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施咏 著

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出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562157540

商品编码：29859858403

页数：210

图书基本信息
书名：	乐理与文化
丛书名：
作者/主编：	施咏
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562157540
出版年份：	2012年6月

版次：	第1版
总页数：	210页
开本：	16开
图书定价：	29.00元
实际重量：	340 g
新旧程度：	正版全新

编辑

《乐理与文化》由施咏著，本书的理论价值与意义还在于：
于国内对基本乐理的学科划分、课程内涵、教学目的、教学方法等提出与以往音乐理论界、教育界所不同的创新观点与教学研究方法模式：
1.反对将乐理一味划归技术理论系列的观点，提出乐理也是一门以人文学科为内涵的课程。
2.将课程的教学目的提升到开发音乐学生的逻辑思维能力、提高音乐实践能力、培养其审美情趣的高度，使得乐理知识的学习有机地渗透在音乐艺术的审美体验中，以开阔学生的文化视野。
3.体现多学科综合的理念，在部分章节分别涉及到文学、美学、律学、乐学、史学、声学等学科相关知识的渗透，以加强对音乐文化的全面考察与深层认知。
4.重视母语教育，加强对本民族音乐文化的传承，体现中国民族乐理特色。
5.在写作中除了规范性、知识性、学术性的要求以外，还体现了一定的趣味性、可读性与实用性。

导读（自序） 
章“休止”休矣 
一、此时无声胜有声 
二、此时无“绳”胜有“绳” 
三、无声之处情亦浓 
第二章音乐时速 
一、速度的本质与表现作用 
二、速度记号的表情含义 
三、节拍器及其使用 
四、速度的选择与确立方法 
第三章节奏漫谈 
一、节奏是运动的秩序 
二、节奏现象无所不在 
三、小节性节拍的类别 
四、小节解放——隐伏节拍 
五、节奏对位——交错拍子 
六、流动建筑——等差数列 
七、固定节奏型 
八、中国节拍体系中的板眼论 
第四章弹性节拍 
一、弹性节拍的起源 
二、Rubato在西方音乐中的应用 
三、中国传统音乐中的弹性节拍 
第五章音乐散文 
一、自由节拍的应用范围 
二、中国音乐中的散板体系 
三、散节拍的文化内涵 
四、散板的形散与神凝 
第六章美音求源 
一、音色的心理属性 
二、音色的物理构成 
三、音色的艺术表现 
四、中国音乐审美中的音色表现 
五、音色的多元拓展 
第七章强弱“相对论” 
一、物理心理与强弱相对 
二、风格流派与强弱相对 
三、听觉差异与强弱相对 
四、力度表现与强弱相对 
五、文化背景与强弱相对 
小结 
第八章音程协和论 
一、协和本质论 
二、协和演化论 
三、协和相对论 
第九章音程应用论 
一、一度音程 
二、二度音程 
三、三度音程 
四、四度音程 
五、五度音程 
六、六度音程 
七、七度音程 
八、八度音程 
九、八度以上音程 
十、中国民族音乐中的音程表现应用 
第十章声无定高 
一、音准的尺度 
二、音准的律制影响 
三、文化背景的影响 
四、声无定高的普遍意义 
第十一章五音大成 
一、五声起源说 
二、五声简约说 
三、五声说 
第十二章从宫观念 
一、从宫观念源远流长 
二、从宫观念与“中和之美” 
三、“从宫”与传统乐学理论 
四、“从宫”与调式和声理论 
第十三章调式思维 
一、调式的形成与发展 
二、宫角主宰音程的效用性 
三、非主音结尾 
四、调式的色彩及其影响因素 
五、调式隐伏 
六、转调中的多元文化 
第十四章旋法魔术 
一、旋律的民族性 
二、旋律的地域性 
三、旋律的语言性 
四、旋律的变奏性 
附录：多元文化视野下基本乐理学科体系构建 
一、传统与现代 
二、民族与世界 
三、技术与文化 
四、逻辑性与科学性 
结语 
参考文献 
后记

《乐理与文化》主要内容经过了十年的使用，其阅读对象定位主要是大学音乐的理论教师、高等艺术院校中的研究生，或至少已学过传统《基本乐理》这门课程的中高年级的本科生，以及有志于提高自身音乐修养与开阔艺术视野的音乐爱好者们。《乐理与文化》也可作为《基本乐理》课程的课外补充读物和乐理专题知识性讲座的参考讲义。如果拙著能够对那些遨游乐海并正力图跨入音乐艺术之门的莘莘学子们助上一臂之力，那也就遂了笔者的初衷心愿，即“冀望‘基本乐理’能够真正成为整个音乐大文化的理论基础，而不是音乐技艺化的‘操作手册’”。

音乐理论与文化：探寻和声、旋律与时代精神的桥梁 图书简介 书名： 和声的诗篇：西方音乐体系的演进与美学思想 作者： （此处可虚构一位或多位资深音乐教育家或研究者，例如：陈景和、林素芳） 出版社： （此处可虚构一家具有学术声望的出版社，例如：华夏音乐文库出版社） 字数： 约 1500 字 --- 引言：聆听时间的和声 音乐，作为人类情感最直接的表达方式，其背后蕴含着严谨的逻辑结构与深邃的文化内涵。本书《和声的诗篇：西方音乐体系的演进与美学思想》并非聚焦于某特定院校的考研指定教材或特定版本解读，而是旨在为所有热爱音乐、希望系统深入理解西方音乐理论体系的读者，构建一座坚实的知识殿ட்ட。我们相信，真正的音乐学习，是超越应试范畴，抵达对音乐本质的深刻洞察。 本书全面梳理了西方音乐理论自中世纪格里高利圣咏萌芽至二十世纪十二音体系发展直至后现代实验的宏大历程。我们致力于描绘出一条清晰的脉络，展示和声语言如何作为一种反映时代精神的工具，经历了数个世纪的洗礼、规范与突破。 第一部分：基础的奠基石——从调式到大小调体系的建立 本部分详尽阐述了音乐理论的基石。我们首先回顾了早期教会调式（如多利亚、弗里吉亚等）的结构及其在文艺复兴早期音乐中的应用，强调了调式色彩对早期音乐情感氛围的决定性作用。 随后，重点剖析了巴洛克时期（约 1600-1750 年）调性（Tonal System）的最终确立过程。这包括对“功能和声”概念的深入解析，即三和弦（主、属、下属）在构建乐句张力与解决中的核心地位。我们不仅讲解了三和弦的转位、七和弦的构成与解决，更重要的是，我们探讨了巴赫等大师如何利用这些规则，创造出前所未有的织体复杂性和情感深度。书中的图例将采用国际通用的五线谱标注，并辅以清晰的音响分析模型，帮助读者在头脑中“听见”和声的进行。 第二部分：古典主义的理性与浪漫主义的激情 古典主义时期（约 1750-1820 年）是形式美学的巅峰。本书将专门开辟章节，细致分析奏鸣曲式（Sonata Form）的结构逻辑——呈示部、发展部与再现部的内在辩证关系。我们着重分析了海顿、莫扎特和贝多芬如何在其作品中对既有的和声语言进行精妙的布局与平衡，体现出启蒙时代的理性光辉。 进入浪漫主义时代（约 1820-1900 年），音乐表达的边界被极大地拓宽。本部分将深入探讨半音和声（Chromaticism）的广泛运用。从舒伯特对借用和弦（Borrowed Chords）的娴熟运用，到瓦格纳对“不协和音悬置”（Suspension of Dissonance）的极致探索（例如著名的“特里斯坦和弦”的分析），我们揭示了作曲家如何通过模糊调性中心，来表达个体强烈的、私密化的情感体验。这部分的研究，旨在让读者理解，和声的“变迁”往往是社会思潮变迁的直接投射。 第三部分：二十世纪的解构与重构——超越传统调性的探索 二十世纪是西方音乐理论发生革命性断裂的时期。本书将详尽介绍对传统调性体系进行挑战的几种主要流派和技术： 1. 印象主义与和声色彩学： 德彪西和拉威尔对五声音阶、全音阶以及平行和弦的大胆运用，以及如何利用音色和“泛音”来创造朦胧、非指向性的音乐意境。 2. 表现主义与无调性： 勋伯格提出的十二音序列技法（Twelve-Tone Technique）。本书将用清晰的步骤图解如何构建音列（Prime, Retrograde, Inversion, Retrograde Inversion），并分析这种“数学化”的作曲方法，如何试图在瓦解传统美学之后重建新的秩序。 3. 新古典主义与原始主义： 斯特拉文斯基对节奏的重塑以及对早期音乐的复古借鉴。 4. 机率音乐与电子音乐的基础理论： 简介了20世纪后半叶出现的非确定性音乐的理论框架，拓宽读者对“音乐”定义的概念边界。 第四部分：音乐美学与文化语境的对话 理论的学习不应止步于音符和规则的堆砌。本书的第四部分升华了对理论的认识，将其置于更广阔的文化背景下考察。我们讨论了： 美学观念的流变： 从柏拉图的“和谐论”到康德的“无目的的合目的性”，探讨不同时代对“美”的判断标准如何影响和声的审美取向。 记谱法的演变及其对演奏实践的影响： 探讨手稿与印刷术如何固化了音乐形式，以及早期演奏实践与现代诠释的差异。 跨文化音乐理论的视野： 简要对比了中国传统音乐的“五声结构”与西方“十二平均律”在哲学基础上的根本区别，引发读者对音乐普适性与特殊性的思考。 结语：理论的永恒与实践的自由 《和声的诗篇》旨在提供一个全面、深入且富有批判精神的理论框架。它要求读者不仅要掌握“如何写出正确的和弦连接”，更要理解“为什么在特定历史时期，这种连接被认为是必要的或革命性的”。本书结构严谨，深入浅出，配有丰富的乐例分析，是所有有志于深入音乐学习、进行更高层次研究的音乐爱好者、学生和专业人士的理想参考读物。掌握了这些理论的脉络，读者将能以更开阔的视角去欣赏和分析任何时期的音乐作品，实现从“听众”到“理解者”的蜕变。

评分☆☆☆☆☆

坦白讲，我一开始对这本“考研大中书”的实用性持保留态度，担心它会过于偏重理论的艰深而忽略了实际的应试需求。然而，事实证明我的顾虑是多余的。这本书的章节安排和内容侧重点，明显是围绕着高水平音乐学研究生入学考试的核心能力要求来构建的。例如，对于那些需要进行大量案例分析和评论的题目类型，书中提供的分析框架和术语运用规范，简直就是现成的“解题模板”，而且是那种经过深思熟虑、逻辑严密的模板。每当遇到那些需要进行综合判断的难题时，我习惯性地翻阅这本书的对应章节，往往能迅速找到支撑我论点的理论基石和恰当的表达方式。它不是简单地罗列知识点，而是教你如何“思考”和“表达”这些知识点，这种授人以渔的教育理念，使得学习效率得到了质的飞跃，尤其是在考前冲刺阶段，它成了我梳理知识脉络、查漏补缺的“镇纸之宝”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字风格，有一种独特的魅力，它既保持了学术著作应有的严谨和精准，又融入了一种近乎散文般的流畅感和引导性。作者的遣词造句考究而不卖弄，复杂概念的引入总能伴随着形象的比喻或生动的类比，极大地降低了初学者的阅读门槛，同时又不失对专业读者的尊重。我特别欣赏它在处理争议性理论观点时的平衡态度，没有采取“一家之言”的武断立场，而是清晰地勾勒出不同学派之间的主要分歧点，并引导读者去思考每种观点的合理性所在。这种开放而包容的学术态度，潜移默化地影响着我的学习方式，让我学会了批判性地吸收知识，而不是被动地接受灌输。总而言之，这是一部既能让你在考试中取得高分，又能真正提升你的音乐素养和人文情怀的优秀著作，阅读过程本身就是一种享受，一种对知识的深度沉浸与回味。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文化板块内容，可以说是与其他纯粹的乐理教材拉开了明显的档次。它并未将音乐文化仅仅视为乐理知识的“调味品”或“背景板”，而是将其提升到了与核心技术同等重要的地位。比如，书中对特定历史时期欧洲社会结构如何反作用于音乐创作手法的论述，细腻到令人拍案叫绝。我尤其喜欢其中关于“美学思潮变迁对曲式结构影响”的论述，它不再停留在对奏鸣曲式或赋格结构的机械剖析，而是深入挖掘了当时知识分子群体对“秩序”与“自由”的哲学思索是如何被编码进音乐的结构内部的。这种深度的跨学科探讨，极大地丰富了我对音乐现象的理解维度，让我意识到音乐不仅仅是音符的排列组合，更是特定时代精神的结晶。阅读这些内容时，我感觉自己仿佛穿越时空，与那些伟大的作曲家和理论家进行了隔空的对话，这对于培养一个成熟的音乐学者所必需的宏大视野是不可或缺的营养。

评分☆☆☆☆☆

我花了整整一周的时间来仔细研读这本书的乐理核心章节，尤其是关于和声进行的分析部分，不得不说，作者在复杂概念的阐释上展现了惊人的洞察力和清晰的逻辑性。举个例子，对于“功能和声”的演变历程，书中没有采取那种干巴巴的罗列事实的方式，而是通过引入具体的音乐片段和历史情境，像剥洋葱一样层层深入地揭示了和声逻辑背后的文化驱动力。读到这里，我甚至产生了一种“茅塞顿开”的感觉，之前在其他教材中晦涩难懂的转调技巧，在这里被拆解成了若干个可操作的小步骤，辅以大量的范例进行印证和对比。更让我赞叹的是，作者似乎深谙考生的心理，在关键的易错点上总会适时地给出“防范提醒”，这些细节处理得极其到位，真正做到了将理论知识与应试技巧巧妙地融合在一起，使得学习过程不再是机械的记忆，而是一种充满探索乐趣的建构过程，每读完一个章节，都感觉自己的音乐思维结构得到了极大的拓展和优化。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是教科书级别的典范，封面采用了一种沉稳又不失活力的蓝色调，搭配着清晰锐利的字体，透露出一种严谨的学术气息。翻开内页，纸张的质感非常出色，厚度适中，手感温润，即便是长时间阅读，眼睛也不会感到明显的疲劳。排版布局更是令人称道，无论是乐理知识点的梳理，还是文化背景的阐述，都采用了合理的留白和分段处理，使得复杂的内容层次分明，易于消化。特别是那些涉及到复杂图示和谱例的部分，印刷得极其精细，线条流畅，黑白灰的层次过渡自然，这对于学习乐理的读者来说至关重要，因为任何一个微小的细节错误都可能导致理解上的偏差。整体来看，这本书在物理形态上就体现了出版方对知识的尊重和对读者的关怀，让人在捧读之初就对其内容质量抱有极高的期待，仿佛手捧的已不仅仅是一本书，而是一件精心打磨的艺术品，光是抚摸着封面和翻动着书页，就能感受到一股扑面而来的专业气息，为接下来的深度学习打下了坚实而愉悦的心灵基础。