可替代的，以及作曲家如何在既定的乐器限制下，开创出前所未有的听觉体验。 --- 详细内容结构与特色： 第一部分：基石的构建——从巴洛克到古典主义的秩序与清晰 本部分追溯了管弦乐队雏形的形成，重点分析了组曲、协奏曲大曲的结构，以及早期交响曲的规范化过程。 1. 巴洛克晚期的音色基模： 分析了维瓦尔第和巴赫时期弦乐组的主导地位，以及木管和铜管如何作为点缀和色彩出现。重点解析了“对位法”在大型作品中如何实现清晰的织体密度。 2. 古典主义的“模件化”革命： 集中讨论海顿和莫扎特对交响曲四乐章结构的固定，以及他们如何赋予每种乐器以独立的人格化表达。这一章将详细比较海顿的“绅士化”配器与莫扎特那略带忧郁的木管对话技巧。 3. 贝多芬的“力量投射”： 贝多芬如何通过增加法国号和短号的使用频率，以及在配器上引入更强的对比，将管弦乐从沙龙音乐提升为表达英雄意志的宏大叙事工具。特别分析了《英雄交响曲》和《第九交响曲》中铜管的突破性运用。 第二部分：情感的洪流——浪漫主义的扩张与个体的颂歌 浪漫主义时期是管弦乐技巧爆炸式发展的阶段。本部分探讨了乐器法如何服务于日益膨胀的情感表达和文学叙事需求。 1. 柏辽兹的“乐器之王”： 详细研究柏辽兹在《幻想交响曲》中对“主题对位”（idée fixe）的配器处理，以及他对新乐器（如蛇形号）的尝试，展示了作曲家如何开始“指挥”声音的色彩而非仅仅是音符。 2. 瓦格纳的“音画诗”与管弦乐队的膨胀： 探讨了李斯特的交响诗对固定形式的解放，以及瓦格纳为歌剧创作而开发的“增肥型”管弦乐队。分析了“纯粹音色叠层”在构建情感氛围上的效力。 3. 晚期浪漫主义的“交响诗的黄昏”： 关注勃拉姆斯对古典形式的回归与浪漫主义情感的结合，以及马勒和理查·施特劳斯如何将乐队规模推向极限，用几乎是“歌剧式”的配器手法来描绘内心世界和自然景观。 第三部分：解构与重塑——二十世纪的听觉冒险 随着和声语言的瓦解和新的哲学思潮的涌入，管弦乐法进入了实验与探索的时代。 1. 印象主义的“雾化”： 深入解析德彪西和拉威尔如何通过对弦乐弱音器（sordinos）的精妙运用、对长笛和单簧管高音区的偏爱，以及对非传统和弦的运用，创造出流动、模糊、非指向性的音响景观。这不是关于“写什么”，而是关于“如何让它听起来”。 2. 原始主义与节奏的暴力： 重点剖析斯特拉文斯基，特别是《春之祭》，如何通过不同声部在不协和音程上叠加的节奏型，以及木管组的尖锐、穿透性的音色，打破了听众对“和谐”的期待。 3. 序列主义与音色的逻辑化： 探讨勋伯格、韦伯恩将序列手法引入管弦乐配器后，声音组织如何从情感驱动转向结构逻辑驱动。分析了这种方法下，单个乐器在特定时刻的重要性如何被放大到极致。 4. 后继者的探索： 简要提及布列兹、利盖蒂等作曲家如何利用声场、空间感和微观复调（极繁主义）等手段，将管弦乐的潜力推向新的边界，超越了传统意义上的“和声”与“对位”。 --- 本书的独特价值： 本书拒绝仅仅罗列曲目和历史事件，而是致力于揭示配器（Orchestration）这门艺术背后的深层逻辑。它将管弦乐视为一种动态的、不断自我定义的艺术形式。读者将学会： 识别“声部签名”： 为什么某位作曲家对某件乐器的偏爱，揭示了他对特定情感或哲学命题的倾向。 理解“织体张力”： 如何通过增加或减少声部密度，以及对高低音域的分配，瞬间改变作品的戏剧性张力。 聆听“色彩的对话”： 分析不同声部（如大提琴与低音单簧管）在特定和弦中混合时产生的、超越单个乐器音色的“混合色”。 通过对这数百年来管弦乐的演变历程的梳理，本书为音乐爱好者、学生以及专业演奏者提供了一套深入理解西方交响音乐“骨架”与“血肉”的系统化工具。它邀请读者不仅仅是去“听”交响乐，而是去“阅读”作曲家写在乐谱上、用声音雕刻出的宏伟建筑。

评分☆☆☆☆☆

从音乐哲学的角度来看，这本书所呈现的中国小号音乐，有一种令人动容的“当代性”。它不是老生常谈的民族风情描摹，而是作曲家们在面对快速变化的现代社会时，如何用一个小号——这个原本根植于西方军乐和古典传统的乐器——来表达当代中国人的内心世界和精神景观。我感受到了其中的挣扎、反思与坚韧。比如，有些作品充满了快速的节奏变化和不规则的拍号，这很像我们日常生活中那种信息爆炸、节奏失衡的体验。而在某些乐段突然回归的悠长、纯净的旋律时，又像是疲惫心灵在喧嚣中找到的一片宁静之地。这种对现代情绪的精准捕捉和音乐化表达，让这些作品具有了超越地域限制的感染力。阅读这些作品，不仅仅是在练习技巧，更像是在与一代中国音乐家进行一场关于时代精神的深度对话。

评分☆☆☆☆☆

这本书的附录部分，虽然篇幅不多，但信息量却大得惊人，显示出编者在学术上的严谨态度。我尤其欣赏那些关于乐谱版本考证的简短注释。在很多现代乐谱中，由于年代久远或抄录失误，某些指法和速度标记常常存在模糊不清的情况。而这本书似乎做了大量的交叉比对工作，对于那些存在争议的演奏记号，编者给出了明确的倾向性建议，并附上了简短的理由说明。这对于我们这些习惯于寻找“最正宗”演奏方式的乐手来说，是莫大的福音。它让原本可能陷入的“版本之争”变得有据可依。此外，那些关于特定演奏技巧（比如某种罕见的颤音处理）的简短说明，如同专业导师在耳边低语，提供了非常实用的操作指导。这不仅仅是一本“弹奏本”，更像是一本伴随学习者成长的“工具书”和“参考手册”。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，简直就是一次对演奏技巧的“极限挑战”前的心理建设。我发现书中收录的不少作品对演奏者的气息控制能力提出了近乎苛刻的要求。举例来说，有几个慢板乐章要求长达近三十秒的连贯吹奏，音色必须保持绝对的稳定和均匀，这几乎是在挑战人体的生理极限。我试着在脑海中模拟了一下，光是想象那个过程就让人感到胸腔发紧。但有趣的是，这种难度并非盲目堆砌，而是紧密围绕着作品所要表达的情感核心。比如在某一段表现“登高望远”主题的乐章中，极长的乐句恰恰是为了营造出那种气势磅礴、一览众山小的宏大气魄。这不仅仅是技术问题，更是一种意志力的较量。这本书里的曲子，无疑是为那些真正渴望突破自我、不满足于安逸区的演奏家们准备的“试金石”。它不会让你轻松，但它保证了你每次攻克难关后，都会获得质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选曲眼光极其独到，它似乎避开了那些被过度演奏和翻录的“热门曲目”，转而挖掘了一些真正能体现中国小号艺术发展脉络的珍贵遗珠。我特别关注了其中一些注明为“早期作品”的部分，那些旋律线条虽然看似质朴，却蕴含着一种内敛而深沉的民族情感。与我之前听过的西方古典小号作品相比，这些作品在情绪的处理上更加注重“含蓄美”，不追求爆发式的炫技，而是将情感的起伏巧妙地融入到呼吸与换气之中。这对于我们这些习惯了高亢嘹亮的演奏风格的学习者来说，无疑是一次全新的思维冲击。它迫使你放慢速度，去倾听那些隐藏在音符之间的“沉默的力量”。而且，不同年代的作品之间，可以清晰地看到小号艺术在本土化进程中的演变轨迹，从最初的模仿到后来的融合与创新，这种学术上的连贯性，让整本书的价值远超一般的曲集，更像是一部微型的中国小号音乐史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面采用了略带复古的深蓝色调，搭配着烫金的字体，显得既庄重又不失典雅。我特意留心了一下纸张的质感，摸上去有一种温润的触感，不是那种廉价的光滑纸，而是很有分量的、适合长期保存的哑光纸张。内页的排版也极为考究，五线谱的清晰度和留白处理都非常得当，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。我翻阅了其中的一些乐章样本，那些复杂的指法和音符组合，即便只是看着，都能感受到创作者对于器乐表现力的深度挖掘。尤其是一些技巧性要求极高的部分，作者似乎非常精准地抓住了演奏者在面对高难度挑战时的那种紧张与兴奋，通过乐谱的布局，仿佛能听到空气中流动的气息。这本书的装帧不仅仅是工具书的实用性体现，更像是一件艺术品，让人在拿起它的时候，就对即将要进行的音乐探索充满了敬畏与期待。我非常欣赏这种对细节的执着，它传递出一个明确的信息：这本书所收录的内容，是值得被郑重对待的。