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弗雷德·S·克雷纳，克里斯汀·J·马米亚 著

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出版社： 湖南美术出版社

ISBN：9787535632630

商品编码：1035127604

出版时间：2012-12-01

作  者:弗雷德·S·克雷纳、克里斯汀·J·马米亚 著作 李建群 译者 定  价:298 出 版 社:湖南美术出版社 出版日期:2012年12月01日 装  帧:平装 ISBN:9787535632630 ●前言
●绪论
●艺术史的研究对象与专业词汇 / 1
●21世纪艺术史 / 2
●艺术史家所面临的问题 / 2
●艺术史家所使用的词汇 / 7
●艺术史与其他学科 / 12
●不同的观看方式 / 13
●一、艺术的诞生
●石器时代的非洲、欧洲与近东艺术 / 15
●旧石器时代艺术 / 15
●新石器时代艺术 / 24
●小结 / 28
●二、文明的起源
●古代近东艺术 / 31
●阿卡德、新苏美尔、巴比伦与赫梯艺术 / 40
●埃兰与亚述艺术 / 45
●新巴比伦与阿契美尼德波斯艺术 / 48
●萨珊艺术 / 51
●小结 / 52
●部分目录

内容简介

暂无 弗雷德·S·克雷纳、克里斯汀·J·马米亚 著作 李建群 译者 弗雷德·S·雷纳（Fred.S.K，公元1948-），美国有名艺术史学者，毕业于美国哥伦比亚大学，获艺术和考古学博士学位，曾任波士顿大学艺术史和考古学系主任，《美国考古杂志》主编，耶鲁大学客座教授。现为波士顿大学教授。

    李建群，现为中央美术学院美术史系教授，外国美术教研室教师，硕士研究生导师。主攻西方近现代美术史。1984-1987年中央美术学院美术史系研究生，获硕士学位；1987至今，中央美术院美术史系教师；1992-1993年，伦敦大学考陶尔美术学院访问学者，主修中世纪美术；2002年，伦敦大学大学学院美术史系高访学者，主修等
    精彩书摘
    喷泉中的胜利
    在希腊化时期的巴洛作品中也有非阿塔洛斯王朝的作品，这尊耸立在萨莫色雷斯岛大神圣所（Sanctuary of the Great Gods）中的胜利像（Nike of Samothrace，图5-82）就是一个例外。胜利站在一艘希腊战舰的舰首，她的右臂（已佚）高高举起，正在为海战的胜利者加冕。在这里，我们可以比较一下宙斯祭坛上给雅典娜加冕的胜利（图5-79）。相较之下，帕加玛的浮雕像显得更加平静，而萨莫色雷斯的胜利则更富戏剧性—她的双翼仍在拍打，风拂起她的衣裙，她的长袍缠绕着她的右腿堆起厚厚的褶皱，她的外衣紧紧地贴着腹部和左腿。雕像的基座—战舰，被陈列等

艺术的漫长旅程：一部跨越时空的视觉史诗 导言： 人类文明的演进史，就是一部视觉表达的历史。从洞穴深处的岩画，到博物馆里光辉夺目的杰作，艺术品不仅仅是装饰，它们是特定时代精神、信仰、技术与社会结构的凝练物。本书旨在以宏大的叙事结构和精微的细节分析，带领读者进行一次横跨数万年的艺术朝圣之旅。我们将避开僵化的年代划分，转而聚焦于艺术如何在全球不同地域和文化脉络中相互影响、彼此塑造，最终汇聚成一幅复杂而绚烂的人类创造力全景图。 第一部分：原始的呼唤与文明的曙光 (史前至公元前 500 年) 本部分将深入探讨艺术在人类生存和仪式中的原始功能。我们将从欧洲旧石器时代的洞穴壁画开始，解析那些动物形象的神秘性和狩猎仪式的关联。这不是简单的“写实”，而是对生命力量的捕捉和召唤。接着，我们将审视新石器时代的农业革命如何催生了陶器和早期定居点中的装饰艺术，以及巨石阵等纪念性建筑所蕴含的对宇宙秩序的早期探索。 随后，我们将转向文明的摇篮——美索不达米亚和古埃及。在两河流域，我们会看到苏美尔人、阿卡德人、巴比伦人和亚述人如何通过楔形文字的载体——泥板和宏伟的城门浮雕，来记录王权的神圣性和军事胜利。重点将放在《汉谟拉比法典》碑的浮雕所体现的“神授权力”的视觉语言。 古埃及的艺术，以其永恒的稳定性和对来世的执着，提供了另一套截然不同的视觉体系。我们不仅会分析金字塔、神庙的建筑学成就，更会细致解读壁画和浮雕中严格的“正面律”，探讨这种看似僵硬的风格如何服务于法老神化和永恒化的宗教需求。从图坦卡蒙的黄金面具到阿马尔那时期短暂的自然主义尝试，我们将看到权力与信仰如何雕刻出令人敬畏的艺术符号。 第二部分：古典的理想与哲学的具象化 (公元前 500 年至公元 400 年) 本卷聚焦于古典文明如何将对完美、理性与人文精神的追求，转化为具有里程碑意义的艺术形式。 古希腊艺术的演变是核心。我们将追踪从几何时期到古风时期雕塑的“僵硬”到古典盛期对人体理想化的飞跃。重点研究“对位法”的成熟、理想化人体比例（如波留克列特斯的《持矛者》）的构建，以及盛期古典主义如何通过帕特农神庙，将民主理念、和谐原则与建筑完美融合。随后，我们会探讨希腊化时期，艺术如何转向更富情感、更具戏剧性的表现，预示着个体痛苦和命运的复杂性。 古罗马艺术的特点在于其实用性、工程技术和对希腊遗产的继承与改造。我们将分析罗马共和时期写实主义的人像雕塑，它强调公民的德行和经验。在帝国时期，我们将深入研究公共纪念性建筑，如万神殿（展示了罗马工程学的巅峰）和图拉真纪念柱，探讨这些建筑如何作为宣传工具，服务于帝国宏大的政治叙事。壁画与马赛克艺术的繁荣，尤其是在庞贝和赫库兰尼姆，为我们提供了罗马日常生活和神话叙事的生动窗口。 第三部分：信仰的疆域与风格的勃发 (公元 400 年至 1400 年) 随着古典时代的衰落，艺术的焦点转向了精神世界和宗教权威。 早期基督教艺术在罗马衰落后，在地下墓穴和早期巴西利卡中萌芽，标志着对现世荣耀的淡化和对来世的期盼。拜占庭艺术，以君士坦丁堡为中心，发展出绚丽的马赛克镶嵌艺术，强调神圣的威严和象征意义，如圣索菲亚大教堂中闪耀的金色背景，它旨在将信徒的心灵导向超越尘世的彼岸。 在西欧，中世纪艺术的多元性展露无遗。加洛林和奥托王朝的复兴，试图重新连接古典遗产。随后，罗马式艺术（约 1000-1150 年）以其厚重的墙体、半圆形拱券和充满寓意的壁画和雕塑装饰，构成了防御性和精神堡垒般的教堂。 哥特式艺术（约 1150-1400 年）则是一次革命性的技术和精神飞跃。我们重点探讨飞扶壁、肋拱顶和尖拱如何使建筑向上拔升，追求“天光”。以沙特尔和兰斯大教堂为例，我们将分析光线如何被彩色玻璃窗转化为神圣的物质，以及雕塑如何从建筑上解放出来，变得更加人性化和情感化。同时，本书也将探讨伊斯兰艺术在这一时期的独特发展，特别是其对几何学、书法和植物图案的精妙运用，以及在西班牙、中东和北非的辉煌成就，展示了非西方视觉传统的复杂性与美学高度。 第四部分：人性的觉醒与世界的重塑 (1400 年至 1800 年) 文艺复兴标志着对人、自然和古典智慧的重新发现。 意大利文艺复兴初期，佛罗伦萨成为中心。我们审视透视法的发明如何从根本上改变了绘画的空间观念，以及对人体解剖学研究如何使艺术作品达到前所未有的写实度。从波提切利的异教主题到达·芬奇对科学观察的融合，再到米开朗基罗对人类力量与悲剧性的极致表达，我们将解析“人成为万物的尺度”这一核心思想。 北欧文艺复兴则发展出另一条路径，以细致入微的细节描绘、油画技术的成熟和对道德主题的关注为特征，如凡·艾克的精确光影处理。 16世纪的风格主义（Mannerism）是对古典和谐的一种审慎的反叛，表现出拉长、扭曲和不稳定的构图。 巴洛克艺术（17世纪）是权力（教会与君主）与戏剧性情感的结合。我们将分析卡拉瓦乔的“强光对比法”（Tenebrism）如何营造紧张感，贝尼尼的雕塑（如《圣特蕾莎的狂喜》）如何模糊了艺术的界限，以及荷兰黄金时代艺术（如伦勃朗和维米尔）如何将日常场景提升到深刻的人文关怀的层面。 洛可可艺术（18世纪）则以其精致的装饰性、享乐主义的主题和轻盈的色彩，成为法国贵族文化的最后辉煌。与之相对的，新古典主义的兴起，则标志着对启蒙运动理性与罗马共和美德的回归，为即将到来的政治变革奠定视觉基础。 第五部分：现代性的断裂与多元的景观 (1800 年至今) 工业革命和随之而来的社会动荡，使艺术失去了单一的赞助人和统一的审美标准。 浪漫主义以其对情感、崇高、异域风情和自然力量的赞颂，对抗着新古典主义的理性。德拉克洛瓦的激情与特纳对光线与氛围的探索，揭示了人类内心的汹涌。 19世纪中叶，现实主义试图记录被忽视的工人阶级和日常生活的真相。印象派则彻底解放了色彩和光影，将画布变成了一个捕捉瞬间感知的实验室，莫奈和雷诺阿的作品标志着艺术家的目光第一次主要投向了自身的主观感受而非外部权威。后印象派（塞尚、梵高、高更）则开始探索结构、情感表达和象征意义的内在可能性，为20世纪的实验铺平了道路。 20世纪的艺术经历了前所未有的加速和断裂。野兽派的原始色彩、立体主义对多视角空间的解构，以及抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）对纯粹形式和精神性的追求，标志着“再现”时代的终结。达达主义以其反艺术的姿态，对既有的审美体系发起挑战。超现实主义则深入潜意识的领域。 战后，美国艺术崛起，抽象表现主义的巨幅画布体现了强大的个体意志。接着，波普艺术（安迪·沃霍尔）将商业文化和大众媒介带入殿堂，模糊了高雅与低俗的界限。极简主义试图消除一切叙事和情感。当代艺术则进入了媒介多元化、全球化和观念主导的阶段，装置、行为艺术、录像艺术等不断拓展艺术的定义边界。 结语： 本书的收尾不会试图为当代艺术提供一个简单的总结，而是强调艺术史是一个永不终结的过程。每一件作品都是一个对话的起点——与创作者、与历史、与我们自身——我们所审视的，是人类面对时间、死亡、信仰、爱与美的永恒追问在不同物质载体上的投影。通过理解这些视觉语言的演变，我们才能更深入地理解我们自己和我们所处的这个世界。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最直接感受，是一种知识的满足感和对历史深度的敬畏。它不像那种轻飘飘的旅游读物，只是走马观花地介绍一下名胜古迹。它是在历史的洪流中，耐心地为你梳理出那些关键的“转折点”——无论是媒介的革新、赞助体系的改变，还是思潮的碰撞。例如，书中关于印刷术对知识传播和艺术普及影响的论述，虽然看似是技术史的内容，却被巧妙地融入了艺术史的叙事中，揭示了社会技术进步对审美观念的根本性重塑。这种跨学科的视野，让整本书的结构异常坚实。它不是简单的断代史，更像是一部关于人类如何用视觉语言记录、解释和改造自身命运的史诗。合上书卷时，心中涌起的不是“读完了”的轻松，而是“我领略了”的充实感，是一次对人类文明遗产的郑重朝拜。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始还有点担心这么宏大的主题会不会写得过于枯燥乏味，毕竟艺术史动辄就是几千年上万年的跨度。但事实证明，我的担忧是多余的。这本书的叙事节奏掌握得极好，它懂得在浓墨重彩处给予足够的篇幅，而在某些过渡性的时期则采取更为简洁有力的概括。最让我眼前一亮的是，作者对非西方艺术的纳入，让整个世界图景变得立体起来。它没有将西方艺术史视为唯一的标准和参照系，而是努力去展现不同文明在同一时期对于“美”与“秩序”的独特理解和表达。这种包容性和全球视野，在当前的艺术研究中显得尤为珍贵。每一次翻阅，都像是在进行一次跨文化对话，让人对人类创造力的多样性感到由衷的敬畏。它提供的不仅仅是知识，更是一种谦逊的、多元的文化视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书的文字功力着实令人叹服，它有一种老派学者的严谨，但又丝毫不失文学作品应有的韵味。我特别喜欢它在处理那些晦涩难懂的哲学思潮与具象艺术表现之间的转化时所展现的功力。比如，书中论及巴洛克艺术时，那种戏剧性的光影对比和强烈的动感，被赋予了深刻的宗教和政治内涵，作者没有简单地将其归类为“华丽”，而是深入挖掘了其背后对绝对权力的呼应与民众情感的引导作用。阅读过程中，我常常需要停下来，细细品味那些精妙的比喻和精准的措辞。它并非一本快消式的普及读物，需要投入时间和精力去咀嚼。但回报是丰厚的，它训练了一种新的观察方式，让你在面对任何视觉信息时，都能自动地去探寻其结构、符号和意图。这套书的编排也看得出是用心良苦，图文的对照处理得恰到好处，既有冲击力，又不至于让图片喧宾夺主，完全是教科书级别的典范。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，绝不仅仅在于它收录了多少重要的作品或流派，更在于它构建了一套严密的分析框架。对于当代艺术的探讨部分，尤其精彩。作者没有止步于对概念的罗列，而是深入剖析了现代性危机是如何一步步渗透到艺术创作中的。从杜尚的小便池到波普艺术对消费主义的戏仿，作者提供了一套清晰的脉络，解释了艺术如何从“再现”走向“观念”。我特别欣赏作者在处理那些极具争议性的当代作品时所保持的客观和克制，他引导读者去思考“为什么是这样”，而不是简单地评判“好不好”。这种智力上的挑战性，恰恰是吸引我不断深入阅读的动力。它迫使我走出舒适区，去理解那些看似荒谬的艺术表达背后，蕴含的对社会结构和权力体系的深刻反思。读完后，我对“什么是艺术”这个问题有了更复杂、更有层次的理解。

评分☆☆☆☆☆

哇，最近读了这本厚厚的艺术史著作，简直是打开了我认识世界的一扇新窗户！作者的笔触细腻而富有洞察力，他不仅仅是在罗列艺术家和作品，更是在讲述艺术如何与人类文明的脉搏同频共振。尤其让我印象深刻的是，书中对文艺复兴时期佛罗伦萨艺术生态的描绘，那种从神性回归人性的转变过程，被描述得淋漓尽致。你仿佛能闻到空气中弥漫的颜料和石灰的味道，看到那些雕塑家们在工作室里挥洒汗水的情景。作者巧妙地将艺术家的个人经历与宏大的历史背景结合起来，让人理解了为什么有些作品会带着那个时代的特定烙印。比如，对于透视法的引入和光影运用的探讨，绝不仅仅是技术层面的分析，而是深入剖析了当时人们世界观的转变。这本书的论述逻辑性极强，层层递进，即便是对艺术史一窍不通的门外汉，也能被它流畅的叙事所吸引，沉浸其中，感受艺术跨越时空的魅力。读完后，再去博物馆看那些原作，那种震撼感完全不一样了，因为你了解了它们诞生的土壤和背后的心路历程。

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好东西，正版。

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好

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好

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物流太差劲了，送过来的时候封面包装都坏了

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