巴斯蒂安钢琴教学成功之道杨新庆译上海音乐出版社正版教材9787807519058 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

詹姆斯?W.巴斯蒂安 编

图书标签:

• 钢琴教材
• 钢琴教学
• 巴斯蒂安
• 杨新庆
• 上海音乐出版社
• 基础乐理
• 少儿钢琴
• 入门教材
• 正版教材
• 9787807519058

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807519058

商品编码：29859865357

页数：321

图书基本信息
书名：	巴斯蒂安钢琴教学成功之道
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787807519058
出版年份：	2012年4月

版次：	第1版
总页数：	321页
开本：	1/16
图书定价：	58.00元
实际重量：	690 g
新旧程度：	正版全新

作者：（美国）詹姆斯?W.巴斯蒂安（James W. Bastien） 译者：何弦 杨新庆  詹姆斯?巴斯蒂安，美国钢琴家、作家、作曲家和音乐教育家。他于1999年被授予了美国全国音乐教师协会终身成就奖，以表彰他在音乐和音乐教育领域所作的杰出贡献。1973年巴斯蒂安完成了这本关于钢琴教学的著作，时至仍不衰。巴斯蒂安系列有三百多本书，启发了成千上万的钢琴老师和学生。《巴斯蒂安钢琴教学成功之道(原版引进)》讨论这些素质，并说明了学习的进程，研究了教学场地的布置，为成功的钢琴教学提供了指导。由于包括了以上这些基本信息，可以将《巴斯蒂安钢琴教学成功之道(原版引进)》当成一本用以教学的教材，也可以当成一本职业教师的参考书。

关于作者 第三版前言 部分教学法研究 章教学纵览 教师关于教学的概念 大学前的训练 钢琴教育的大学训练 成为教师的途径 教师的性格 总结 讨论作业 课外阅读 第二章独立教学的因素 关于学生 个人课或是集体课 学习怎样进行教学 教师的教学工作室 教学工作室设备 如何招收学生 如何对学生进行面试 如何安排上课时间 总结 讨论作业 第三章经济事务 课时费 增加收入 账目 税额减免 讨论作业 第四章启蒙教学法纵览 教程的教学目标 评价钢琴教学法的标准 老师对待新教学法的态度 教程 讨论作业 第二部分教学手段 第五章早期教育的优点 个人课还是集体课？ 设备 准备学习音乐的计划 学龄前儿童的基本技巧 激励和奖赏 总结 学龄前教学法书籍 讨论作业 第六章平均年龄的初学者 家长的监督 个人课还是集体课？ 示例：课 年的音乐学习计划 在年的学习中所要使用的材料 讨论作业 第七章第二年的学习 第二年的曲目 第二年的技巧 学生在第二年中学习的乐理 第二年的视奏 第二年学习材料一览表 讨论作业 第八章第三年的学习 第三年的音乐学习计划 第三年的技术 三年级的乐理 三年级的视奏 讨论作业 第九章中级程度的学习 中级程度的曲目 中级程度学生的技巧 中级程度的乐理 讨论作业 第三部分特别科目 第十章钢琴预备部 指导性课程 人员及管理 课及教育学实习 结束语 第十一章院校中音乐的小组钢琴教程 课程开设 师资力量／教师培训 条件／设备 课程内容 课时计划 指导性材料 用于大学音乐的小组钢琴课本 辅助读物建议清单 第十二章大学钢琴 预科培训 钢琴学位 钢琴课程 艺术家教师 以小组方式为实用钢琴授课 开独奏音乐会是一个现实的目标吗？ 职业伴奏 独立教师的回报 结束语 第十三章钢琴教师的培训是否必要？ 传统 成功教学的衡量标准 打造新传统 钢琴教师的培训是有必要的 第十四章记忆的技巧 第十五章钢琴指法指南 音乐地形学 手指的特殊用法 体位舒适度与脑力舒适度 音乐内容与指法的关系 简易化 结束语 参考书目 第十六章与新出版物肩并肩 第十七章如何使学生做好比赛准备 赞成观点 反对论点 参加比赛的学生准备工作 选择合格的评委 教师在赛场上的角色 小奏鸣曲比赛 比赛机构 结束语 第十八章在工作室内放置电脑的优点 计算机：硬件／软件 计算机的能力 教育教学软件 管理软件 经济 计算机辅助音乐指导软件建议供应商 第十九章键盘音乐的版本 各时期版本的总体讨论 印刷 作曲家作品建议版本 其他作曲家 结束语 书目 第二十章十八世纪键盘音乐中的修饰符和装饰音 导言与背景 修饰符和装饰音 结束语 建议读物 …… 第四部分访谈录 第五部分附录 

钢琴教学是一门需要专门学习、天资、实践和技能的艺术。詹姆斯·W.巴斯蒂安编著的本书讨论了以上这些素质，并说明了学习的进程，研究了教学场地的布置，为成功的钢琴教学提供了指导。由于包括了以上这些基本信息，可以将本书当成一本用以教学的教材，也可以当成一本职业教师的参考书。

《指尖的律动：西方钢琴演奏技法精粹》 导言：踏上音乐的殿堂，解锁指尖的无限可能 音乐，是人类情感最纯粹的表达方式之一。而钢琴，作为古典音乐的瑰宝，以其丰富的音域和广阔的表现力，承载了无数作曲家的心血与智慧。掌握钢琴演奏技法，如同开启了一扇通往音乐灵魂的门。本书《指尖的律动：西方钢琴演奏技法精粹》，并非旨在提供某一特定教材的解读或复述，而是致力于构建一个宏大、系统且深入的钢琴演奏技法知识体系，旨在帮助每一位钢琴学习者和演奏者，无论其当前水平如何，都能在技术层面、音乐理解层面和舞台表现层面实现质的飞跃。 本书的编撰，立足于对二百余年西方钢琴教学历史的深刻洞察与汲取，融合了二十世纪以来，尤其是在演奏实践中被反复验证的有效方法论。我们避开了对任何单一教程的过度依赖，转而从更本质、更普适的钢琴演奏原理出发，构建起一个多维度、立体化的技术学习框架。 第一部分：基础的铸造——正确的身体与触键原理 钢琴演奏是一项高度依赖身体协调性的艺术活动。本书将首先聚焦于演奏者身体与乐器的“物理连接”问题，这是所有高阶技巧得以实现的基础。 1. 身体姿态的科学构建： 强调“放松与稳定”的统一。详细解析坐姿的黄金比例，包括椅面高度、身体重心在坐骨上的分布，以及如何通过下肢的稳定来解放上肢的自由度。探讨手臂、前臂、手腕在不同演奏情境下的动态平衡，反对僵硬的“固定式”姿势，提倡适应性动态调整。 2. 触键的物理学： 本部分深入探讨“力度”产生的物理机制。区别于简单的“敲击”，我们着重分析手指与琴键接触时的加速度、力度向量（Vector of Force）以及作用时间（Duration of Contact）。详细区分了“重量触键”（Weight Transfer）与“主动触键”（Active Touch）的区别与应用场景。图文并茂地展示了手指关节的支撑结构，解释了为何“指尖的饱满度”是获得清晰音色和强大穿透力的关键。 3. 手型与指位： 探究经典手型（如拱形手型）的生物力学基础，并讨论其在不同历史时期（如巴洛克、古典）音乐风格中的适应性变化。重点讲解了“跨指”和“移指”在处理连续音型时的流畅过渡技术，确保音与音之间的连接性（Legato）不受中断。 第二部分：技巧的精进——跨越技术难关的系统路径 本书的核心价值在于其对钢琴演奏技术分类的细致梳理与解决方案的提供。我们将其分解为若干关键模块，确保学习者能系统地攻克每一个难点。 1. 音阶与琶音的深度练习范式： 传统的音阶练习往往陷入机械重复的误区。本书提出了基于“节奏变化”、“力度对比”、“不同触键方式结合”的综合练习法。例如，引入“附点节奏音阶”来强化弱拍的准确性，或使用“极慢速的均匀琶音”来检验手指独立性与重量传递的精确性。讨论了如何处理大跨度琶音中“手臂的横向移动”与“指法的协同”。 2. 连续性与连奏（Legato）的终极追求： 连奏不仅仅是“触键不离”，更是“气息的连贯”。深入分析了“球状连奏”（Spherical Legato）的概念，即通过前一个音的释放与下一个音的触击之间的微小时间差，实现声音的无缝连接。针对八度与和弦的连奏，提出了“手腕的弹性缓冲”技术。 3. 颤音、装饰音与快速跑动的处理： 对于颤音，我们详细解析了“双指交替颤音”的协调训练，并区分了“手指颤音”、“手腕颤音”和“手臂颤音”各自最适用的音乐语境。在处理快速音群时，强调“预备动作”的重要性，即在快速跑动开始前，手臂和手腕应处于最佳的“准备位”，以减少启动时的滞涩感。 4. 强弱对比与力度控制（Dynamics）： 力度控制是衡量演奏成熟度的重要标志。本书提供了一套从 pppp 到 ffff 的“力度地图”，并讲解了如何通过改变触键的深度、速度和接触面积来实现精确的力度控制。尤其探讨了如何在高强度演奏（如 forte 或 fortissimo）下保持音色的清晰而非“砸击”。 第三部分：音乐的阐释——技术为音乐服务的哲学 技术是载体，音乐才是目的。本书的第三部分将视角从“如何弹好”转向“弹什么”和“如何表达”。 1. 触键与音色的关联性： 探讨不同的触键方式如何直接影响音色（Timbre）。例如，如何通过指尖的“轻微滚动”来获得温暖而柔和的音色，或如何通过“快速的垂直下压”来获得尖锐而有穿透力的音色，以适应巴洛克、古典、浪漫及近现代音乐的不同需求。 2. 节奏的弹性与自由度： 强调“机械节奏”与“音乐节奏”的区别。引入“微小的时值弹性”（Rubato）的概念，讲解如何在不破坏整体节拍稳定的前提下，通过对旋律线进行微小的速度调整来增强音乐的歌唱性与呼吸感。 3. 分句与层次感的构建： 钢琴演奏的挑战之一在于如何在一台乐器上实现“多声部”的清晰度。本书详细讲解了“旋律声部优先”的原则，并指导学习者如何通过控制伴奏声部的力度和音色，使之成为烘托主旋律的“背景织体”。解析了大型作品中的“结构分句”，理解乐曲的宏观布局。 第四部分：舞台的准备与心理解析 成功的演奏不仅依赖于排练室里的刻苦，更依赖于对舞台环境的适应和心理的调适。 1. 记忆的巩固与可靠性： 探讨记忆的多种层面（肌肉记忆、听觉记忆、视觉记忆和概念记忆），并提出建立“多重安全网”的记忆巩固策略。强调在模拟压力环境下进行反复排练的重要性。 2. 舞台焦虑的管理： 提供了一系列实用的身心放松技巧，如“锚定练习”（Grounding Exercises）和“意象预演”（Mental Rehearsal）。旨在帮助演奏者将注意力从“恐惧表现”转移到“专注音乐”上。 3. 乐器的适应性： 讲解如何在不熟悉的钢琴上快速找到最佳手感和音色，包括对击弦机状态（Touch Weight）和踏板特性的快速判断与调整策略。 结语：持续的探索 《指尖的律动：西方钢琴演奏技法精粹》旨在提供一个开放的、可供不断深化的技术框架。它不提供终极答案，而是引导学习者成为自己演奏技法的诊断师和设计者。真正的钢琴技艺，在于理解背后的原理，并通过不懈的实践，将知识内化为指尖的本能，最终服务于音乐的至高表达。

评分☆☆☆☆☆

我买这本书主要是冲着“成功之道”这个名头去的，希望能找到一套真正能解决我长期以来遇到的钢琴学习瓶颈的秘籍。拿到书后，我首先被它那种近乎“极简主义”的封面设计所吸引，没有多余的装饰，直奔主题。当我翻开内页，感受最明显的是它对“内在听觉”的强调。市面上很多教材似乎更关注手指的机械运动和速度，但这本教材却花了很多篇幅去引导你“想象”声音。它不是简单地告诉你“这里要强奏”，而是会用非常细腻的文字描述，让你去构建一个声音的画面感，比如“如同清晨林间的第一缕阳光穿透薄雾”。这种文学化的描述，极大地激发了我的想象力，也让我开始真正地用耳朵而不是眼睛去指导我的手指。我发现，当我能在大脑中完美地预演出一段乐曲应有的音色和力度变化时，我的演奏准确性大大提高了。它让我明白，钢琴演奏远不止于机械动作的组合，更是一种声音的雕塑艺术。对于那些在技术上已经有一定基础，但始终感觉“弹不出味道”的进阶学习者来说，这种由内而外的引导，无疑是久旱逢甘霖。

评分☆☆☆☆☆

如果要用一个词来概括我对这本教材的感受，那可能是“耐心”。它不是那种追求即时满足感的读物，它要求你与它建立一种长期的、互相尊重的合作关系。最让我印象深刻的是它在处理节奏感时的独特方法。它似乎对传统节拍的强调不以为满足，而是引入了一种更具流动性的时间观念。书中的一些练习，要求你像水流一样去感受节拍的起伏，而不是被僵硬的四分音符和八分音符所束缚。这在处理某些需要自由速度感的乐段时，效果尤为显著，它帮助我挣脱了机械节拍器的桎梏，让我的演奏开始拥有“呼吸”。当然，这种强调自由度的训练，对于那些特别需要精准计时来克服节奏不稳的学习者来说，可能需要配合其他更严格的工具。但对于我这种已经被僵硬节奏困扰多年的学习者来说，这本书提供了一种全新的、更具音乐性的解决思路，它不是简单地纠正错误，而是从根本上重塑你对时间在音乐中流逝的感知，这是一种非常高级的教学智慧。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我刚开始接触这本教材时，对它里面穿插的一些古典主义时期的曲目选择感到有些困惑。我更偏爱浪漫主义那种奔放的情感表达，而这里的选材似乎更加注重结构和清晰度。但随着练习的深入，我渐渐理解了编者的良苦用心。这套教材就像一个非常严格的教练，它强迫你先在相对克制和清晰的框架内把基本功磨砺到极致。它要求你在处理巴赫或者海顿的复调作品时，必须做到每一声部都清晰可辨，独立成曲，这种对声部控制的要求，简直是魔鬼级别的训练。一旦你能够游刃有余地处理好这些“骨架分明”的作品，再去触碰那些情感色彩浓郁的作品时，你会发现你的乐句线条更加清晰、层次感更丰富，不再是简单的“一团乱麻”。这种“先打基础，后求表现”的逻辑，虽然在短期内可能让人感觉进步缓慢，但从长远来看，它建立了一个无比稳固的艺术基石。这本书的价值，不在于让你快速学会几首曲子，而在于它塑造你作为一个音乐家的思维方式。

评分☆☆☆☆☆

这本书的纸张质感非常出色，这对于经常需要翻阅和练习的教材来说，是一个非常实际的优点。它不易反光，即便是长时间在灯光下练习，眼睛的疲劳感也相对较轻。从内容上看，它最大的特点在于对细节的极致挖掘。我注意到，在某些看似简单的音阶或琶音练习中，它会用非常细微的标注来提示指尖触键的角度和力度变化，这些都是我在其他教材中从未见过的详尽指导。比如，它会区分“关节性触键”和“重量性触键”在同一组音符上的细微差别，并且用非常简洁的图示来辅助理解。这让我意识到，原来我过去弹奏时常常忽略的那些微小的物理差异，竟然会对最终的声音产生如此巨大的影响。它不是简单地告诉你“用力弹”，而是教你如何“聪明地用力”。这套教材的编排，更像是一部精密的工程手册，把钢琴演奏的每一个环节都进行了拆解和优化，适合那些对自身技术有极高要求，愿意投入时间去探究每一个细微环节的学习者。

评分☆☆☆☆☆

这本号称“成功之道”的教材，坦白说，从拿到手的瞬间，我就感觉到了它的重量——不仅仅是物理上的，更是心理上的。我印象最深的是它的排版，那种经典的、带着历史厚重感的字体和间距，仿佛能闻到老式印刷品的墨香。对于我这种从更注重实用性、色彩鲜艳的现代教材过来的学习者来说，初看之下略显“老派”，但深入其中后，才体会到那种沉稳的教学逻辑。它不像有些新潮教材那样，恨不得把所有的技巧都用花哨的图示包装起来，而是极其扎实地一步一步来，仿佛一位经验丰富的老教授，不急不躁地为你铺设地基。每一个音符的出现、每一个指法的要求，都像是经过了千锤百炼的筛选，没有丝毫多余的废话。我特别欣赏它在基础乐理与实际演奏之间的衔接处理，它不会生硬地把理论知识像石头一样砸在你面前，而是巧妙地融入到练习曲的结构之中，让你在弹奏中自然而然地领悟。当然，对于追求快速入门的初学者可能会觉得有些枯燥，但对于真正想打下坚实基础的人来说，这种深入骨髓的严谨性，是任何花哨技巧都无法替代的。它要求你慢下来，去听，去感受音符之间的呼吸，这种“慢”的哲学，反而是通往真正演奏境界的捷径。