影视动画造型基础 9787040317008 高等教育出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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丁海祥，姚桂萍 著

图书标签:

• 影视动画
• 造型基础
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• 设计
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• 动漫
• 教材
• 理论

店铺： 花晨月夕图书专营店

出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040317008

商品编码：29911430444

包装：平装

出版时间：2011-05-01

基本信息

书名：影视动画造型基础

定价：21.60元

作者：丁海祥,姚桂萍

出版社：高等教育出版社

出版日期：2011-05-01

ISBN：9787040317008

字数：

页码：108

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.241kg

编辑推荐

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内容提要

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《影视动画造型基础》是普通高等教育“十一五”规划教材。《影视动画造型基础》详述影视动画角色设计过程，介绍动画角色设计人员应该具备的能力和素养，通过典型实例解析设计过程中角色、场景、剧本、策划方面的基本常识和方法。主要内容包括：角色设计的常识和基本理论、角色设计的各种风格和这些风格各自的特征、角色设计的流程、人物形象设计的要素、基础造型、角色设计的标准格式和绘制方法。《普通高等教育“十一五”规划教材：影视动画造型基础》结合了大量实例，能帮助读者形象地了解影视动画角色设计过程，对实际操作具有很强的指导意义。
《普通高等教育“十一五”规划教材：影视动画造型基础》可作为应用性、技能型人才培养的各类教育“影视动画造型”课程的教学用书，也可供影视动画造型设计从业人员和爱好者参考使用。

目录

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作者介绍

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丁海祥，1962年11月出生。毕业于北京电影学院并获得学士学位。现任浙江传媒学院的画学院院长，担任的社会职务包括浙江创意设计协会副理事长、中国电视美术研究会理事等。
从事教学工作23年，专业方向为影视动画、影视广告。出版多部动画及广告专著，主编多部规划教材。其导演的多部影视动画作品在中央电视台播出并获奖，例如52集动画片《天天健康》于2008年8月在中央电视台少儿频道播出，获杭州第五届国际动漫节国产长片入围奖，获2008年山西省五个一工程奖，动画片《大话成语》奖2005年度北京电影学院佳辅导教师奖。

文摘

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序言

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电影与动画角色设计：从概念到实现 ISBN: 978-7-04-031700-8 出版社: 高等教育出版社 本书是一本系统阐述电影与动画角色设计原理、方法与实践的专业教材。它深入剖析了成功的角色如何从概念阶段发展到最终的视觉呈现，覆盖了从基础的造型语言到复杂的情感表达和叙事功能等多个层面，旨在为有志于影视动画领域的设计师提供扎实的理论基础与前沿的实践指导。 第一部分：角色设计的基石与理论 本部分聚焦于理解角色的本质及其在叙事中的作用，为后续的视觉构建奠定理论基础。 第一章：角色的本质与功能 角色不仅仅是屏幕上的形象，更是故事的载体和观众情感的投射点。本章首先界定“角色”在不同媒介（真人电影、传统动画、CG动画）中的定义与差异。 角色的叙事功能： 探讨角色如何推动情节发展、服务主题表达，以及在不同叙事弧线中扮演的关键角色（如英雄、导师、反派）。 原型与文化符号： 分析荣格原型理论在角色设计中的应用，以及文化背景如何塑造观众对特定形象的认知和期待。 视觉语言的初探： 介绍线条、形状、体积感等最基本的视觉元素如何传达角色的性格基调（例如，硬朗的直线代表力量，柔和的曲线代表亲和）。 第二章：解剖学与动态表达的基础 扎实的解剖学知识是设计可信角色的前提，无论风格是写实还是夸张。 人体结构速写与简化： 重点训练如何从复杂的真实人体结构中提炼出适合动画风格的简化模型，包括骨骼、肌肉群的动态变化理解。 动态与平衡： 讲解如何运用重心、张力线（Line of Action）来赋予角色生命力。分析“姿态语汇”（Pose Vocabulary），使角色姿态能够瞬间传达情绪和意图。 夸张与变形的艺术： 探讨在动画语境下，如何进行合理的解剖学变形而不失其内在逻辑，保持角色可信度的“夸张的真实性”。 第二部分：视觉形态的构建与风格化 本部分深入探讨如何将抽象的概念转化为具体的、具有辨识度的视觉形象。 第三章：从概念到草图的转化 角色设计的第一步是将文字描述转化为初步的视觉方案。 灵感收集与情绪板（Moodboard）： 学习如何通过收集视觉参考（如历史服饰、自然形态、工业设计）来建立角色的整体氛围和风格基调。 概念草图与多方案探索： 强调“多即是多”的原则，通过大量快速草图探索角色的基本轮廓、比例和关键特征。讲解如何用速写技巧捕捉转瞬即逝的动态和神态。 剪影测试（Silhouette Test）： 这是角色设计中至关重要的一环。深入分析一个优秀剪影所应具备的特征——清晰度、辨识度以及信息传达效率。 第四章：比例、造型与风格定位 比例是决定角色视觉冲击力的核心要素。 比例的系统化研究： 详细分析不同风格（如皮克斯的Q版、迪士尼的经典比例、日式动画的修长比例）对角色感知的影响。讨论如何在写实与风格化之间找到平衡点。 特征的提炼与强化： 讲解如何通过放大、缩小、扭曲特定的面部特征（如眼睛、鼻子、下巴）来强化角色的核心性格标签。 风格兼容性： 讨论如何在同一项目（如一部电影或系列动画）中，确保不同角色之间的视觉风格保持一致性，避免角色之间产生“视觉冲突”。 第五章：服装、道具与世界观的融合 角色的外在元素必须与其所处的环境和职业背景紧密相关。 功能性设计： 分析服装、装备和道具如何服务于角色的行动和叙事目的。探讨服装材料的质感如何通过线条和光影表达出来。 历史与文化参考的运用： 介绍如何在不生搬硬套历史资料的前提下，提取特定时代或地域的服饰精髓，并将其融入幻想设定。 道具与角色性格的关联： 探讨一个角色随身携带的物品（如特殊的武器、配饰）如何成为其背景故事和内心世界的延伸线索。 第三部分：细节深化与技术实现 本部分侧重于将二维草图提升到可用于制作的三维或高精度二维渲染的阶段。 第六章：面部表情与情绪层级 面部是角色情感表达的焦点。 表情肌肉群与基本情绪： 结合面部解剖，系统梳理愤怒、恐惧、喜悦、悲伤等基本情绪在面部肌肉上的变化规律。 “表演”的绘制： 重点讲解如何在静帧设计中预先设计出角色在特定情节中的“表演”状态，包括眼神焦点、微表情和夸张的同步动作。 口型与声音的匹配（Lip Syncing Basics）： 介绍动画制作中常见的口型图（Viseme）和关键帧的绘制技巧，为后续的动画制作打下基础。 第七章：色彩心理学与材质表现 色彩是强化角色情感和区分视觉群体的强有力工具。 色彩的象征意义： 探讨不同色相、纯度、明度在不同文化背景下传达的心理感受，并应用于角色的主色调设计。 光影的塑造： 讲解如何利用光线和阴影来增强角色的体积感、立体感和戏剧性氛围。分析边缘光、环境光对材质表现的影响。 材质纹理的绘制技巧： 无论是传统水彩、铅笔还是数字绘画，本章指导读者如何高效地表现出金属的冰冷、皮革的厚重、布料的柔软等不同材质的视觉特性。 第八章：设计呈现与项目文档 一个优秀的设计必须能够被制作团队理解和执行。 角色设计规范（Character Bible）： 介绍如何整理和呈现一套完整的角色设计文档，包括正面、侧面、背面视图（Turnaround）、特写（Callouts）以及关键动作表现。 动态参考与分层： 讲解如何为动画师提供清晰的动态参考图，并说明在二维流程中，如何对角色部件进行分组以便于后期骨骼绑定或逐层绘制。 面向三维制作的转化准备： 探讨二维设计如何有效地转换为三维模型的工作流程，包括对拓扑结构、UV布局的基础概念的理解，确保设计意图在三维空间中得以保留。 本书内容丰富，不仅教授“如何画”，更强调“为何要这样画”，引导读者建立起一套完整、逻辑严密的影视动画角色设计思维体系。

评分☆☆☆☆☆

对于我这个从小就沉迷于各种动画片的人来说，这本书简直是一场视觉盛宴和知识宝库的结合。它不仅仅是教你怎么画，更重要的是告诉你“为什么”要这么画。书中对于不同时代、不同文化背景下的动画造型风格的梳理，让我对动画发展的历史有了更清晰的认识。例如，对于20世纪初期的动画，作者分析了其受漫画影响的特点，以及早期的技术局限如何塑造了当时的造型风格。而到了电脑动画时代，造型的可能性又发生了怎样的飞跃，书中也给出了详尽的解读。我尤其欣赏书中关于“写意与写实”相结合的理念，如何从写实的解剖学基础出发，提炼出最能代表角色个性的特征，再进行一定程度的夸张和变形，从而创造出既有真实感又不失艺术性的动画形象。书中穿插的一些小贴士和技巧，比如如何运用“黄金分割”来优化角色比例，如何通过“负空间”来增强画面的冲击力，都极具实用价值。此外，作者还分享了一些自己多年的创作经验和心得，这些“过来人”的建议，对于我这样 aspiring 的动画爱好者来说，无疑是宝贵的财富。它让我明白，造型设计不仅仅是技术活，更是对生活细致入微的观察和对人物情感的深刻体悟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排设计非常用心，图文并茂，内容层次分明。初学者可以从最基础的人物结构和比例讲起，循序渐进地学习如何构建一个立体的角色。我最喜欢的是关于“表情塑造”的部分，作者列举了大量的面部肌肉运动图，并且详细讲解了不同情绪对应的表情变化，例如愤怒时的眉毛下压和嘴角下拉，悲伤时的眼神无神和嘴唇颤抖。这些细致的描绘，让我能够更准确地捕捉角色的情绪。书中还专门辟出章节讲解如何为角色设计服装和道具，从材质的表现到细节的刻画，都给出了非常具体的操作方法。例如，在表现不同材质的服装时，如何通过笔触和色彩的变化来模拟丝绸的飘逸、皮革的厚重或者毛发的柔软，这些都非常实用。而且，这本书并没有局限于传统的2D动画造型，还涉及了一些3D动画角色建模前的概念设计流程，让我对整个动画制作链条有了更全面的了解。作者在讲解过程中，经常会提到一些经典的动画电影，并且分析其中的角色设计是如何服务于剧情和主题的，这种结合实际应用的讲解方式，大大增强了学习的趣味性和有效性。

评分☆☆☆☆☆

读完《影视动画造型基础》，我感到收获颇丰，尤其是在理解角色性格与造型之间的关联上，这本书提供了相当独到的见解。作者并没有将造型设计孤立地看待，而是将其与叙事、情感表达紧密联系起来。比如，书中在讲解反派角色的设计时，深入剖析了如何通过夸张的面部特征、阴影的运用以及服装的剪裁来塑造角色的邪恶、阴郁或狡猾。同时，对于正义或善良的角色，则强调了流畅的线条、柔和的色彩以及更具亲和力的五官比例。书中还提到了“情绪线”的概念，即通过线条的走向和变化来传达角色的内心状态，这一点我之前从未深入思考过，但结合书中大量的插图示例，我立刻明白了它的重要性。作者选取了许多不同类型的动画片段进行讲解，从迪士尼的经典公主系列到皮克斯的 CGI 动画，再到一些风格独特的日本动画，都进行了细致的造型分析。我特别喜欢书中对“动态透视”的讲解，它让我明白，即使是静态的人物，也需要有运动的潜力，如何通过姿势、重心和肌肉的表现来赋予角色生命力，这是我之前绘画时常常忽略的。这本书的语言风格非常平实，没有过多的学术术语，让我在阅读过程中感到轻松愉快，并且能够将所学知识融会贯通，应用于自己的创作实践中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验非常棒，它不仅仅是一本教你绘画的书，更是一本启迪你思考的书。它让我意识到，每一个成功的动画角色背后，都蕴含着设计师的匠心独运和对人物内在世界的深刻理解。书中关于“角色弧光”与造型设计的关系，更是让我耳目一新。作者通过分析一些经典角色在故事发展过程中的造型变化，揭示了造型如何反映角色的成长、转变和内心的挣扎。例如，一个曾经胆小怯懦的角色，在经历磨难后，其造型可能会变得更加坚毅和成熟。这种将造型设计与人物成长叙事相结合的视角，是我之前很少接触到的。此外，书中还对“风格化”进行了深入探讨，分析了不同艺术家和工作室如何形成自己独特的造型语言，以及如何在继承传统的基础上进行创新。阅读这本书，让我感到自己不再是机械地学习绘画技巧，而是开始真正地去理解和创造有灵魂的角色。它激发了我更大的创作热情，让我渴望将脑海中的想象变成屏幕上的鲜活生命。这本书的质量和深度，远超我的预期，绝对是一本值得反复品读的佳作。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本书，我仿佛置身于一个充满想象力与创造力的奇幻世界。第一眼就被其精美的封面设计所吸引，色彩的运用大胆而和谐，人物造型的动态感十足，让人迫不及待地想一探究竟。书中关于角色设计的理论部分，详述了不同风格的人物特点，从写实到Q版，从东方到西方，每一个细节都娓娓道来。尤其令我印象深刻的是，作者不仅仅是简单地罗列概念，而是通过大量的经典影视动画案例进行佐证，例如《狮子王》中角色的力量感，《千与千寻》中奇幻生物的独特性，以及《驯龙高手》中龙与人之间情感的细腻描绘。这些案例的分析深入浅出，让我能够清晰地理解不同造型设计背后的逻辑和意图。在临摹练习部分，书中提供的参考图也是非常丰富，从简单的线条勾勒到复杂的色彩渲染，每一个步骤都给予了充分的指导。我尝试着跟着书中的方法去画，虽然初学者难免生疏，但通过不断的实践，我能明显感觉到自己在捕捉角色神韵方面的进步。这本书不仅仅是一本技术指导手册，更像是一位经验丰富的导师，循循善诱地引导着我进入影视动画造型的世界。它为我打开了一扇全新的艺术之门，让我对动画制作的各个环节有了更深刻的认识和更浓厚的兴趣。